Thursday, December 20, 2012

THE HOBBIT: AN UNEXPECTED JOURNEY (2012)

Mudah yang dirumitkan

Thursday, December 6, 2012

LIFE OF PI (2012)

Kehidupan yang penuh takjub
Oleh Syazwan Zakariah
(syazwan_zakariah@astro.com.my)

Pada era sinema hari ini, penonton menjadi semakin cerewet dan sukar dipuaskan kerana mempunyai banyak pilihan. Seringkali filem yang memberi tumpuan kepada kesan khas ‘diperlekeh’ dan dilabel sekadar hiburan komersial tanpa kekuatan jalan cerita atau pengarahan yang baik untuk menyokongnya.

Apabila menyentuh isu kualiti, penonton malah pengkritik, cenderung memilih tema-tema berat sebagai contoh, terutama sekali filem epik atau era klasik yang dirasakan lebih ‘serius’ pembikinannya, antaranya dalam aspek lakonan.

Bagaimanapun, dunia harus berterima kasih kepada Ang Lee kerana setakat ini dia tidak pernah gagal mengimbangi tuntutan komersial dan kualiti; di antara kehendak pasaran/penonton dengan keinginan pengkritik. Melihatkan senarai arahannya, barangkali hanya Hulk (2003) yang sedikit tersasar dari jangkaan.

Nama Lee mula mengharum di seantero dunia menerusi naskhah aksi Crouching Tiger Hidden Dragon (2000) sebelum meraih trofi Pengarah Terbaik Oscar dengan Brokeback Mountain (2005). Kehebatannya diteruskan melalui drama thriller Lust, Caution (2007) dan komedi muzik Taking Woodstock (2009).

Menerusi Life of Pi, Lee memberikan sebuah adikarya yang berfungsi dalam pelbagai peringkat – ia menghiburkan, mengagumkan malah memberi kesan yang mendalam. Bermula dari babak pertama sehingga yang terakhir, penonton tahu Lee memerah segala kudratnya untuk menjadikan filem ini satu realiti.

Diadaptasi dari novel popular tulisan Yann Martel, ramai yang menyuarakan kebimbangan kerana intipatinya yang sukar diterjemah ke dalam bahasa sinematik. Bercerita mengenai kewujudan Tuhan serta unsur-unsur falsafah dan spiritual, setiap pembaca buku tentu mempunyai imaginasi yang berbeza-beza.

Filem dibuka dengan karakter utama, Piscine Molitor atau Pi (lakonan Irffan Khan) yang bercerita tentang kisah hidupnya kepada seorang penulis (Rafe Spall). Kisah itu membawa mereka mengimbas sejarah Pi sejak dilahirkan dan ketaksubannya terhadap semua agama, dari Kristian, Buddha sehinggalah Islam.

Pengembaraan Pi (watak remaja dibawakan Suraj Sharma) bermula apabila bapanya memutuskan mereka sekeluarga berpindah dari India ke Kanada. Penghijrahan itu disertai haiwan-haiwan yang tinggal di dalam zoo milik bapa Pi yang dibakal dijual untuk mereka membina kehidupan baru.

Bagaimanapun, takdir menentukan kapal mereka tenggelam dilanda ribut. Pi menjadi satu-satunya mangsa yang terselamat. Dia berjaya melepaskan diri dengan sebuah bot keselamatan yang turut ditumpangi seekor kuda belang, dubuk, orang utan dan seekor harimau yang dipanggil Richard Parker.

Pi kini terdampar di tengah-tengah lautan Pasifik di mana akhirnya tinggal dia dan Richard Parker saja yang terus berjuang untuk hidup. Naratif filem ini berulang-alik di antara Pi dewasa bercerita kepada penulis dengan imej-imej keberaniannya di atas bot untuk ‘menjadi sahabat’ kepada seekor binatang buas.

Apa yang menarik ialah Martel selaku penulis asal dan David Magee sebagai penulis lakon layar tidak cuba ‘menjadikan’ harimau itu seorang manusia. Penonton masih dapat merasakan keterbatasan dua mamalia ini untuk berkomunikasi, tetapi ada ruang bertolak ansur demi survival di tengah laut.

Life of Pi bukan sekadar sebuah cereka tentang ikhtiar manusia dan segala kepayahannya. Kewujudan Richard Parker seolah satu simbol untuk kita menilai ‘apa yang membezakan manusia dan haiwan’ atau ‘mampukah manusia bertukar menjadi haiwan’ dalam situasi-situasi genting sebegitu.

Salah satu babak yang menyentuh perasaan ialah ketika Richard Parker meninggalkannya tanpa berpaling, mengingatkan Pi tentang kehilangan ahli keluarganya tanpa sempat mengucapkan selamat tinggal.

Dia juga percaya obsesinya terhadap konsep agama secara universal menjadi ‘pelampung’ untuk dia terus bertahan. Dia mula memahami pesan bapanya ketika dia kecil bahawa ‘agama itu tentang kegelapan’ yang memberikan maksud tersirat yakni menerusi kepercayaan, segala ujian hitam mampu ditempuh.

Kejayaan terbesar Lee ialah menjadikan bukunya yang berat kepada sebuah filem yang mudah dihadam sesiapa saja. Menerusi bantuan kesan khas, segala imaginasi dapat dilunaskan, bukan saja dengan baik, malah sangat cemerlang.

Sinematografer Claudio Miranda menangkap syot-syot yang menakjubkan, disokong kerja grafik yang paling baik untuk mana-mana filem tahun ini. Life of Pi mempunyai harapan cerah untuk menang Oscar dalam aspek kesan khas, malah berdasarkan kapasiti itu, mungkin tercalon untuk kategori Filem Terbaik.

Visi yang Lee ciptakan iaitu integrasi di antara lautan, seorang budak dan harimau, amat luar biasa. Penonton benar-benar percaya dan yakin dengan ‘lakonan’ Richard Parker, malah hembusan nafasnya, raut muka dan sosok tubuhnya kelihatan sangat bernyawa, walhal ia hanyalah satu ilusi kesan khas.

Pengalaman menonton filem ini barangkali mengingatkan kita kepada Cast Away (Robert Zemeckis, 2000). Penonton boleh terpaku di kerusi hampir dua jam dengan hanya menyaksikan seorang lelaki dan sebiji bola terdampar di pulau.

Namun, bonus yang diberikan Lee dalam Life of Pi ialah visual yang sangat cantik (lebih menarik jika ditonton dalam versi 3D kerana kehalusan buatannya), setanding mood sains fiksyen Avatar (2009) dan Hugo (2011).

Sebagai pelakon baru, Sharma dilihat sedaya upaya menghidupkan watak Pi, mengingatkan saya kepada persembahan pengenalan yang hebat dari pelakon seusianya seperti Rudy Youngblood (Apocalypto, 2006) dan Dev Patel (Slumdog Millionaire, 2008). Impresif, tetapi sayangnya bukan pilihan anugerah.

Sementara itu, Khan (The Namesake, 2006) walaupun hanya muncul beberapa babak sebagai Pi dewasa memberikan persembahan yang dinamik. Melalui penceritaannya, kita dapat merasai pengembaraan Pi. Dia bercerita bukan saja menerusi dialog, tetapi mimik wajah dan mata yang bercahaya.

Barangkali, penamat filem ini menimbulkan keraguan jika apa yang diceritakan Pi itu benar belaka atau sekadar rekaannya. Apa pun, sebagai pengarah, Lee sama sekali tidak mengecewakan, malah terus disanjung sebagai pengarah paling fleksibel dalam menangani sebarang genre.

Thursday, November 29, 2012

THE PERKS OF BEING A WALLFLOWER (2012)

Pahit tetapi jujur
Oleh Syazwan Zakariah syazwan_zakariah@astro.com.my

JANGAN terpedaya dengan treler filem ini. Ia kelihatan sangat 'menyeronokkan' dan penuh dengan warna ceria. Sekali imbas, sedutan itu memberi gambaran The Perks of Being a Wallflower hanyalah satu lagi karya tipikal tentang transisi remaja ke fasa dewasa, mengenai alam persekolahan dan dunia selepasnya. Anda silap kerana filem ini lebih dari itu. The Perks of Being a Wallflower ditulis dan diarahkan Stephen Chbosky yang juga penulis novelnya. Dia bertuah kerana mendapat kepercayaan untuk mengalihkan naskhah ini dari kertas ke layar perak mengikut visi yang dimilikinya sejak awal lagi. Bukan semua pengkarya berpeluang melakukannya. Naskhah ini mengisahkan seorang pelajar bernama Charlie yang tidak dipedulikan kewujudannya. Pemalu, rendah diri, ulat buku dan membosankan, dia sebenarnya sedang melawan masa silamnya yang amat menakutkan. Rakan baiknya mati membunuh diri. Ibu saudaranya pula meninggal dunia pada hari ulang tahunnya yang ketujuh dan dia rasa berdosa atas kematian itu - hal ini terjawab pada penghujung cerita. Tragedi-tragedi itu menyebabkan dia mengasingkan diri, bukan saja dengan komuniti malah keluarganya sendiri. Charlie 'mengubat lukanya' dengan menulis jurnal, mendedikasikan tulisan-tulisannya ibarat sepucuk surat kepada seorang sahabat. Dia meluahkan segala yang terpendam seperti bercerita kepada seseorang yang tidak dikenali. Suatu hari, Charlie memberanikan diri untuk menyapa seorang pelajar senior, Patrick yang sekelas dengannya. Charlie berasa selesa kerana Patrick menerima kehadirannya dengan tangan terbuka walaupun perangai mereka berlainan. Patrick mempunyai adik tiri bernama Sam dan mereka bertiga menjadi akrab. Persahabatan itu membuka jalan untuk Charlie mengenal rakan-rakan lain. Dia mula mendengar lagu-lagu terkini kegilaan remaja, berparti serta menjadi penonton setia The Rocky Horror Picture Show. Matanya lebih 'terbuka' melihat dunia, dapat merasai kucupan pertama, juga merasa keliru jika sayang itu cinta. Kerana Chbosky memahami karakter-karakter ciptaannya secara psikologi mahupun fizikal, dia berupaya mengarahkan setiap pelakon untuk menjadi dan merasai seperti apa yang dia bayangkan. Chbosky menghasilkan interaksi yang sangat tulen, yang mampu menimbulkan empati kita kepada setiap karakter. Filem ini tidak hanya tertumpu kepada Charlie, meskipun dia plot penting. Penonton turut belajar tentang 'penderitaan' Patrick yang tersembunyi di sebalik sifat periangnya. Juga tekanan Sam untuk mendapat keputusan cemerlang, sekali gus membersihkan reputasinya yang dulu dianggap gadis murahan. The Perks of Being a Wallflower meneroka emosi remaja-remaja ini dalam kekeliruan untuk menjadi 'seseorang' - satu perasaan yang kita semua pernah rasai. Biarpun masing-masing datang dari latar yang gelap, tersiksa dan rapuh namun mereka masih berharap agar segalanya baik-baik belaka kelak. Ini tidak bermaksud filem ini mempunyai nuansa yang murung sepanjang masa. Chbosky tahu untuk mengimbangi di antara komedi dan babak-babak yang membuatkan penonton tersenyum; tetapi dalam sekelip mata mampu terhenyak dengan emosi apabila sejarah karakter utama terbongkar satu demi satu. Chbosky tidak memperlekehkan kematangan penonton untuk mengerti apa yang dirasai Charlie. Dia juga tidak memberikan satu penamat yang pasti, sebaliknya realiti di antara sayu dan gembira. Menggunakan lagu Heroes dari David Bowie sebagai penutup memberi signifikan yang jelas tentang transformasi Charlie. Memainkan peranan Charlie adalah satu kerja yang rumit tetapi ditangani cemerlang oleh Logan Lerman (Percy Jackson & The Olympians: The Lightning Thief, 2010). Kita tidak melihat Lerman sebaliknya percaya dia adalah Charlie. Setiap tutur kata dan tingkah lakunya telus malah sepuluh minit terakhir membuktikan persembahannya bertaraf anugerah. Emma Watson pastinya menjadi tumpuan kerana ini merupakan filem terbesarnya selepas francais Harry Potter (2001-2011) berakhir. Dia memiliki segala yang diperlukan untuk watak Sam - bijak, cantik, cergas dan 'playful' tetapi masih sensitif. Sesekali apabila Watson terbawa-bawa loghat British (watak Sam ialah gadis Amerika), kita akan teringatkan Hermione Granger. Namun perasaan itu segera hilang menyaksikan keserasian wataknya bersama Charlie dan Patrick lakonan Ezra Miller. Miller (We Need To Talk About Kevin, 2011) mencuri perhatian penonton dalam setiap babak yang membabitkannya. Dia adalah 'pak lawak' tetapi dia juga mampu membuatkan kita tersentuh pada babak tertentu. Biarpun gambaran wataknya sebagai homoseksual agak stereotaip tetapi dia tidak menjengkelkan. The Perks of Being a Wallflower mempunyai kumpulan pemain yang baik biarpun mereka sekadar pelakon pembantu dan tambahan. Misalnya, Paul Rudd sebagai cikgu bernama Mr. Anderson. Walaupun kemunculannya hanya dalam beberapa babak tetapi penting dalam penceritaan dan meninggalkan kesan. Selain lakon layar yang kemas dan persembahan lakonan yang mengagumkan, skor muzik Michael Brook (Into The Wild, 2007) menyumbang kepada kekuatan filem ini. Alunan muziknya sepadan dengan 'gema' babak yang ditampilkan. Pemilihan lagu-lagu runut bunyi juga yang dilakukan penyelia muzik Alexandra Patsavas (The Twilight Saga, 2008-2012) sangat bersesuaian dengan era latar 1990-an, menjadi simbol dan refleksi kepada selera remaja ketika itu. The Perks of Being a Wallflower adalah filem tentang tumbesaran remaja tetapi olahannya tidak tipikal seperti kebanyakan yang lain, misalnya francais American Pie (1999-2012). Filem ini sangat jujur sehingga kita akan mengangguk tanda mengakui kebenarannya, walaupun pahit.

Thursday, November 15, 2012

ISTANBUL AKU DATANG (2012)


Poskad istimewa dari Istanbul
Oleh Syazwan Zakariah
(syazwan_zakariah@astro.com.my)
Sedar atau tidak, genre komedi romantik di Malaysia seakan sedikit terpinggir berbanding genre lain. Sama ada pembikin menganggap jenis filem sebegini terlalu ringan, remeh dan kurang mencabar; atau mereka sebenarnya menyedari tidak mempunyai kepakaran untuk melakukannya.
Bukan tiada yang mencuba, tetapi selalunya tidak kesampaian. Hasilnya seperti separuh masak - hanya komedi tetapi tidak romantik, atau hanya romantik tetapi tidak komedi atau kedua-duanya tidak menjadi. Nampak mudah, tetapi genre ini harus ada kehalusan pembuatannya kerana kuat bermain dengan perasaan.
Menerusi Gol & Gincu (2005) dan Pisau Cukur (2009), pengarah Bernard Chauly dan penulis skrip Rafidah Abdullah membuktikan yang mereka memahami acuan dan struktur komedi romantik. Kedua-dua filem itu mendapat sambutan yang baik, mendorong mereka untuk menawarkan menu serupa sekali lagi.
Istanbul Aku Datang mengisahkan Dian yang sanggup terbang ke Istanbul untuk bertemu teman lelakinya, Azad yang menuntut di sana. Ingin mengambil kursus jangka masa pendek di universiti yang sama, dia harus memastikan Azad melamarnya dalam tempoh enam bulan.
Bagaimanapun, perancangan itu tidak selicin yang disangka. Dia terpaksa duduk berasingan apabila Azad tidak selesa mereka sebumbung dengan pelajar-pelajar Malaysia yang lain. Ibarat sudah jatuh ditimpa tangga, dia ditipu ejen rumah sewa dan terpaksa tinggal dengan Harris, lelaki Melayu yang tidak dikenalinya.
Seperti dua naskhah Bernard dan Rafidah sebelum ini, watak utama wanita adalah ‘hero’ yang menjadi tunjang penting penceritaan. Dian merupakan simbol gadis moden yang berdikari, pintar dan berjiwa kental, tetapi tidak terlepas dari sisi semulajadi seorang perempuan yang rapuh dan mampu terpedaya.
Bernard dan Rafidah berupaya mengangkat semangat feminisme dengan cermat. Mereka tidak memperlekeh wanita, tetapi tidak juga menjulang secara berlebihan. Ciri-ciri ini bukan saja terbias pada Dian tetapi sudah diwujudkan pada Puteri (Gol & Gincu) serta Intan dan Bella (Pisau Cukur).
Ketiga-tiga karakter ini mempunyai persamaan yang jelas, di mana pada awal cerita mereka seakan ‘hilang’ tetapi mula mengenali diri sepanjang perjalanan. Benar, ia bukanlah sesuatu yang baru dalam naskhah komedi romantik, tetapi tidak semua pembikin mampu membina perwatakan yang ‘solid’ dan dipercayai. 
Kelebihan Bernard dan Rafidah ialah mencuri stail ‘chick flick’ Hollywood dan mengadaptasikannya dalam persekitaran Melayu hari ini. Perbuatan itu tidak ‘berdosa’ asal saja ia dilakukan dengan betul, baik dan bercita rasa tinggi.
Mereka tahu untuk menyusun babak demi babak, serta peristiwa demi peristiwa untuk ‘memaku’ penonton. Dialog-dialog yang ditulis kedengaran organik dan relevan, terutamanya kepada golongan muda yang menjadi sasaran utama demografi. Bernard dan Rafidah berjaya mencipta sebuah dunia yang kita semua tahu ia sekadar khayalan tetapi masih berpaksikan realiti.
Kraf dalam menangani genre komedi romantik boleh menjadi ‘tricky’, lebih-lebih lagi untuk mereka berdua yang sudah kerap melakukannya. Di sinilah terletaknya kebijaksanaan Bernard dan Rafidah apabila menjadikan latar dan suasana sebagai salah satu watak penting, dalam konteks ini Istanbul itu sendiri.
Filem Kad Cinta (1995) arahan Julie Dahlan pernah menjalani penggambaran di kota yang sama, tetapi apa yang terhasil sekadar rakaman tempat-tempat cantik tanpa signifikan. Watak-wataknya tidak berkaitan dengan situasi, menjadikan babak itu tiada bezanya jika dirakamkan di Kuala Lumpur atau di tempat lain.
Berlainan dengan Istanbul Aku Datang, kota itu dan orang-orangnya ‘dilibatkan’ dalam penceritaan, supaya pemilihan lokasi di luar negara tidak sia-sia dan lebih memberi makna. Filem ini ibarat kiriman poskad cantik yang menuliskan cerita-cerita menarik dan istimewa agar boleh dibaca berulang-ulang kali tanpa jemu.
Ini terbukti apabila kali kedua saya menontonnya di pawagam, saya masih terusik dan terhibur. Antara babak yang paling mengesankan ialah ketika Harris membantu mencuci rambut Dian. Emosi pada adegan ini begitu kuat, bercampur baur di antara sayu dan senyuman, ditambah dengan lagu latar yang tepat.
Watak Harris dibina dengan sempurna, di mana asalnya disangkakan sekadar peranan pembantu tetapi menjadi ‘prominent’ menuju ke penghujung cerita. Menyerahkannya kepada Beto Kusyairi adalah keputusan yang tepat kerana dia mengerti apa yang perlu dilakukan menerusi bahasa tubuh dan nada suara.
Pada awal kemunculan, penonton hampir percaya Harris ialah lelaki gay apabila dia kelihatan sedikit lembut dari gaya berjalan dan bercakap, lebih-lebih lagi dalam babak perang mulut. Begitupun, Beto mengubah persepsi itu dalam sekelip mata apabila Harris kemudiannya menjadi pelindung kepada Dian.
Tidak keterlaluan jika dikatakan filem ini menonjolkan lakonan terbaik Lisa Surihani. Watak Dian bukan saja diresapi melalui pengayaan busana yang lebih muda, segar dan manis, tetapi penjiwaannya diselami dengan baik. Lisa yang selama ini banyak diserahkan watak matang kelihatan ‘playful’ dan ‘quirky’.
Dia juga mampu menukar suis perasaan dengan sekali petik, misalnya ketika babak dia terpaksa berkemas beg untuk keluar rumah. Walaupun babak itu tidak menunjukkan wajah Dian dan hanya sisi tubuh yang bergetar, namun sudah cukup untuk membuatkan penonton berkongsi hiba.
Barangkali kerana kurang pengalaman berbanding Lisa dan Beto, Tomok ada masanya kelihatan kaku. Begitupun, lakonan Tomok tidaklah teruk kerana keserasiannya dengan pelakon lain, terutamanya Lisa masih boleh ‘dibeli’.
Sedikit kelemahan dari aspek kerja kamera, Istanbul Aku Datang terhasil sebagai sebuah filem cinta tempatan yang menyeronokkan; dibumbu dengan panorama dan landskap indah serta skor muzik yang nyaman.

Thursday, November 8, 2012

ZAITON : CERITAKU (2012)

Zaiton seperti yang diceritakan
Oleh Syazwan Zakariah (syazwan_zakariah@astro.com.my)
Membikin filem berdasarkan kisah sebenar, baik peristiwa mahupun individu, adalah sesuatu yang sangat kompleks. Kerumitan itu bukan saja terbeban pada pasukan rekaan produksi yang merangkumi set, kostum dan sebagainya, malah paling penting kepintaran penulis dalam menyusun cerita dan karakternya. Dalam konteks filem autobiografi, penulis mesti sedar apa yang ingin dicapai. Dia harus teliti dengan setiap perincian individu yang diceritakan, bukan saja dari aspek fizikal, malah mendalami perbuatan dan jiwanya. Dalam durasi kurang lebih dua jam, apa yang ingin dirumuskan dalam naskhah itu amat mustahak. Justeru, selepas menonton Zaiton Ceritaku, saya tidak pasti apa ‘misinya’. Zaiton Sameon yang sebenar muncul pada penghujung cerita, memberitahu bahawa “jangan lupa diri ketika berjaya dan sentiasa ingat mereka yang di bawah”. Tidak ada cacat celanya nilai moral itu, tetapi saya tidak faham dengan apa yang dimaksudkan ‘ketika berjaya’ dan ‘jangan lupa diri’. Ini kerana Zaiton Ceritaku hanya memberi fokus kepada keperitan hidupnya selepas kemalangan - bagaimana dia harus survive dalam keadaan hilang ingatan, harta, keluarga dan segala-galanya. Zaman ‘ketika berjaya’ sehingga dia ‘lupa diri’ tidak jelas, tidak dikembangkan dan tidak diterokai. Terdapat babak pembukaan yang menunjukkan Zaiton selesai membuat persembahan, kemudian disorak dan dipuji di belakang pentas. Babak seterusnya, dia ditimpa kecelakaan jalan raya. Bayangkan jika saya tidak mengenali langsung siapa Zaiton Sameon. Adakah dengan hanya satu adegan awal tadi sudah cukup untuk membuatkan saya percaya dia penyanyi yang sangat gah, masyhur dan ‘berjaya’ satu ketika dulu? Sepanjang filem berputar, penulis skrip Ainon Arif dan pengarah Esma Daniel lebih selesa untuk mempamerkan ‘ketidakwarasan’ Zaiton dan orang-orang sekeliling yang cuba mengambil kesempatan ke atasnya. Lalu, saya merasakan, bukankah lebih relevan jika Zaiton pada penghujung cerita sepatutnya memberitahu, “jangan pinggirkan insan seperti saya”? Saya pasti banyak kekangan yang perlu dihadapi sepanjang pembikinan autobiografi. Sama ada kisah itu dari orang yang masih hidup ataupun sudah mati, tentu banyak perkara sensitif yang harus dijaga dan diambil kira. Begitu pun, ia berbalik semula kepada kreativiti penulis untuk memanipulasikannya. Saya kurang jelas mengapa era kegemilangan Zaiton tidak ditunjukkan. Kewujudan watak seperti komposer, penari pengiring, pemuzik, peminat atau wartawan barangkali dapat membantu; sekurang-kurangnya memberi idea kepada penonton siapa Zaiton ketika di kemuncak. Ainon seperti malas untuk memikirkan soal ini dan menganggap penonton sudah terus kenal. Saya juga kurang jelas mengapa nama sebilangan watak, misalnya adik-beradik Zaiton ditukar. Bukankah ini berdasarkan kisah benar? Alasan untuk menutup aib keluarga seakan tidak munasabah. Atau adakah filem ini separa fiksyen? Saya berkata demikian kerana seingat saya, selepas kemalangan, Zaiton tidak pernah menjadi duta produk kecantikan, apatah lagi kesihatan. Namun, di dalam filem ini, dia ditawarkan menjadi jurucakap produk Kilauan Platinum. Saya mungkin silap tetapi saya merasakan ‘realiti’ itu sangat janggal. Kesulitan dan kesengsaraan Zaiton hanya ditunjukkan menerusi siri babak dia ‘ketagih’ menyanyi, tidak kira di kenduri kahwin, gerai durian mahupun di tepi jalan. Babak-babak ini seharusnya mengundang simpati, tetapi kebanyakannya menjadi bahan ketawa. Salah penonton atau penulis yang silap mengolahnya? Zaiton Ceritaku mempunyai banyak ruang untuk penonton merasai penderitaan penghibur ini. Kisah Zaiton kehilangan anaknya - bagaimana dia berasa trauma dan terigau-igau - barangkali lebih menyayat hati, berbanding penonton menyaksikan dia ke hulu ke hilir menyanyi seperti tidak tentu arah. Sebenarnya Zaiton Ceritaku adalah cerita Zaiton yang sekarang. Generasi hari ini sepatutnya diberi peluang untuk mengenali siapa Zaiton yang dulu. Dari aspek pengarahan, Esma banyak membuang masa dengan syot-syot yang tidak membantu penceritaan, seolah mahu mengisi durasi dengan bingkai-bingkai cantik tetapi tidak bermakna. Misalnya, babak ketika Zaiton terlentang di tengah-tengah jalan dan tidak dipedulikan. Saya tidak pasti signifikannya. Lebih mengelirukan apabila ‘establishment’ diberi kepada seorang wanita muda yang tidak penting pun untuk babak itu. Begitu juga babak penamat di mana Zaiton berbual dengan seorang gadis yang asalnya watak tempelan. Rasanya lebih kemas jika filem ini dibuka dengan perbualan mereka dan ditutup juga dengan perbualan itu, agar lakon layarnya lebih ‘structured’. Bukan sekadar suka-suka mewujudkan sesuatu babak. Momen yang benar-benar menyentuh hanyalah apabila visual asal dipaparkan, misalnya ketika Zaiton menang Anugerah Juara Lagu, gambar-gambar bersama keluarga, ketika kemalangan serta rakaman dia menziarah pusara arwah anak. Selain busana dan tatarias yang harus diberikan penekanan (aura Zaiton dalam filem ini tidak cukup flamboyant dan sepadan dengan Zaiton sebenar), rasanya Ainon juga harus berhati-hati dengan penggunaan kosa kata. Rasanya terma ‘diva’ hanya mula diguna pakai pada era milenium, tidak pada era Zaiton. Saya tidak mahu menyalahkan Nadia Aqilah yang nampak berusaha keras menghidupkan karakter ini. Bakatnya boleh dipuji, lebih-lebih lagi ini filem pertamanya. Perbezaan dari sosok fizikal juga bukan masalah Nadia sebaik saja penerbit dan pengarah memutuskan peranan ini miliknya. Saya hargai hasrat murni penerbit yang ingin menaikkan semula nama Zaiton dan memberikan penghargaan. Namun, lebih seronok jika rasa hormat itu dapat diterjemahkan dengan cermat, tanpa membuatkan Zaiton sendiri tersinggung atau mempersoalkan kewajaran ketika dia menyaksikannya.

Thursday, November 1, 2012

SKYFALL (2012)

Seperti di awangan 
Oleh Syazwan Zakariah (syazwan_zakariah@astro.com.my)
Skyfall menandakan kali ketujuh Judi Dench memainkan watak ketua perisik, M dalam francais paling popular, James Bond. Kehadirannya kali ini dirasakan lebih menyerlah dan mendapat lebih masa tayangan, menjadikan dia ratu segala ratu untuk kesemua gadis Bond sejak siri filem ini diwujudkan 50 tahun lalu. M dalam Skyfall adalah ketua yang dingin, keras hati dan tetap pendirian. Dia seorang pemimpin yang mendesak, meminta lebih dan lebih; serta kurang peduli tentang keselamatan ejennya. Semua ini kerana dia tidak mahu memperjudikan risiko yang lebih besar iaitu keselamatan keseluruhan rakyat England. Ada sebab mengapa saya memulakan ulasan ini dengan menonjolkan M terlebih dulu. Tanpa mahu mengurangkan rasa teruja anda untuk pergi menonton, biarlah saya hanya mengatakan Skyfall adalah satu dedikasi untuk watak ikonik itu dan kemunculannya dalam filem ini akan dikenang buat selama-lamanya. M juga sebab utama mengapa penjahat di dalam filem ini wujud. Silva (lakonan Javier Bardem) ialah bekas ejen MI6 yang pernah berada di bawah kepimpinan M. Ingin membalas dendam selepas dilucutkan jawatan, sistem keselamatan badan perisikan sulit itu digodam dengan tujuan memusnahkan. Penulis skrip John Logan, Neil Purvis dan Robert Wade mencipta simetri yang sangat menarik apabila wira dan penjahat di dalam Skyfall, kedua-duanya ‘ciptaan’ M. Wanita itu harus mempertahankan maruahnya, bukan saja di depan kabinet menteri tetapi terlibat sama dalam pertarungan dan tembak-menembak. ‘Kematian’ Bond pada babak awal seperti satu rujukan kepada kegagalan filem terdahulu, Quantum of Solace (2008) dalam menawan hati pengkritik dan penonton. Skyfall adalah peluang untuk francais ini menebus kembali kredibiliti dan kemegahan namanya, sesuai dengan hari jadi yang ke-50 tahun ini. Di tangan pengarah Sam Mendes (American Beauty, 1999), Skyfall adalah gambaran Bond sebagai hero yang anda dambakan pada abad ke-21. Menyeronokkan tetapi tidak memperlekeh, kompleks tetapi masih pandai berjenaka, tangkas dan pantas namun tetap mempunyai sisi lemah dan pasrah. Selain Bond sendiri sebagai sumber kekuatan, Mendes mengambil serius akan legasi 007. Filem ini tidak terlepas dari gajet-gajet canggih ciptaan Q-Branch, misalnya radio kecil dan pistol yang hanya boleh mengesan cap jari Bond; serta kereta klasik Aston Martin yang ironinya menjadi kenderaan ‘samaran’. Gadis Bond seperti Eve (lakonan Naomie Harris) dan Severine (Berenice Marlohe) mempunyai fungsi masing-masing bukan sekadar tempelan atau wanita poster. Penonton juga diperkenalkan dengan watak Q (Ben Whishaw) yang memberikan hiburan menerusi penampilannya sebagai genius komputer. Dengan filem ini, Bond memasuki era jenayah siber yang menakutkan, cerminan kepada kes WikiLeaks dan isu keselamatan awam - bagaimana setiap maklumat sulit tidak lagi menjadi sulit. Kelebihan plot dan kepintaran penulis skripnya mengolah menjadikan francais pesaing, Jason Bourne kelihatan ketinggalan zaman. Silva di tangan Bardem mengingatkan saya kepada gabungan watak Joker (The Dark Knight, 2008) dan Hannibal Lecter (The Silence of the Lambs, 1991). Penonton berasa gerun, tetapi dalam masa yang sama terpikat dengan ciri-ciri karakternya yang bersahaja, tidak seperti kebanyakan samseng dalam filem kita. Kali ketiga sebagai Bond, Daniel Craig sudah meresapi semangat ejen perisik itu seperti span. Emosinya didalami lebih jauh, membentangkan psiko-analisis terhadap kehidupannya (selepas dia hampir mati ditembak), serta trauma zaman kanak-kanak (kembalinya Bond ke Skyfall, rumah tempat dia dibesarkan). Sementara Dench, sebagai aktres senior dan pemenang Oscar yang amat disegani, peranan M digalas dengan pendekatan ‘less is more’. Menampilkan riak yang tegas dan bengis, kerapuhannya dipamerkan pada babak-babak tertentu, antaranya apabila dia membaca sajak Tennyson kegemaran arwah suami. Seperti Christopher Nolan (Inception, 2010; The Dark Knight Rises, 2012), Mendes juga pengarah yang diketahui mempunyai palet visual yang sangat baik. Dia tahu untuk mengadunkan sifat-sifat lazim Bond dalam pengarahan yang segar, menjadikan naskhah asal tulisan Ian Fleming ini terus relevan. Bekerjasama dengan jurukamera calon Oscar sembilan kali, Roger Deakins (No Country For Old Men, 2007), Skyfall adalah fiesta mata bermula dari babak kejar-mengejar di Istanbul, kemudian ke set penuh ekstravaganza dan bergemerlapan di Shanghai dan Macau, sebelum kembali ke cuaca mendung di London. Mendes bukan saja memberikan babak-babak yang melonjakkan adrenalin, tetapi ‘twist’ yang memikat dan elemen humor secukup rasa. Efek CGI seperti tidak wujud kerana penonton berasakan setiap letupan atau kehancuran berlaku adalah dari objek sebenar (kereta, keretapi atau bangunan dan sebagainya). Walaupun sukar meramal kemungkinan Skyfall ‘lulus’ untuk Oscar (setakat ini hanya Goldfinger (1964) dan Thunderball (1965) menang anugerah teknikal), filem Bond ke-23 ini dilihat sebagai antara yang paling baik kerana dikerjakan oleh barisan pemenang Oscar dan mereka yang pernah tercalon. Skyfall memenuhi kriteria sebagai filem aksi hebat yang tidak mengenepikan jalan cerita, skor muzik cemerlang (terima kasih Thomas Newman, calon Oscar sebanyak sepuluh kali termasuk Wall-E (2008)) serta persembahan lakonan yang amat memberangsangkan. Bersedialah untuk menikmati pengalaman ‘di awangan’ selama dua jam 23 minit.

Thursday, October 25, 2012

TED (2012)

Mengarut tetapi berkesan
Oleh Syazwan Zakariah (syazwan_zakariah@astro.com.my)
Mengarut ialah perkataan yang paling tepat untuk menggambarkan idea filem Ted. Begitupun apabila kita menontonnya, kita tidak rasa diperbodohkan, terima kasih kepada kebijaksanaan Seth MacFarlane selaku penulis skrip dan pengarah yang mampu mengajak kita berfantasi bersamanya. Ini merupakan filem cereka pertama arahan MacFarlane, pencetus ilham siri Family Guy (1999-2012) dan American Dad! (2005-2012). Dikenali dengan lawak-lawak bersahaja dan berisi (tetapi sedikit kotor dan kasar dalam standard budaya kita), dia meneruskan keupayaan itu menerusi Ted. Ted mengisahkan John Bennett, seorang kanak-kanak yang tidak disukai rakan sebaya menerima patung beruang sebagai hadiah. Pada malam Krismas, dia berdoa agar patung itu dapat bercakap dan menjadi teman baiknya. Doanya termakbul, Ted kemudian menjadi patung paling popular atas keajaiban itu. Dia bukan saja menjadi perhatian di Boston, tetapi media massa seluruh dunia, termasuk menjadi tetamu program bual bicara Johnny Carson. Selepas 27 tahun, kelebihan Ted itu, bagaimanapun sudah menjadi lumrah bagi sesiapa saja. Menjalani kehidupan sama seperti manusia, dia masih menjadi kawan baik dan rakan serumah kepada John walaupun lelaki itu sudah berusia 35 tahun dan mempunyai teman wanita bernama Lori. Rutin seperti menonton siri televisyen kegemaran, Flash Gordon (1980) dan melepak bersama-sama tetap dilakukan John dan Ted. Sehingga suatu hari, Lori meminta John agar menjadi lebih dewasa dan bertanggungjawab jika mereka mahu meneruskan perhubungan ke tahap yang lebih serius. Di sinilah bermulanya dilema apabila John terpaksa meminta Ted berpindah rumah dan menjalani hidup sendirian. Ted dilihat sebagai ‘gangguan’ untuk John bertindak matang dan menjadi lelaki sebenar seperti yang diinginkan Lori. Sepintas lalu, kisah seorang lelaki normal yang terpaksa berjauhan dengan patung beruangnya dirasakan cukup ganjil dan tidak masuk akal. Namun, dari awal hingga akhir, penonton akan mempercayai apa saja yang berlaku, menjadikan Ted sebagai naskhah komedi yang asli dan pintar. Seperti mana kita mempercayai kewujudan Gollum dari trilogi The Lord of the Rings (2001-2003) dan Caesar dari Rise of the Planet of the Apes (2011), seperti itulah kita mempercayai kewujudan Ted. Ciptaan teknik animasi motion-capture ini sangat menyakinkan, ditambah suara sumbangan MacFarlene sendiri. Apa yang menarik ialah ironi yang dicipta MacFarlane mengenai watak Ted iaitu sesuatu objek tidak bernyawa tetapi mempunyai kelakuan dan sifat-sifat manusia. Sama seperti John, Ted juga meningkat dewasa menerusi emosi, pemikiran, keinginan dan perbuatannya tanpa menunjukkan perubahan fizikal. Beberapa babak mengusik perasaan saya, misalnya ketika Ted memujuk Lori agar kembali kepada John; juga babak John bertumbuk dengan Ted di bilik hotel. Kita lupa Ted sebenarnya hanya patung beruang, sebaliknya melihat dia sebagai seorang insan yang mahu kita sayangi atau benci kerana keceluparan mulutnya. Kewujudan watak seorang bapa yang psiko dan anak lelakinya yang mahu menculik Ted sebagai subplot, terasa sedikit janggal pada permulaan. MacFarlane sengaja menambahkan lagi konflik, tidak cukup sekadar ‘cinta tiga segi’ di antara John, Ted dan Lori. Namun demikian, ia berjaya menaikkan lagi momentum filem ini apabila terciptanya babak-babak suspen, juga sebenarnya menjadi penghubung kepada kesimpulan keseluruhan cerita. Mark Wahlberg sebagai John adalah pilihan yang tepat kerana dia mempunyai fizikal yang tegap dan gagah, tetapi berupaya mempamerkan ‘vulnerability’ yang kuat di dalam. Pesona Wahlberg sebagai pelakon komedi sudah lama terbukti, misalnya dalam The Other Guys (2010) biarpun dia bukan seorang pelawak. Gandingannya dengan Mila Kunis sebagai Lori juga mempunyai keserasian dan watak bapa psiko, Donny sememangnya sangat secocok dengan Giovanni Ribisi. Kelucuan filem ini berada dalam kadar yang konsisten, selari dengan arus penceritaan yang baik. MacFarlane tahu ‘timing’ yang tepat untuk mengeluarkan jenaka serta mencipta dialog-dialog yang ringkas dan tajam, tetapi mungkin sedikit menyinggung kerana kelancangannya. Itu memang ‘trademark’ MacFarlane yang sinonim dengan jenaka sarkastik dan lepas laku. Justeru, bergantung kepada keterbukaan anda, Ted pada saya antara naskhah komedi terbaik tahun ini.

Thursday, October 18, 2012

AKU TERIMA NIKAHNYA (2012)

Ijab kabul yang tidak sempurna

JIKA dinilai judul dan plot, Aku Terima Nikahnya ibarat salinan karbon daripada filem Hollywood, The Vow yang ditayangkan di pawagam Mac lalu.
Sebenarnya, tiada apa yang hendak dihairankan. Tabiat tiru-meniru bukanlah perkara asing dalam industri sinema dunia. Bollywood meniru Hollywood, Hollywood meniru sesama mereka, apatah lagi penggiat seni di rantau Asia.
Begitupun, mohon jangan keliru di antara teknik mengadaptasi atau mengambil inspirasi dengan menciplak. Terma-terma itu membawa maksud yang berlainan.
Di Malaysia, isu peniruan sudah sekian lama 'dipraktikkan' tanpa rasa berdosa. Mohon maaf jika saya silap tetapi seingat saya filem seperti Mr. Os (1987) dan Keluarga 99 (1987) juga pernah didakwa meniru karya komedi Hong Kong.
Berbeza dengan Hollywood, mereka mempunyai lebih integriti dan peruntukan yang besar untuk terus membeli hak cipta jika mahu membikin semula. Misalnya, The Ring (2002) yang diambil dari Jepun bertajuk Ringu (1998) dan The Departed (2006) yang dibeli dari filem Hong Kong, Infernal Affairs (2002).
Untuk berlaku adil, saya tidak akan membandingkan Aku Terima Nikahnya dengan The Vow, walaupun jalan ceritanya mempunyai persamaan yang ketara. Dengan sedikit perbezaan yang ada, penerbit, penulis skrip dan pengarah boleh mempertahankan hak mereka dan mengatakannya sebagai naskhah asli.
Johan (Adi Putra) dan Arlisa (Nora Danish) merupakan pasangan suami isteri yang baru berkahwin. Rumah tangga mereka diuji apabila Johan dilanggar kereta semasa berjogging menyebabkan dia hilang daya ingatan.
Johan menghidap selective amnesia iaitu dia hanya dapat mengingati perkara yang berlaku dua tahun sebelum kemalangan terjadi. Ini bermakna dia tidak mengenali siapa Arlisa malah sukar menerima hakikat dia sudah beristeri.
Masalah di dalam filem ini ialah saya tidak tahu mengapa Johan marah-marah dan begitu membenci Arlisa. Benar, dia keliru kerana Arlisa 'tiba-tiba' wujud dalam hidupnya namun itu sajakah alasan terbaik untuk dia menjadi seorang pemberontak dan suami yang bengis?
Karakter Johan sepatutnya disokong dengan latar cerita yang kukuh. Sebagai contoh, mungkin dua tahun sebelum dia mengenali Arlisa, dia mempunyai kekasih lain. Oleh yang demikian, barulah wujud konflik sebenar mengapa Johan bingung dan tertanya-tanya siapa Arlisa dalam hidupnya.
Bukan itu saja, Johan tidak mencuba langsung untuk mengingati detik-detik terdahulu, seperti mencari semula gambar-gambar lama atau menghubungi rakan-rakan baik untuk membantu menceritakan apa yang telah terjadi.
Malah pekerjaan Johan juga kabur. Adakah dia pelukis sepenuh masa atau mempunyai profesion lain? Mengapa dia tidak cuba untuk menjalani kehidupan lamanya agar dia mengingati semula apa yang pernah dia lakukan?
Memang ada ditunjukkan babak Johan melukis potret-potret Arlisa tetapi itu sajakah usahanya untuk mendapatkan semula kehidupan yang hilang? Dia dilihat hanya menghabiskan masa duduk di rumah seolah-olah 'menunggu' ingatannya pulih sendiri seperti sediakala.
Karakternya digambarkan sebagai lelaki yang dangkal dan lemah walaupun secara luaran asyik membentak-bentak dan berkelakuan kasar.
Dia mengenepikan Arlisa mentah-mentah sehingga menimbulkan keanehan. Mengapa setiap perbuatan isterinya dibenci, termasuk kemanjaan seorang wanita yang sah di sisinya (dan secantik Nora Danish) juga ditolak bulat-bulat?
Dalam filem ini, ya, Johan menolak atas alasan belum bersedia dan tidak selesa. Tetapi mengapa? Dia tidak punya kekasih lama untuk berasa curang malah dia juga tidak merapati wanita lain, kecuali Suria, rakan baik Arlisa. Itu pun Johan akui dia sekadar mahu berkawan.
Atau adakah dalam kehidupan lampaunya, Johan seorang homoseksual? Saya mula bermain dengan pelbagai teori kerana tidak dijelaskan sebab-musababnya. Saya menjadi lebih keliru daripada Johan!
Kemunculan pelakon-pelakon pembantu seperti ibu bapa Johan dan Arlisa; serta rakan baik mereka, tidak menyokong apa-apa dari aspek pembinaan watak. Mereka sekadar ada di situ untuk mengisi masa tayangan dengan dialog berulang-ulang seperti "bersabarlah" atau "kau ceraikan saja jika tidak suka".
Inilah kelemahan paling besar dalam Aku Terima Nikahnya. Pembinaan karakter tidak dipedulikan sebaliknya penulis dan pengarah hanya memberi fokus kepada babak-babak melankolik yang memaksa penonton untuk menangis dan berasa kasihan sedangkan saya marah dan kecewa dengan plot yang kabur.
Jika ada simpati pun, saya ingin tujukan kepada Adi dan Nora kerana saya tahu mereka pelakon berbakat. Saya pasti dedikasi mereka untuk filem ini tidak berbelah bagi namun sayangnya tidak kesampaian.
Filem ini disudahkan dengan pengakhiran yang menggembirakan ala Hindustan. Bukan bermaksud saya menginginkan penamat yang kompleks atau kesedihan tetapi tiada kematangan dalam penceritaan. Penulis skrip mengambil jalan mudah apabila menggunakan takdir sekali lagi sebagai jalan penyelesaian.
Aku Terima Nikahnya mempunyai banyak lubang kelemahan. Ia ibarat sebuah majlis ijab kabul yang meriah (merujuk gandingan hero dan heroin popular; serta kutipan tiket yang baik) tetapi tidak sempurna kerana isinya kosong.

HANTU KAPCAI (2012)

Komedi yang patut diambil serius
Oleh Syazwan Zakariah
(syazwan_zakariah@astro.com.my)

Hantu Kapcai merupakan sebuah lagi naskhah komedi seram yang menyertai  barisan filem menggunakan judul ‘hantu’, antaranya Hantu Air (2012), Hantu Gangster (2012), Hantu Dalam Botol Kicap (2012), Hantu Bonceng (2011) dan Hantu Kak Limah Balik Rumah (2010).

Judul sedemikian bukan saja mudah untuk difahami dan memberi bayangan tentang keseluruhan cerita, malah mampu menarik golongan penonton sasaran ke pawagam. Rata-rata filem tadi meraih kutipan yang memberangsangkan, mencetuskan minat penerbit dan pengarah untuk terus membikinnya.

Hantu Kapcai merupakan ‘anak sulung’ kepada pengarah Ghaz Abu Bakar yang sebelum ini aktif mengarah telefilem, drama bersiri dan video muzik. Ia juga menjadi produk pertama Showbiz Productions, anak syarikat KRU Studios.

Zizan Razak menggalas peranan Ajib, mat rempit yang menjadi harapan ibu (Dian P. Ramlee) dan adiknya, Akim (Hairul Azreen) untuk menyara keluarga.
Suatu malam, dia kemalangan semasa berlumba dengan Greng (Izzue Islam) dan meninggal dunia. Rohnya yang tidak aman berkeliaran, cuba mencari keadilan dalam masa 40 hari. Dia tahu kemalangannya dirancang oleh Tiger (Remy Ishak).

Dengan bantuan Ibrahim (Fizz Fairuz) yang mampu melihat rohnya, Ajib meminta Akim untuk menebus maruah mereka. Akim yang selama ini tidak gemar merempit terpaksa menunaikan permintaan itu, sekaligus melunaskan hutang keluarga yang ditinggalkan Ajib menerusi hadiah kemenangan berlumba.

Hantu Kapcai menawarkan sebuah tema yang sangat biasa dan premis yang boleh dijangka. Namun, ada sesuatu yang membezakannya dari lambakan filem komedi seram terbitan David Teo, sekurang-kurangnya dari aspek pelaksanaan.

Hantu Kapcai adalah filem komedi yang patut diambil serius. Bukan bermaksud ia karya berat, tetapi bagaimana pembikinnya mengambil berat soal penceritaan dan pembinaan watak. Ia tidak memperlekeh-lekehkan minda penonton, walaupun jalan ceritanya berkemungkinan menyentuh sensitiviti agama.

Ghaz yang turut bertindak sebagai penulis skrip menghasilkan dialog-dialog bersahaja dan tidak menjengkelkan. Ini penting untuk naskhah komedi kerana penonton sepatutnya ketawa, bukan mencebik kerana terasa diperbodohkan.

Dia tahu menyusun babak demi babak dan mengembangkan cerita dengan meletakkan elemen-elemen ‘curiosity’ agar penonton terus melekat di kerusi.

Meskipun terdapat beberapa konotasi seksual secara senyap (misalnya Akim yang suka baca majalah Mangga, Tiger yang suka makan pisang sehingga bajunya juga bergambar pisang, serta babak mengurut dalam penjara), ia tidak dilihat kotor, sebaliknya sejenis humor yang gelap dan pintar, yang tidak menyinggung.

Memang jalan ceritanya tidak masuk akal dan soal logik adalah perkara yang tidak patut diperdebat dalam karya fiksyen. Bagaimanapun, sukar untuk kita mencari pembikin filem tempatan yang mampu membuatkan penonton percaya dengan segala fantasi mereka. Ghaz adalah salah seorang pengarah yang mampu.

Kesan khas yang digunakan agak minimal seperti kedatangan Ajib dalam bentuk cahaya. Namun, dalam beberapa babak dirasakan tidak perlu kerana ia kelihatan seperti grafik amatur, misalnya animasi anak tekak dan spesifikasi enjin.

Tidak banyak yang boleh diulas mengenai lakonan Zizan. Bukan dia tidak bagus atau bersungguh-sungguh, tetapi dia sekadar meneruskan pola lakonan serupa yang pernah kita saksikan dalam filem-filemnya sebelum ini.

Bagaimanapun, saya suka dengan penampilan Ajib yang berjaket merah ibarat satu ‘homage’ kepada imej hantu Michael Jackson dalam video muzik Thriller. 

Di sebalik kisah Ajib, Hantu Kapcai sebenarnya adalah cerita mengenai Akim. Bagaimana dari seorang yang dianggap lembik (bekerja di kedai bunga dengan motor yang juga berhias cetakan bunga-bungaan), bertukar menjadi wira pada akhirnya. Hairul memberikan justifikasi yang sederhana untuk watak ini.

Barangkali ada penonton yang akan terperanjat atau sedikit terganggu dengan babak roh Akim bertemu roh Ajib yang memakai jubah dalam suasana serba putih seperti dalam awan gemawan.
Namun, anggap saja itu suatu babak mimpi seperti mana yang pernah dibayangkan Aziz M. Osman ketika ‘semangat’ Seri yang koma dan roh Dewi berbalah dalam Seri Dewi Malam (2001); atau bayangan Bade Hj. Azmi tentang siksaan neraka dalam Maut (2009).

Sementara itu, Fizz sangat ‘menjadi’ sebagai bekas mat rempit yang sudah insaf dan ingin menjadi peserta program realiti Imam Muda. Kesederhanaan permainannya, bahasa tubuh dan percakapannya yang selamba membuatkan penonton juga secara automatik menyenangi karakter Ibrahim.

Hantu Kapcai bukanlah sebuah filem yang tidak mempunyai kelemahan. Begitupun, kerana sifatnya semata-mata untuk menghiburkan, saya kira misi itu tercapai. Dan sekurang-kurangnya, skor muzik filem ini tidak berbunyi ‘generic’ dan diulang-ulang seperti dalam filem-filem MIG. 





HANTU KAPCAI sedang ditayangkan di ASTRO FIRST

Thursday, October 11, 2012

UNTUK TIGA HARI (2012)

Kekal ciri Afdlin Shauki

Oleh Syazwan Zakariah
(syazwan_zakariah@astro.com.my)

Untuk Tiga Hari menjadi filem kesebelas arahan Afdlin Shauki yang ditayangkan di pawagam. Kali terakhir ialah filem komedi kerjasama Thailand, Berani Punya Budak pada April lalu.

Lazimnya kita dipertontonkan dengan filem-filem ilham Afdlin sendiri, antaranya Buli (2004), Papadom (2009) dan Misteri Jalan Lama (2011). Namun kali ini dia menggalas cabaran yang berbeza apabila mengerjakan naskhah adaptasi novel popular.

Astro Shaw dan Tarantella Pictures sekali lagi merintis penghasilan filem-filem dari novel selepas Legenda Budak Setan (2010) tulisan asal Ahadiat Akashah dan Ombak Rindu (2011) nukilan Fauziah Ashari.

Untuk Tiga Hari adalah sebuah lagi karya Ahadiat, tetapi Afdlin bertindak sebagai penulis lakon layar untuk menyesuaikannya dengan bahasa filem dan durasi dua jam. Justeru, nuansa sentimental dan tragikal seperti dalam novel barangkali berubah apabila diambil alih oleh Afdlin.

Affin dan Ujie yang sudah bercinta selama 15 tahun terpaksa berkahwin dengan jodoh pilihan keluarga masing-masing. Lebih-lebih lagi bagi Affin yang mana hidupnya ditentukan ibu sejak kecil.

Demi memuaskan hati keluarga, Affin memutuskan agar mengikut apa saja yang dirancang, tetapi dengan syarat. Mereka harus bercerai dengan pasangan masing-masing selepas tiga hari bernikah. Affin yakin dapat mengahwini Ujie selepas itu kerana sekurang-kurangnya telah menunaikan hasrat ibu.

Menolak kontroversi yang sedang tercetus (pasangan pelakon Rashidi Ishak dan Vanidah Imran diminta rujuk status perkahwinan kerana dialog dalam filem ini), saya merasakan Untuk Tiga Hari mempunyai premis yang menarik. Manusia cuba mempermain-mainkan jodoh milik Tuhan dan menerima implikasinya. 

Saya tidak berkesempatan membaca novelnya, tetapi di tangan Afdlin, Untuk Tiga Hari menjadi sebuah filem yang mempunyai sisi komedi yang kuat meskipun berdepan subjek yang berat. Afdlin mengekalkan ‘ciri-ciri lazimnya’ menerusi stail skrip yang bersahaja, mengimbangi antara drama dan humor.

Afdlin menjadikan filem ini seperti satu kursus perkahwinan apabila babak pembukaan, penutup dan beberapa babak di pertengahan menampilkan seorang ustaz yang sedang berceramah tentang hukum-hakam berumah tangga.

Kerana sifat novel yang tebal, Afdlin meletakkan beberapa adegan imbas kembali untuk menceritakan latar belakang dan sejarah watak-watak penting. Afdlin tahu cara yang sesuai untuk menyusun perjalanan cerita agar setiap plot dirungkai dengan jelas dan penonton tidak akan tertanya-tanya.

Filem ini bermula dengan satu keterujaan. Penonton seronok menyaksikan bagaimana Affin dan Ujie bertarung ‘melawan’ ketentuan akibat berpegang pada janji; serta bagaimana mereka saling mengelak untuk disentuh pasangan masing-masing dan saling membalas mesej di telefon secara sembunyi.

Menginjak ke pertengahan, saya merasakan momentum keseronokan itu mula berkurangan kerana isi yang mendatar. Peristiwa ‘hari kedua’ dirasakan terlalu panjang, ‘ditarik’ semata-mata untuk memenuhi durasi.

Ketika ini, penonton sudah dapat menangkap idea yang ingin disampaikan dan apa yang ingin diketahui seterusnya ialah jadi atau tidak Affin dan Ujie bercerai dengan pasangan masing-masing. Afdlin cuba memenuhi ruang di tengah-tengah dengan komedi, tetapi dirasakan sedikit ‘draggy’.

Begitupun, graf cerita kembali memuncak menjelang ke penghujung. Affin berdepan tekanan apabila mengetahui rahsia ibunya, tentang Ujie yang berubah fikiran, juga kesilapan Affin apabila menjatuhkan talak tiga terhadap isterinya.

Keserasian di antara Vanidah dan Afdlin sebagai suami isteri pernah disaksikan menerusi filem Sepi (2008) arahan Kabir Bhatia. Mempunyai julat emosi tinggi rendah yang sama, keberkesanan lakonan terhasil secara semulajadi. 

Sebaliknya berlaku pada lakonan Rashidi dan Ayu Raudhah yang dirasakan agak terasing. Saya tidak pasti sama ada ia disengajakan kerana tuntutan karakter, atau pasangan pelakon yang tersalah padanan.

Menyentuh tentang pemilihan pelakon, saya tidak mahu menidakkan bakat Zizan Nin dan Dira Abu Bakar. Umum tahu mereka berkebolehan. Cuma saya merasakan Zizan terlalu berusia untuk melunaskan watak Affin semasa remaja. Begitu juga dengan Dira yang dilihat matang untuk karakter gadis 17 tahun.

Di sebalik kelemahan-kelemahan kecil itu, Untuk Tiga Hari masih mempunyai ‘weight’ dan kejituan sebagai sebuah filem.

Biarpun menyelitkan beberapa elemen ala Hindustan dan Hollywood (contoh jenaka Affin yang mudah sakit pinggang, juga romantika suami Ujie yang tiba-tiba menyanyi secara acapella), filem ini masih sebuah drama serius yang mengajak penonton berfikir tentang takdir dan ketentuan. 

UNTUK TIGA HARI sedang ditayangkan di ASTRO FIRST

Thursday, October 4, 2012

LOOPER (2012)

Looper digarap cemerlang

Joseph Gordon-Levitt
LOOPER mengingatkan saya kepada Inception (2010). Tidak, jalan ceritanya tiada kena-mengena, tetapi bagaimana ia membawa kesan yang kuat semasa dan selepas menyaksikannya. Betapa filem seperti Looper dan Inception saya klasifikasikan sebagai naskhah segar yang membuat fikiran terkenang-kenang.
Filem tulisan dan arahan Rian Johnson (Brick, 2005) ini adalah sebuah lagi contoh naskhah sains fiksyen yang melangkaui realiti, tetapi dengan kreativiti, penonton dapat mempercayai dan menerimanya bulat-bulat. Asli dan memprovokasi pemikiran, ia dilaksanakan dengan cemerlang.
Joe ialah seorang pembunuh upahan atau dipanggil 'looper' yang bekerja dengan mafia pada tahun 2044. Pada 30 tahun akan datang, mesin masa telah dicipta dan digunakan oleh geng mafia ini untuk menghapuskan musuh mereka.
'Looper' bertanggungjawab membunuh sesiapa saja yang dihantar menerusi mesin masa. Mangsa diikat dan disarungkan kain pada wajahnya dengan tujuan menyembunyikan identiti. Sehinggalah suatu hari, Joe ditugaskan untuk membunuh dirinya sendiri yang dibawa dari masa depan.
Ketua mafia pada masa depan yang hanya dikenali sebagai Rain Maker ingin menghapuskan kesemua 'looper'. Justeru, Joe versi tua dan versi muda harus bekerjasama untuk mencari Rain Maker yang ketika itu masih seorang kanak-kanak. Budak lelaki itu mesti dibunuh agar sejarah dapat diubah.
Anda mungkin keliru apabila membaca sinopsis ini dan barangkali terpinga-pinga juga semasa menyaksikan filemnya. Namun, kebijaksaan Johnson 'bercerita' membuatkan penonton terpaku kerana diusik naluri ingin tahu bagaimana, kenapa dan apa yang akan terjadi.
Dengan skrip yang kompleks, Looper terdedah kepada banyak lubang kelemahan. Tetapi, di sinilah kekuatan Johnson dalam menyambungkan setiap titik yang diciptanya sendiri agar tidak tersasar atau tergantung.
Dia tahu menjalinkan setiap karakter dengan peristiwa dan latar masa, membuatkan segalanya bergerak teratur. Dia juga membenarkan pembinaan watak berlaku secara organik dengan menyuntik sifat-sifat insani. Walaupun Looper adalah kisah masa depan, ketertiban dan semangat manusia masih sama.
Plot filem ini dibangunkan dengan baik dan begitu berhati-hati, sehingga mungkin terasa sedikit mendatar di pertengahan. Segala perincian harus dijelaskan, tetapi ia tidak lama sebelum adrenalin memuncak semula.
Johnson memahami filem aksi tidak semestinya harus ada letupan dalam setiap sepuluh minit. Sedang kita cuba menghadam konsep pengembaraan masa, dia turut menampilkan elemen thriller menerusi individu berkuasa telekinetik. Ini menambah nilai kepada penceritaan yang menakjubkan dan memeranjatkan.
Seperti Inception ilham genius Christopher Nolan (The Dark Knight Rises, 2012), Looper juga membuatkan penonton tidak boleh mengagak babak-babak seterusnya kerana ia penuh dengan 'twists and turns'.
Selain penulisan dan pengarahan yang baik, Looper didokong oleh persembahan hebat para pemainnya. Joseph Gordon-Levitt sebagai Joe versi muda terpaksa memakai prostetik dan solekan tebal untuk menyamakan ciri-ciri wajahnya dengan Bruce Willis sebagai Joe versi tua.
Di sebalik mekap itu, Gordon-Levitt memberikan lakonan yang stabil, mengadaptasi bahasa tubuh dan gaya percakapan Willis dengan berkesan. Aktor muda ini tampil berkeyakinan membawa peranan multi-dimensi, di antara seorang pembunuh kejam dengan lelaki biasa yang berada di persimpangan.
Bruce Willis tidak menghampakan. Sekurang-kurangnya, tidak terlalu klise Hollywood seperti siri filem Die Hard (1998-2007). Keserasiannya dengan Gordon-Levitt yang menjadi individu serupa pada usia berbeza, tercetus dengan baik, terutamanya pada babak dalam restoran ketika masing-masing bersemuka.
Emily Blunt ialah 'femme fatale' dalam filem ini. Kemurniannya di sebalik ketegasan dan cara dia memegang senapang mahupun kapak dilakonkan dengan sangat baik. Jika dilihat dari satu lapis, peranannya seperti seorang mangsa, tetapi di pengakhiran, dia adalah srikandi dan 'survivor' pada masa sama.
Selain tiga bintang gred-A ini, perhatikan persembahan pelakon cilik, Pierce Gagnon yang membawakan watak paling penting. Biarpun kemunculannya hanya setengah jam sebelum filem tamat, tetapi memberi impak yang besar.
Looper adalah contoh terbaik bahawa Hollywood masih belum kering idea. Ia tidak takut untuk mempermain-mainkan minda penonton dalam cara yang pintar. Akal penonton yang ligat mencantumkan 'permainan' yang ditunjukkan akhirnya mendapat penamat yang fantastik dan memuaskan.
Filem ini bagaikan satu tamparan kesedaran kepada studio-studio besar yang semakin ghairah menerbit filem bikin semula, atau sekuel dan prekuel, atau adaptasi komik dan novel. Dunia memerlukan lebih ramai Rian Johnson.

Thursday, September 13, 2012

KATY PERRY: PART OF ME (2012)

Filem gula-gula

SAYA bukanlah peminat setia Katy Perry. Saya akui mengetahui beberapa lagunya antara lain Thinking of You, Fireworkdan The One That Got Away tetapi setakat itu saja. Tidak pernah membeli atau memiliki tiga albumnya.
Namanya dijulang sepanjang tahun 2011. Dia menjadi artis wanita pertama dalam sejarah (rekod serupa pernah dipegang Michael Jackson untuk album Bad) di mana lima lagu dari album yang sama bertajuk Teenage Dream mendapat nombor satu dalam carta.
Tahun itu juga menjadi tahun pertama dia melancarkan siri jelajah besar-besaran, The California Dreams Tour yang meliputi 124 destinasi dan memakan masa 11 bulan.
Perry yang saya kenal melalui tontonan dan pemerhatian sekali imbas ialah seorang bintang pop yang menjual imej. Vokalnya tidaklah semantap mana tetapi kerana kebijaksanaan pemasaran dan penataan gaya, dia mempunyai aura yang amat disenangi apatah lagi berbakat menulis dan menggubah lagu sendiri.
Sejujurnya, saya memilih untuk menonton Katy Perry: Part of Me versi 3D kerana bosan dengan senarai filem yang diputarkan di pawagam yang didominasi filem seram. Sekurang-kurangnya, filem konsert sebegini menghiburkan.
Kerana sifatnya yang tidak jauh beza dengan Michael Jackson's This Is It (2009) atau Justin Bieber: Never Say Never (2011), saya tidak meletak sebarang harapan yang tinggi. Tentu sekali ini bukan autobiografi penuh sebaliknya rakaman perjalanan siri konsert dengan sedikit riwayat subjek utamanya.
Di atas pentas, Perry ialah seorang penghibur yang sangat flamboyant sifatnya. Rambutnya bertukar-tukar warna; sekejap biru, merah atau ungu; dan baju-bajunya sentiasa mencetuskan mood keriangan; seperti pergi ke karnival atau funfair. Keunikannya masih terkawal, tidak menakutkan seperti Lady Gaga.
Pesona inilah yang mendorong ramai remaja menjadikan dia sumber inspirasi seperti yang dipaparkan pada awal dan akhir filem iaitu klip-klip peminat belasan tahun. Dan kerana tujuan filem ini dihasilkan untuk menaikkan lagi reputasi Perry maka ditunjukkan siapa dia sebelum menempa kemasyhuran.
Dilahirkan sebagai Katheryn Elizabeth Hudson dalam keluarga yang kuat pegangan agama, sumber hiburannya ketika kecil terhad kepada buku-buku cerita dan lagu-lagu gospel. Ibu bapanya melarang dia menonton filem The Wizard of Oz atau Alice in Wonderland apatah lagi saluran MTV.
Meningkat remaja, dia mula meneroka pelbagai jenis muzik pengaruh rakan sebaya dan jatuh cinta dengan album Jagged Little Pill daripada Alanis Morrisette.
Dia giat mencipta lagu dan mencuba nasib sebagai artis rakaman. Kejayaan yang diciptanya hari ini tidak sekelip mata. Dia pernah gagal di bawah naungan dua syarikat besar. Mereka mahu dia menjadi klon Britney Spears atau Avril Lavigne dan itu tidak mendapat perhatian.
Sehinggalah pada tahun 2008, dia menandatangani kontrak dengan Capitol Records yang merancang semula strategi pemasaran. Single komersialnya yang pertama, I Kissed a Girl berjaya menduduki carta dan diperkatakan.
Mempunyai latar belakang Kristian yang kuat, saya fikir filem ini mempunyai beberapa topik yang menarik untuk dibincangkan. Bagaimana ibu bapa Perry menerima anak gadisnya menyanyikan lagu yang mempunyai unsur seksual seperti itu. Sayangnya, itu tidak berlaku.
Memang ada temuramah dengan ibu bapanya tentang single tersebut tetapi ia sekadar reaksi wajah, tidak benar-benar mengupas secara mendalam. Barangkali pengarah, penerbit dan Perry sendiri enggan menjadikan filem ini sebagai sesuatu yang serius. Segalanya hanya di permukaan dan diberitahu secara asas.
Momen dramatik tercetus apabila rumah tangga Perry dengan pelawak Russell Brand berkecai. Beberapa babak awal menunjukkan Brand muncul di belakang pentas konsert untuk memberi sokongan.
Penonton turut didedahkan dengan visual Perry menangis sebelum persembahan serta kemurungannya apabila menerima SMS daripada Brand yang bercerita tentang nama bakal anak mereka. Dengan populariti yang sedang dibina adalah mustahil untuk Perry bergelar ibu dan ini salah satu punca perpisahan.
Pengarah filem ini bijak memilih lagu-lagu yang bersesuaian untuk diselang-selikan dengan penceritaan. Suntingannya kemas, audionya secukup rasa untuk sebuah filem konsert dan visual dalam tiga dimensi tidak mengecewakan.
Selain itu, Katy Perry: Part of Me tidak berbeza dengan filem-filem konsert yang lain dengan beberapa tenaga kerja penting seperti pengurus, pembantu peribadi dan beberapa rakan rapat ditemubual.
Kemunculan istimewa nama-nama besar seperti Lady Gaga dan Justin Bieber sekadar mahu menunjukkan Perry seangkatan dengan mereka. Rakaman yang membabitkan mereka itu tidak memberi apa-apa kesan kepada jalan cerita.
Seperti kostum Perry yang mempunyai kek cawan sebagai hiasan dan gula-gula lollipop sebagai prop pentas, begitulah sifat filem ini. Ia manis dan seronok untuk dinikmati meskipun tidak memberi khasiat. Yang pasti, filem ini membuatkan saya mahu menjadi peminat setia Katy Perry.

Thursday, September 6, 2012

29 FEBRUARI (2012)


Jiwa besar, lebih dari 3D


TERSENDIRI... Kisah fiksyen 'bersalut' peristiwa penting tanah air termasuk Hari Merdeka 31 Ogos 1957 menyemarakkan filem 29 Februari.
WALAUPUN filem terbaru KRU Studios, 29 Februari 'dijual' sebagai filem 3D pertama Malaysia (dan tiada salahnya strategi pemasaran sedemikian), saya lega kerana ia lebih daripada itu. Ada perkara lebih menarik yang disajikan di dalamnya bukan semata-mata keseronokan memakai cermin mata tiga dimensi.
Budi ialah seorang lelaki yang dilahirkan pada tahun lompat bersamaan tarikh 29 Februari 1896. Dimakan usia empat tahun sekali, saiz fizikalnya yang tidak pernah tua menyebabkan orang kampung menganggap dia terkena sumpahan.
Filem ini merakamkan perjalanan hidup Budi dari era transformasi Tanah Melayu kepada Malaya sehinggalah Malaysia pada tahun 2012. Bagaimana dia jatuh cinta dengan seorang gadis Cina bernama Lily dan kesetiaannya untuk terus bersama wanita itu meskipun dihalang keluarga dan skeptikal masyarakat.
KRU adalah syarikat gergasi adik-beradik yang bijak memanipulasi idea-idea yang ditekap dari barat. Selepas kejayaan Magika (2010) meraih trofi Filem Terbaik dan Edry Abdul Halim sebagai Pengarah Harapan, mereka membawakan sebuah lagi citra yang mempunyai rupa dan perasaan epik komersial ala Disney.
Edry masih mengekalkan nuansa muzikal. Tetapi kali ini lebih memberatkan drama dan kurang elemen nyanyian berbanding filem pertamanya.
Seiring dengan keberanian KRU menghasilkan 29 Februari dalam versi 3D (juga versi 2D dan biasa), filem ini mempunyai semangat besar dari aspek penceritaan.
Skrip tulisan Amir Hafizi mengkacukkan kisah fiksyen Budi dengan peristiwa-peristiwa penting tanah air - seperti penaklukan Jepun, Hari Merdeka 31 Ogos 1957 serta tragedi 13 Mei 1969. Tidak dapat dielakkan, penonton pasti teringat kepada Forrest Gump (1994) yang mempunyai helah dan teknik hampir serupa.
Beberapa visual asal yang diperoleh dari Arkib Negara 'diperbaharui' untuk disesuaikan dengan plot. Misalnya visual laungan kemerdekaan oleh Tunku Abdul Rahman yang disatukan dengan lakonan semula penonton di Stadium Merdeka, termasuk Budi sebagai saksi kepada hari bersejarah itu.
Visual arkib berkenaan hanya boleh diperbaiki sehingga tahap tertentu dan ia masih nampak janggal apabila diasimilasikan dengan rakaman terkini.
Justeru menjadikan ia dalam bentuk 3D adalah jalan yang lebih inovatif agar babak itu nampak 'timbul' dan memberikan kesan berbeza, berbanding cubaan Datin Paduka Shuhaimi Baba 'mengahwinkan' visual baru dan lama untuk filem 1957: Hati Malaya (2007) yang kesemuanya diberikan warna hitam putih.
Usaha KRU untuk memberi kepuasan tontonan menerusi medium 3D harus dipuji meskipun hanya terpamer jelas pada sesetengah babak dan ada ketikanya kelihatan mendatar. Begitu juga sesetengah kesan khas yang tidak cukup 'halus' buatannya seperti adegan pekan dibom serta rumah pusaka terbakar.
Namun kelemahan ini dilindungi dengan pengarahan seni dan rekaan produksi yang boleh dibanggakan. Latar warna-warna yang terang dan garang serta kostum, set dan prop yang sesuai. Jabatan tatarias begitu teliti dalam menunjukkan transisi setiap zaman.
Pengarahan Edry dirasakan lebih kemas berbanding Magika dari aspek susun atur dan gerak yang sederhana - tidak terlalu pantas, tidak juga lembab. Begitu pun terdapat beberapa babak yang menjadi persoalan, tidak pasti jika ia disebabkan kesilapan suntingan filem atau suntingan lakon layar.
Antaranya, ketika babak pekan dibom, ibu Budi meninggalkannya bersendirian sebelum babak seterusnya menunjukkan ibunya sudah berada di lokasi lain. Begitu juga dengan 'kematian' Razak tanpa diberitahu sebabnya sebelum kelibat Razak tiba-tiba muncul semula pada era 1980an. Hal ini amat mengelirukan.
Babak Budi bersalam dengan Dr. Mahathir Mohamad (kini Tun) pada hari perasmian Proton Saga di Jambatan Pulau Pinang juga diwujudkan tanpa signifikan. Adakah ia dibikin semata-mata untuk 'mengisi' ruang 1980an? Kalau begitu, mengapa era 1990an tidak ditunjukkan dan terus melompat ke 2012?
Hal-hal 'kecil' sebegini yang sedikit sebanyak mengganggu tumpuan tontonan. Meskipun sudah gah dari sudut rupa, beberapa detik 'sakti' yang ingin dicipta Edry dan Amir seolah tidak kesampaian, tidak dirasai dan hanya di permukaan.
Apa yang saya amat suka mengenai 29 Februari ialah penataan skor muzik yang cantik dengan iringan orkestra. Sama halnya dengan lagu-lagu yang kenal ruang dan tahu detik yang tepat untuk diisi terutamanya babak-babak menuju ke penghujung sebelum berlaku tragedi kematian.
Remy Ishak bukanlah seorang penyanyi, tetapi usahanya untuk mendendangkan melodi dikira lulus, atas kebijaksanaan Edry menggubah mengikut kemampuan vokal aktor itu. Watak Budi yang mampu bernyawa lebih 100 tahun itu juga dipikul Remy dengan baik kerana karakter dramatik sudah sebati dengannya.
Pujian harus diberikan kepada Jojo Goh sebagai Lily yang menampilkan lakonan yang baik dan mencetuskan keserasian dengan Remy. Wajah, gerak tubuh dan persembahannya memberikan kesegaran kepada industri sinema Melayu yang jarang-jarang menampilkan pelakon utama berketurunan Cina.
Tidak ketinggalan lakonan Izzue Islam sebagai Razak yang bersahaja dan mencuit tetapi ada masanya menyentuh kerana kemurnian sifatnya sebagai pemuda cacat penglihatan. Cuma pembinaan watak Fizz Fairuz sebagai lelaki yang gemar memakan gula-gula lollipop seperti salah tempat dan 'merimaskan'.
Apa pun, penghasilan 29 Februari harus dilihat dari perspektif yang lebih meluas. Selain merintis teknologi stereoskopik, usaha menggabungkan unsur komersial yakni drama dan romantisme; dengan elemen sejarah dan patriotisme adalah satu inisiatif yang membanggakan dan menghiburkan.

Thursday, August 30, 2012

THE BOURNE LEGACY (2012)


Legasi yang berulang

AKSI kejar mengejar di sukai penggemar aksi lasak, namun sayang sekali suntingan dan gerak kerja kamera tidak begitu lancar.

PADA tahun 2002, dunia sinema diperkenalkan dengan Jason Bourne, seorang perisik dan pembunuh upahan yang hilang ingatan. Filem bertajuk The Bourne Identity itu berdasarkan novel tulisan Robert Ludlum secara longgar dan menampilkan Matt Damon sebagai pelakon utama.

Atas sambutan yang baik, jenama Bourne diteruskan dengan dua sekuel, The Bourne Supremacy (2004) dan The Bourne Ultimatum (2007). Kewujudan siri ini memberikan satu lagi pilihan dan kesegaran untuk peminat filem aksi selain siri James Bond (1962-2012) dan Mission Impossible (1996-2001).

Apa yang menarik tentang karakter Bourne ialah dia seorang lelaki biasa yang tidak mempunyai kuasa ajaib atau gajet-gajet canggih. Dia hanya menggunakan kekuatan akal dan fizikal untuk meneruskan ikhtiar hidup. Dua filem sambungan dikatakan tidak sebaik yang pertama tetapi masih mempunyai kekuatan sendiri.

Apabila studio penerbitan mahu meneruskan siri ini untuk filem keempat, tanpa Damon dan tidak lagi berdasarkan buku, ia dilihat sebagai taktik untuk mengaut keuntungan semata-mata. Tugas pengarahan buat pertama kali diserahkan kepada Tony Gilroy selepas dia menulis ketiga-tiga skrip filem Bourne.

Kemampuan Gilroy sebagai pengarah pernah dibuktikan menerusi Michael Clayton (2007) dan Duplicity (2009). Dilihat mempunyai kewibawaan namun tugasan kali ini lebih berat kerana perbandingan pasti dibuat. Dan seperti yang dibimbangi banyak pihak, The Bourne Legacy terhasil tanpa kesaktian.

Cerita dalam The Bourne Legacy bermula serentak pada masa yang sama ketika peristiwa di dalam The Bourne Ultimatum berlangsung. Anda dinasihatkan menonton atau mengambil tahu serba-sedikit tentang filem ketiga sebelum menyaksikan sambungannya ini. Jika tidak, anda akan sedikit ‘sesat’.

Penonton disogokkan pelbagai terma yang janggal berkenaan operasi CIA. Jika anda pengikut baru siri Bourne, berkemungkinan anda bosan dan keliru, lebih-lebih lagi 15 ke 20 minit yang pertama bergerak dalam rentak perlahan. Para pelakon seperti bercakap sesama sendiri tanpa difahami penonton.

Damon tidak muncul dalam filem ini, hanya fotonya digunakan. Dia sebagai Jason Bourne dilaporkan hilang, menyebabkan beberapa operasi sulit CIA terpaksa dihentikan, termasuk menghapuskan ejen-ejen perisik. Salah satunya adalah Project Outcome yang diwakili ejen Aaron Cross lakonan Jeremy Renner.

Berbanding Bourne yang menjadi tangkas menerusi latihan, Cross bergantung kepada pil yang dikilangkan khas bagi membantu memperkuatkan tenaganya secara fizikal dan mental. Dia masih manusia biasa tetapi genetiknya diubah. Mungkin ini usaha Gilroy untuk memasukkan sedikit elemen sains fiksyen.

Dr. Marta Shearing (Rachel Weisz) merupakan salah seorang saintis yang bertanggungjawab mengubah kromosom ejen-ejen ini agar menjadi manusia yang sempurna. Namun apabila operasi dihentikan, bukan saja ejen menjadi sasaran malah kesemua saintis dibunuh termasuk cubaan membunuh Shearing.

Cross dan Shearing akhirnya menjadi pelarian. Mereka merantau jauh sehingga ke Manila iaitu lokasi kilang memproses pil biru yang mesti diambil Cooper untuk terus hidup. Mereka bertarung nyawa untuk menyelamatkan diri dan saling menukar identiti.

Tema diburu ‘majikan’ sendiri hampir sama dengan filem Bourne yang pertama. Namun apa yang membuatkan The Bourne Legacy tewas adalah skripnya yang lemah. Jika The Bourne Identity mempunyai sifat misteri yang harus dibongkar dan jawapan yang harus dicari untuk setiap persoalan, filem keempat ini tidak.

Edward Norton yang melakonkan watak Kolonel Eric Bayer selaku ketua operasi, sejak awal lagi sudah memberi arahan kepada konco-konco dan setiap unit gerakan. Justeru, penonton sudah boleh mengagak apa yang bakal berlaku. Debaran hanya dirasai menerusi babak-babak aksi dan kejar-mengejar saja.

Tiada adegan yang benar-benar melonjakkan adrenalin kecuali apabila Cross dan Shearing dikejar di Manila. Bagi peminat-peminat filem bergasak sebegini, ia mungkin satu kenikmatan tetapi secara teknikal, ia terhasil sedikit huru-hara dengan suntingan dan gerak kamera yang tidak lancar.

Renner dan Weisz adalah pelakon yang hebat. Mereka mampu membawakan apa saja watak tetapi kali ini ia kelihatan biasa saja kerana dipengaruhi gaya pengarahan. Keserasian itu ada dan boleh dipercayai malah sesiapa pun setuju mereka sudah melakukan yang terbaik untuk meneruskan legasi Bourne.

Meskipun nama-nama watak berubah dan pelakonnya juga berubah, premis cerita masih sama. Mereka melarikan diri dari agensi yang serupa serta lari dari sasaran peluru yang serupa.

Penghasilan sekuel ini sedikit sebanyak merosakkan reputasi jenama Bourne. Seperti kata Paul Greengrass (yang mengarahkan The Bourne Supremacy dan The Bourne Ultimatum) dalam satu temubual, filem keempat ini sepatutnya dinamakan ‘The Bourne Redundancy’ yang bermaksud Bourne yang berulang.


Thursday, August 9, 2012

TOTAL RECALL (2012)


Tidak perlu diingati

Efek dan imej janaan komputer (CGI) menjadi sandaran utama.

DENGAN barisan pelakon popular dan sifatnya sebagai filem blockbuster, Total Recall (1990) arahan Paul Verhoeven mempunyai pakej lengkap untuk dibikin semula. Walaupun tidak bertaraf Oscar, ia tergolong dalam kategori 'cult movies' iaitu filem yang berpengaruh dan mempunyai pengikut tersendiri.

Nampaknya trend menghasilkan semula filem-filem lama semakin lazim di Hollywood. Pelbagai alasan boleh dibentangkan, sama ada demi keuntungan segera (kerana menggunakan idea yang sudah terbukti berkesan tetapi disasarkan kepada kelompok generasi baru) atau mereka sudah kekeringan idea.

Sebagai informasi tambahan, sebelum Total Recall, siri filem Conan (1982, 1984) yang juga dilakonkan Arnold Schwarzenegger terlebih dulu dibikin semula tahun lalu. Total Recall yang terbaru masih berdasarkan cerpen tulisan Philip K. Dick, penulis sama untuk Blade Runner (1982) dan Minority Report (2002).

Versi terbaru arahan Len Wiseman (Underworld, 2003) tidak berlatarkan planet Marikh, sebaliknya memilih Britain dan Australia yang dipanggil The Colony. Kedua negara ini dihubungkan dengan medium pengangkutan yang sangat sofistikated sehingga melalui teras bumi dan mekanisme pembalikan graviti.

Pada era masa depan, peperangan dan penindasan menyebabkan masyarakat tertekan sehingga wujudnya Rekall. Syarikat itu menawarkan perkhidmatan menjual 'mimpi' untuk pelanggan merealisasikan fantasi. Mereka hanya perlu duduk di sebuah kerusi dengan wayar-wayar berselirat di kepala dan tangan.

Douglas Quaid, seorang pekerja kilang yang menjalani kehidupan rutin yang membosankan memutuskan untuk ke sana. Ketika melakukan pengesahan latar belakang, Rekall mendapati Quaid sebenarnya seorang ejen rahsia yang ditukar ingatan dan identitinya.

Lalu bermulalah pelarian Quaid untuk mencari siapa dirinya yang sebenar. Lori, yang selama ini isterinya, kini menjadi musuh kerana dia juga seorang ejen rahsia yang harus memantau pergerakan Quaid. Pencarian lelaki itu dibantu Melina, kekasih lamanya yang mengetahui mengapa identitinya diubah.

Schwarzenegger bukanlah pelakon yang hebat, malah boleh disifatkan sebagai 'kayu'. Namun, dia bertahan lama kerana mempunyai pesona sebagai bintang dan aura itu yang lebih sukar ditandingi berbanding persembahan lakonan.

Justeru, meletakkan pelakon sebaik Colin Ferrell pun masih sukar memberi justifikasi. Minda penonton generasi 1990-an sudah ditanam dengan memori bahawa Quaid sememangnya Schwarzenegger dan bukan orang lain. Ferrell di sini sekadar seorang lagi wira biasa dalam filem, tidak lebih dari itu.

Efek dan imej janaan komputer (CGI) menjadi sandaran untuk melengkapi lakonannya. Memang hanya jabatan kesan khas pun yang dinaik taraf dan menjadikan versi baru lebih canggih selaras kemajuan teknologi.

Seperti senario masa depan yang dibayangkan dalam kebanyakan filem, Total Recall turut menampilkan kereta terbang, bangunan pencakar langit yang berstruktur ultra-moden serta pelbagai gajet, termasuk telefon tapak tangan. Imej polisnya pula mengingatkan penonton kepada klon-klon tentera dari francais Star Wars.

Walaupun penonton mampu teruja dengan beberapa babak tetapi kerana sifat filem asalnya begitu klasik, kita akan tetap mencari-cari persamaan yang boleh dikaitkan. Misalnya babak Quaid duduk di mesin proses 'pemindahan mimpi'.

Cuma topeng Quaid yang berlapis-lapis itu ditiadakan, begitu juga gadis jalanan yang mempunyai tiga payudara kali ini disopankan apabila dia memakai bra.

Apa yang dirasakan hilang dalam versi baru ini ialah humor yang dicipta secara tidak sengaja oleh Schwarzenegger, baik menerusi dialog mahupun perbuatan. Total Recall yang lama, walaupun pantas dan ganas, mempunyai semangat santai. Kontranya, watak Ferrell dicipta dalam acuan wira seperti Jason Bourne.

Wiseman, yang juga suami kepada salah seorang pelakon iaitu Kate Beckinsale, mempunyai sentuhan yang baik dalam menghasilkan adegan-adegan aksi seperti arahannya terdahulu, Die Hard 4 (2007). Setiap gerakan dikoreografi rapi dan suntingan yang kemas juga menyumbang kepada kelancaran cerita.

Dan kerana Wiseman juga, Beckinsale mendapat durasi kemunculan yang lebih banyak berbanding Jessica Biel. Menariknya, watak Lori yang dibawakan Beckinsale adalah gabungan dua karakter dari filem asal iaitu watak Lori lakonan Sharon Stone dan pemburu upahan, Richter lakonan Michael Ironside.

Biel sebagai Melina pula sekadar memenuhi syarat. Sekurang-kurangnya, dia boleh meletakkan dalam 'resume' bahawa dia pernah berlakon filem bikin semula dalam genre aksi fantasi.

Secara keseluruhan, Total Recall yang baru hanya boleh dinikmati jika anda tidak membandingkannya dengan yang lama, iaitu satu perkara mustahil untuk dielakkan. Versi baru ini sama sekali tidak perlu diingati dan boleh diabaikan.

Thursday, August 2, 2012

SALMON FISHING IN THE YEMEN (2012)


'Pancingan' yang baik

Tema cinta, politik, dan alam sekitar bersatu menjadi latar menarik.

SALMON Fishing in the Yemen adalah satu judul yang sangat eksentrik. Subjeknya diterangkan dalam sebaris ayat, iaitu tentang memancing ikan salmon di Yaman tetapi ia membuatkan kita ingin lebih tahu mengapa, siapa, kenapa dan bagaimana kerana perlakuan itu secara dasarnya tidak masuk akal.

Filem ini dihasilkan dari novel karya Paul Torday dan lakon layarnya ditulis pemenang Oscar, Simon Beaufoy (Slumdog Millionaire, 2008). Manakala pengarahnya Lasse Halstrom bukanlah orang baru dalam kerja-kerja adaptasi, misalnya The Cider House Rules (1999), Chocolat (2000) dan Dear John (2010).

Salmon Fishing in the Yemen bukanlah cerita sains fiksyen walaupun beberapa terma sains dan kejuruteraan digunakan. Drama komedi ini mencakupi pelbagai tema seperti cinta, politik dan hubungan antarabangsa serta isu alam sekitar.

Dr. Alfred Jones (lakonan Ewan McGregor) ialah seorang pakar perikanan untuk kerajaan Britain. Dia dihubungi peguam Harriet Chetwode-Talbot (Emily Blunt) mewakili pelanggannya, seorang hartawan bernama Sheikh Muhammed (Amr Waked) yang mahu membawa hobi memancing salmon ke perairan Yaman.

Jones menganggap itu satu gurauan. Secara saintifik, ia tidak boleh dilaksanakan kerana iklim yang panas di padang tandus. Begitu pun, dengan kuasa dan wang - Sheikh sanggup melabur sehingga 50 juta pound sterling - manusia akan cuba mencari rasional di luar logik.

Apatah lagi, Perdana Menteri Britain mahu projek itu diusahakan atas kepentingan peribadinya dalam mengalihkan perhatian dunia dari perang Afghanistan, seterusnya menaikkan imejnya dalam mengeratkan hubungan luar.

Tidak dinafikan babak-babak awal sedikit melelahkan (seperti mana sesetengah orang menganggap memancing itu membosankan). Ini kerana watak-wataknya bercerita secara teknikal kemungkinan projek itu direalisasikan. Walaupun tujuannya untuk kefahaman namun ia agak meleret dan mencuri masa.

Bagaimanapun, sebaik saja misi mustahil itu dimulakan, penonton bukan saja melihat kegigihan Jones, Talbot dan Sheikh; tetapi merasai krisis serta konflik yang mereka hadapi.

Jones dan isteri terpaksa berpisah kerana tidak sehaluan. Talbot menerima berita kehilangan kekasihnya yang berperang di Afghanistan, manakala Sheikh dicerca masyarakat setempat kononnya cuba melawan takdir Tuhan. Penonton juga diberikan idea jika Jones dan Talbot sebenarnya saling terpikat.

Itu tidak termasuk lagi kehadiran watak pegawai perhubungan awam Perdana Menteri, Patricia Maxwell (Kristin Scott Thomas) yang bermulut lancang dan keras kepala. Gaya lakonannya menyuntik elemen humor Britain yang sedikit menyakitkan hati tetapi bijak dan menghiburkan.

Setiap kisah ini, baik fokus utama tentang projek mahupun setiap sub-plotnya, dijalin cantik tanpa terburu-buru. Penonton hanya perlu mengikut arus cerita kerana kesudahannya sukar dijangka. Dan apa yang lebih penting, setiap tanda tanya yang ditimbulkan mendapat jawapan pada penghujung filem.

Jika ada yang kabur pun ialah motif konkrit tentang kesungguhan Sheikh mahukan projek itu dilancarkan. Ya, ada diterangkan tentang visinya dan keinginan untuk melihat generasi akan datang menikmati 'keajaiban' yang dicipta tetapi kurang jelas dan meyakinkan.

Salmon Fishing in the Yemen tidak seperti kebanyakan filem Hollywood yang bersifat prejudis terhadap masyarakat Timur Tengah, khususnya agama Islam. Tiada label pengganas diletakkan di mana-mana dalam filem ini malah Sheikh digambarkan sebagai seorang yang sangat positif dan memberi inspirasi.

Saya tertarik dengan konsepnya yang mengaitkan iman (faith) dengan ikan (fish). Jones yang selama ini tidak percaya pada agama disedarkan oleh Sheikh melalui metafora jika kita yakin akan mendapat ikan setiap kali memancing, itu bermakna kita percaya ada kuasa yang lebih besar dari keupayaan manusia.

Cuma saya menyedari penulis skripnya mengelakkan dari menggunakan perkataan 'God' atau 'Allah' secara spesifik. Sebaliknya menggantikan dengan 'belief' atau 'faith'.

Saya tersentuh dengan plot filem ini. Ia memberi harapan untuk kita terus bermimpi dan berusaha melawan ketakutan dan kegagalan. Tidak kisahlah jika ada yang menyifatkannya sebagai satu lagi propaganda Barat untuk melebih-lebihkan kehebatan mereka, kerana ia terhasil sebagai 'a feel good movie'.

McGregor semakin matang dalam memilih karakter, seperti yang pernah dipamerkan dalam Beginners (2010). Dia bukan lagi seorang idealis yang tidak praktikal seperti dalam Moulin Rouge (2001) atau lelaki mata keranjang dalam Down With Love (2003). Dia 'sajak' untuk membawakan karakter lelaki pintar.

Blunt, yang mempunyai keserasian dengan McGregor, memberikan persembahan yang seimbang dengan lapisan-lapisan emosi yang tidak keterlaluan. Manakala Waked, menyinar sebagai Sheikh yang disayangi karakternya terutama sekali pada babak selepas projek mereka disabotaj.

Saya membaca di Internet, ada peminat setia bukunya yang tidak setuju cara ia diadaptasi. Banyak pertukaran pada plot dan juga dikatakan penamat yang berlainan. Namun sebagai orang yang belum membacanya, saya menghargai Salmon Fishing in the Yemen berdiri sendiri sebagai filem yang baik.