THE HOBBIT: THE DESOLATION OF SMAUG (2013)

'Permainan video' dari Peter Jackson

Oleh Syazwan Zakariah
syazwan_zakariah@astro.com.my

 

 

ANTARA babak yang terdapat dalam filem arahan Peter Jacskon.

Saya bukanlah peminat setia J.R.R Tolkien yang pernah membaca siri The Lord of the Rings mahupun The Hobbit. Justeru, saya tidak pasti jika Peter Jackson berlaku jujur dengan naskhah asalnya. Namun, saya tahu bila sesebuah filem itu tidak bagus dan ini yang berlaku kepada The Hobbit: The Desolation of Smaug.
Saya seperti merasakan Jackson berkuasa penuh terhadap pembikinan trilogi The Hobbit (yang asalnya hanya dua bahagian, tetapi dipanjangkan dipercayai atas faktor keuntungan). Ini bererti penerbit mahupun penulis ‘tunduk’ dengan keinginan Jackson serta tidak mahu atau tidak berani mencabar keputusannya.
The Desolation of Smaug meneruskan kembara insan-insan kenit bersama Bilbo Baggins (Martin Freeman) dan Gandalf the Grey (Ian McKellen) bagi merebut semula tanah warisan Erebor yang dimiliki naga Smaug. Rentetan terdahulu, Bilbo menyimpan sebentuk cincin misteri yang mempunyai kuasa ajaib.
Jackson ‘mencampakkan’ apa saja visinya ke layar perak tanpa mengira babak itu penting atau tidak untuk jalan cerita. Apa saja impiannya – set yang lebih mewah, solekan prostetik yang lebih tebal, karakter-karakter ‘komedi badut’ dengan lebih masa tayangan – semuanya diwujudkan.
Pernah menang Pengarah Terbaik Oscar menerusi filem terakhir The Lord of The Rings: The Return of the King (2003), Jackson seharusnya lebih arif dengan cara pembikinan filem yang hebat dan disegani. Biarpun ia sebuah filem aksi fantasi, ia mesti dibina dengan karakter dan jalan cerita yang kukuh.
Benar, The Hobbit asalnya hanyalah sebuah buku cerita kanak-kanak yang nipis yang kini dipanjangkan kepada tiga episod filem dengan setiap satu berdurasi paling kurang dua jam. Begitu pun, ia bukan alasan untuk Jackson dan pasukan penulis menafikan pengisian cerita dan konteks emosi karakter-karakter utama.
Apa yang terjadi dalam sekuel kedua The Hobbit ini ialah keriuhan dan ekstravaganza visual dan bunyi semata-mata tanpa penonton (sekurang-kurangnya bagi saya) untuk benar-benar mempedulikan apa yang terjadi kepada watak-watak di dalamnya.
Barangkali misi Jackson untuk naskhah kali ini agak berlainan apabila dia mahu memberikan hiburan kosong seperti mana dia membikin semula King Kong (2005). Lawak slapstik dengan babak-babak aksi berlangsung hampir sepanjang filem. Dialognya mudah dilupakan dan klise, diiringi muzik latar yang dramatik.
Saya menantikan babak-babak untuk saya terdiam, berkongsi dan menyelami perasaan dengan mana-mana karakter seperti yang dirasai dalam trilogi The Lord of the Rings, tetapi sayangnya tidak berlaku. Saya hanya menonton naratif sebuah permainan video dan bukan cereka dongeng seperti yang dibayangkan.
Ibarat sebuah kek, Jackson lebih menumpukan kepada dekorasinya berbanding isi dan rasa. Fokus kepada visual dan audio menenggelamkan keseluruhan cerita dan pembangunan karakter Gandalf, Bilbo dan Thorin selaku teraju utama, apatah lagi sekumpulan Hobbit dan Elves yang dilayan sekadar pak pacak.
Saya tidak menafikan terhibur dengan kemunculan naga Smaug yang visualnya dihasilkan dengan teliti, apatah lagi menggunakan suara Benedict Cumberbatch. Aktor ini mempunyai nada dan gema suara antagonis yang sangat cocok dengan ciri-ciri Smaug menjadikan ia seronok untuk disaksikan.
Demi untuk ‘mengekalkan’ keseronokan itu, penonton harus melupakan tenaga dan kuasa besar yang dimiliki Smaug untuk menghapuskan Bilbo dan rakan-rakannya dalam sekelip mata. Dalam kes ini, mereka bermain kejar-kejar untuk jangka masa yang lama sehinggalah penamat cerita yang dibiarkan tergantung.
Kehadiran watak baru, Tauriel (lakonan Evangeline Lilly) sebagai teman wanita Legolas (Orlando Bloom) dan kemudian mencetuskan konflik cinta tiga segi membabitkan Kili (Aidan Turner) hanyalah untuk membeli masa. Sekurang-kurangnya Jackson cuba untuk merencah fantasi ini dengan elemen romantik.
Mungkin peminat tegar Tolkien tidak sabar untuk menyaksikan filem terakhirnya, The Hobbit: There and Back Again yang dijadualkan tayangan Disember 2014. Bukan kerana teruja, tetapi kerana mahu ‘penyelewengan’ naskhah asalnya segera dihentikan dan reputasi Jackson tidak terus rosak.

KOLUMPO (2013)

Mengotakan impian dan harapan

Oleh Syazwan Zakariah
syazwan_zakariah@astro.com.my

Kolumpo memaparkan tiga kisah ‘terpencil’ yang berlaku di Kuala Lumpur yang dihasilkan tiga pengarah muda iaitu Bront Palarae, Rozi Isma dan Sheikh Munasar. Ia merupakan sebuah cereka antologi atau omnibus dengan tema serupa di mana setiap satunya kira-kira 30 minit.
Konsep cerita dengan struktur bergilir seperti ini pernah ditampilkan dalam filem Maut (2009) arahan Bade Hj. Azmi dan Sini Ada Hantu (2011) arahan James Lee. Setiap satunya tidak berkaitan secara langsung.
Ini sedikit berbeza dengan Cinta (2006) atau Sepi (2008) arahan Kabir Bhatia. Walaupun terdapat tiga ke lima kisah yang berbeza, penceritaannya disusun berselang-seli. Karakter-karakternya juga mungkin ‘bertembung’ dalam set yang sama, tetapi mereka tidak saling mengenali.
Kolumpo mengambil slanga atau ‘nama manja’ ibu negara Malaysia sebagai judul. Ia seolah menjadi penanda bahawa filem ini adalah sebuah naskhah yang mesra penonton massa, santai, mudah didekati dan difahami. Setiap satunya diceritakan secara linear dengan sedikit babak imbas kembali.
Segmen pertama arahan Bront mendekati kisah Rahul (lakonan yang baik dari Azad Jasmin), seorang imigran dari India yang baru tiba di ibu negara selepas menerima tawaran pekerjaan.
Malangnya, dia tertipu lalu terjebak menjadi pekerja di sebuah restoran dengan gaji yang rendah dan menetap berhimpit-himpit dalam sebuah rumah usang.
Bront membawa masuk konflik imigran India dalam komuniti India tempatan sebagai unsur drama, di mana berlakunya dominasi kuasa dan penindasan.
Selain menyelitkan elemen Bollywood menerusi babak menari di atas bumbung, dia juga tidak lupa menghasilkan humor ala filem Tamil.
Ini dapat dilihat pada watak antagonis lelaki kerdil serta babak kemunculan kelibat Komang (watak tipikal untuk Sofi Jikan) yang diiringi kesan bunyi dan cahaya lampu merah.
Segmen ini amat teliti dari aspek kerja kameranya, penataan seni dan cahaya serta pemilihan lokasi dan latar landskap. Kumpulan pereka produksi barangkali memberi lebih tumpuan terhadap setiap objek atau suasana yang dirakam kerana segmen pertama ini sedikit kompleks berbanding kedua dan ketiga.
Saya tidak pasti jika kontradiksi yang tercetus di sini boleh dianggap menarik atau sebaliknya. Rahul dan rakan-rakan senasib ‘tinggal dalam dunia’ yang gelap, kotor, sempit dan menyesakkan. Namun, visual yang terhasil begitu cantik dalam keadaan rapi dan tersusun.
Saya seperti merasakan Bront terlalu inginkan kesempurnaan sehingga segmen ini menjadi terlalu ‘berjaga-jaga’.
Sementara itu, segmen kedua arahan Rozi yang menjadi kegemaran saya, mengisahkan gadis andartu, Gienna (lakonan cemerlang Nell Ng) yang terpaksa menghantar seorang wanita nyanyuk bernama Nek Wok (Ruminah Sidek) pulang ke rumah selepas sesat berjalan-jalan di tengah bandar.
Berkonsepkan road-movie, pencarian Gienna untuk membantu Nek Wok, secara bawah sedarnya, menemukan dia dengan satu kenyataan hidup bahawa dia sering mengabaikan ibunya sendiri.
Segmen kedua ini sebenarnya membawakan sebuah cerita ringkas yang boleh dijangka kesudahannya. Bagaimanapun, kepandaian penulisan Rozi dalam mengadunkan unsur jenaka dan sentimental, membuatkan ia istimewa.
Penonton tahu Ruminah sememangnya pelakon yang hebat. Persembahannya membuatkan emosi dan mood saya berubah-ubah di antara jengkel dan simpati.
Namun, adegan yang paling menyentuh perasaan saya ialah ketika kamera menangkap riak wajah Gienna dengan air mata bergenang ketika Nek Wok bertanyakan semula soalan serupa sebelum mereka berpisah.
Biarpun plotnya mudah, di sebaliknya Rozi seakan mahu menimbulkan beberapa persoalan sosial seperti isu pemilikan tanah serta kesibukan warga kota yang semakin individualistik. Ia bukan saja dipaparkan melalui watak Gienna tetapi watak sokongan seperti gadis penjual kuih dan anak Nek Wok sendiri.
Jika segmen kedua berlaku dalam satu petang saja, segmen ketiga arahan Sheikh pula berlaku dalam satu malam. Seorang lelaki pemalu bernama Hafidd (lakonan pertama Amirul Ariff yang boleh dibanggakan) bertemu dengan gadis yang tidak dikenali bernama Siti Nur Hayy (Sharifah Amani).
Mereka berjalan kaki dari taman KLCC sehingga ke stesen monorel di Bukit Bintang sambil berkongsi cerita tentang segalanya. Penonton akan tertanya jika watak Siti itu benar wujud atau sekadar khayalan, tetapi Sheikh memberikan senyuman kerana ia berakhir dengan penamat yang menggembirakan.
Terdapat sedikit masalah audio dan suntingan yang agak melompat untuk segmen ketiga ini. Biarpun dilihat sebagai segmen yang paling ‘senang’ berbanding dua terawal, kesimpulannya yang mengotakan harapan dan impian positif adalah penutup yang baik untuk Kolumpo.
Ketiga-tiga pengarah ini bertuah kerana mendapatkan khidmat jurugambar Charin Pengpanich dari Thailand (pernah bekerja untuk Bunohan, 2012) yang memberikan wajah dan tangkapan kamera yang konsisten, meskipun berlainan mood dan set cerita. Suatu permulaan yang baik untuk Bront, Rozi dan Sheikh.

USTAZ, MU TUNGGU AKU DATANG (2013)

Oleh Syazwan Zakariah

syazwan_zakariah@astro.com.my

Ustaz, kamulah 'bintang utama'

Ustaz, Mu Tunggu Aku Datang meneruskan kerancakan pembikinan filem berunsur Islam dalam budaya pop. Kemeriahan ini barangkali tercetus dari keghairahan negara jiran dalam menghasilkan naskhah-naskhah berbentuk sedemikian dan mendapat sambutan baik. Contoh paling lazim ialah Ayat-Ayat Cinta (2008).
Di Malaysia, dengan kelebihan modal dan kemudahan yang ada, David Teo dari MIG mengambil peluang memperbanyakkan filem bertema sama.
Walaupun cubaan pertamanya, Syukur 21 (2000) tidak membuahkan hasil, dia kemudian ‘menemui rentak’ yang sesuai menerusi Syurga Cinta (2009), 7 Petala Cinta (2012) dan Dua Kalimah (2013), sekadar menyebut beberapa judul.
Sebenarnya sejak era studio Jalan Ampas lagi, banyak filem Melayu yang menerapkan unsur Islam, antaranya Semerah Padi (1956) dan Isi Neraka (1960).
Namun pada waktu itu, pola penulisannya berat dan serius kerana konteks dakwah itu sendiri yang dirasakan ‘rigid’. Berbeza hari ini, dakwah disampaikan dalam pelbagai pendekatan yang lebih santai melalui kemunculan ramai penceramah yang terbuka, moden dan relevan dengan persekitaran semasa.
Salah seorang daripadanya ialah Ustaz Azhar Idrus. Namanya yang amat popular itu dijadikan tarikan utama dalam filem tulisan dan arahan Pierre Andre ini. Ustaz, Mu Tunggu Aku Datang dicorakkan dalam gaya komedi seperti yang pernah dilakukan Aji Noh Motor (2012) arahan Razif Rashid.
Filem ini mengisahkan Dadu dan Muiz (lakonan Shahrol dan Ajak yang membentuk duo Shiro) yang tidak mempunyai misi dalam hidup. Tidak mempunyai sumber kewangan yang kukuh. Satu hari mereka didatangi sepupu Dadu, Hamzah (Along Eyzendy) yang telah berubah ke jalan Allah.
Hamzah yang menumpang tidur memperkenalkan mereka dengan Ustaz Azhar Idrus melalui cakera padat yang dibawa. Tertarik dengan gaya ustaz tersebut, mereka berniat untuk berubah menjadi insan yang lebih baik.
Dadu dan Muiz kemudian dihalau keluar rumah kerana tidak membayar sewa, lalu berkelana ke sebuah masjid dan berkenalan dengan jemaah dakwah. Mereka juga memasang hasrat untuk bertemu dan mendengar ceramah Ustaz Azhar Idrus secara langsung.
Dalam perjalanan, mereka diuji dengan pelbagai kejadian termasuk dikaitkan dengan penjenayah serta golongan homoseksual sehingga dua kali masuk lokap.
Pierre mempunyai konsep yang menarik iaitu road movie yang membawa penonton ‘mengembara’ bersama Dadu dan Muiz. Bukan saja secara zahiriah iaitu dari satu tempat ke satu tempat, tetapi juga perubahan spiritual mereka yang ingin berubah sebagai individu ‘baru’ yang tidak meninggalkan solat.
Namun demikian, Pierre seakan meminggirkan pembinaan watak dan jalan cerita menyebabkan filem ini tidak lebih dari sekadar ceramah agama yang panjang. Gaya penulisannya tidak seperti sebuah cereka, sebaliknya lebih cenderung seperti Forum Perdana Ehwal Islam atau Al-Kuliyyah di kaca tv.
Dadu dan Muiz mempunyai sebab atau motivasi yang kuat untuk berubah. Mereka ditimpa kesusahan apabila dihalau keluar rumah sewa dan tiada wang. Saya ingin mempercayai apa yang Pierre olahkan itu.
Bagaimanapun, saya tidak merasakan perubahan holistik dua karakter ini. Gaya komedi yang ditampilkan membuatkan saya menganggap Dadu dan Muiz hanya mencari tempat persinggahan dan perlindungan. Mereka masih tiada arah tuju sebenar tentang masa depan dan seolah ‘mengikut-ikut’ saja jemaah dakwah.
Apabila Dadu dan Muiz menyatakan hasrat untuk bertemu Ustaz Azhar Idrus, mereka digambarkan menaiki motor kemudian berjalan kaki (kerana kehabisan minyak) tanpa destinasi yang spesifik, yakni tidak tahu lokasi ceramah atau waktu. Tindakan itu dirasakan kurang logik pada zaman berteknologi hari ini.
Pertembungan mereka dengan karakter-karakter lain sepanjang perjalanan pula, hanyalah untuk mengisi masa tayangan. Alangkah bagusnya jika setiap watak yang mereka temu atau sesuatu peristiwa itu dapat menambahkan iman atau pedoman mereka. Pierre tidak memberikan kaitan atau signifikan tersebut.
Manakala babak kemuncak, babak yang ditunggu-tunggu peminat Ustaz Azhar Idrus, tidak lebih dari sesi soal jawabnya bersama Dadu dan Muiz. Kemunculan Ustaz seperti terasing dari jalan cerita, apatah lagi dengan kerja kamera yang tidak ubah seperti program bual bicara di Astro Oasis.
Filem ini berakhir dengan babak pertemuan itu. Saya masih tertanya perubahan bagaimana yang dijalani Dadu dan Muiz kerana tidak ditunjukkan atau dinyatakan perbezaan hidup mereka dari awal cerita sehingga ke penghujung.
Justeru, saya menyimpulkan filem ini hanya mahu memanipulasikan populariti Ustaz Azhar Idrus dan syabas, sekurang-kurangnya Pierre berjaya memujuk pendakwah terkemuka itu untuk terlibat dalam budaya pop filem komersial. 

THE LUNCHBOX (2013)

Mangkuk tingkat, kesunyian dan cinta

Antara dalam filem The Launchbox yang berkisar tentang mangkuk tingkat

Sukar rasanya untuk mencari sebuah filem, sekurang-kurangnya bagi saya, yang bercerita tentang kehidupan sehari-hari yang rutin, tetapi amat memberi kesan. Kehidupan itu digambarkan sebagai membosankan dan mendatar, namun mampu mengikat penonton untuk terus menyaksikannya sehingga penamat.
The Lunchbox bermula dengan Ila, seorang isteri dan juga ibu kepada seorang kanak-kanak perempuan, menyediakan juadah makan tengah hari untuk suaminya. Makanan itu dihantar menerusi khidmat penghantar makanan atau lebih dikenali sebagai dabbawala di Mumbai.
(Trivia: Terdapat kira-kira 5,000 dabbawala di kota itu yang menghantar lebih 130,000 mangkuk tingkat kepada pekerja-pekerja di pejabat. Menurut kajian yang dilakukan Universiti Harvard, kebarangkalian untuk mereka tersilap hantar kepada pemilik yang lain adalah dengan nisbah satu dalam sejuta).
Bagaimanapun, mangkuk tingkat yang disediakan Ila untuk suaminya dihantar kepada seorang duda bernama Saajan Fernandes yang bakal bersara. Ila menyedari kesilapan berlaku apabila juadah yang disediakannya habis dimakan, sedangkan suaminya tidak memuji masakannya ketika pulang ke rumah.
Ila yang berasa curiga menyelitkan nota di dalam mangkuk tingkat tersebut. Bermula dengan sekadar memberitahu makanan itu bukan untuk Fernandes, mereka kemudian saling berbalas surat. Ila dan Fernandes membentuk satu ikatan kerana mereka adalah insan yang kesunyian.
Ila yang menerima layanan dingin mengesyaki suaminya mempunyai hubungan sulit. Manakala Fernandes adalah insan yang murung selepas kematian isteri. 'Kehadiran’ mangkuk tingkat Ila, bagaimanapun kini menjadikan waktu makan tengah hari adalah masa yang paling dinanti-nantikan oleh Fernandes.
Dalam teknologi yang serba canggih hari ini dengan kewujudan pelbagai media sosial mahupun applikasi whatsapp, The Lunchbox bersandarkan formula perhubungan klasik menerusi surat.
Sesuatu yang amat menarik apabila kita menyaksikan dua jiwa yang saling tidak mengenali ini berkongsi segala perasaan, harapan, impian malah kenangan-kenangan lama mereka, hanya di atas kertas. Sebuah perhubungan intim yang tidak konvensional kerana mereka tidak pernah bersemuka.
Filem ini melakukannya dengan begitu efektif sehingga kita tidak mengeluh pun apabila Ila dan Fernandes tidak cuba berbalas nombor telefon atau menggunakan medium komunikasi yang lain. Dan semua ini berlatarkan bandar Mumbai yang ditangkap cantik dalam suasananya yang semula jadi.
The Lunchbox merakamkan perjalanan dabbawala dari dapur rumah ke meja pejabat dengan lengkap. Penonton dapat melihat kesesakan bandar Mumbai menerusi jalan raya mahupun jalan kereta api, orang mengilat kasut, menjual lukisan di tepi jalan atau duduk tekun di meja kerja demi survival.
Fernandes digambarkan tinggal di sebuah rumah besar di Bandra, manakala Ila menetap di flat sempit di mana dia boleh menjerit memanggil jiran dan dapat mendengar suara masing-masing tanpa melihat wajah. Di sebalik kemewahan dan keriuhan itu semua, penonton dapat merasai kesepian Ila dan Fernandes.
Semua ini tidak akan berhasil tanpa kebijaksanaan lakon layar yang ditulis pengarahnya, Ritesh Batra. Dia meneroka tema kesunyian dalam bahasa sinema yang berbeza dengan filem-filem Bollywood lain. Penulisannya membuatkan penonton mengambil peduli dengan setiap karakter, malah setiap dialog.
Filem ini juga hampir tidak mempunyai muzik latar, sebaliknya memanipulasikan bunyi-bunyi asli untuk mencerminkan suasana atau perasaan.
Ritesh menjadikan The Lunchbox ibarat sebuah sajian yang membuatkan orang teringat-ingat walaupun sudah habis. Satu metafora perasaan yang puas, bukan kerana tidak menginginkannya lagi, tetapi kerana gembira dengan hasilnya.
Ritesh tidak memberikan sebarang kesimpulan terhadap perhubungan 'aneh' Ila dan Fernandes. Dia memberikan penghujung cerita yang terbuka untuk penonton mentafsirkan sendiri darjah atau tahap perasaan cinta yang dialami oleh dua karakter ini. Saya sebagai penonton, mempercayai cerita rekaannya.
Irrfan Khan sebagai Fernandes membuktikan dia adalah ‘Khan’ yang terbaik di Bollywood. Karakternya tidak memerlukan dia bercakap banyak, tetapi ‘kata-katanya’ terluah menerusi surat yang dihantar kepada Ila. Lenggok suara dan raut wajahnya cukup menggambarkan apa yang dirasai dan dipendam.
Persembahan Irrfan dibantu lakonan cemerlang Nawazuddin Siddiqui yang memegang watak Sheikh Aslam, pemuda yang bakal menggantikan tempatnya di pejabat apabila Fernandes bersara kelak.
Sheikh pada awalnya menjengkelkan, namun apabila cerita bergerak, penonton akan mula terpaut kepada pembinaan wataknya yang berlapis-lapis; penuh tulus dan naif tetapi cekal dalam mengharungi hidup sebatang kara. Dinamik perhubungan di antara Fernandes dan Sheikh menyeronokkan untuk ditonton.
Sementara itu, Nimrat Kaur sebagai Ila memberi penghayatan yang mengagumkan, apatah lagi ini merupakan watak utamanya yang pertama.
Dia memiliki sepasang mata yang sayu, seolah menjadi medium untuk menyampaikan perasaan yang dilalui. Dia juga tidak memerlukan air mata untuk menunjukkan kelemahannya, tetapi penonton sedar akan kerapuhan hidupnya.
The Lunchbox memberikan penonton pengalaman kehebatan perasaan manusia terhadap keinginan untuk bercinta dan dicintai.

(Trivia: Filem ini memenangi Anugerah Kritik Pilihan Penonton atau Grand Rail d’Or di Festival Filem Cannes 2013. Bagaimanapun, penerbitnya kecewa apabila ia tidak terpilih untuk mewakili India dalam Oscar akan datang. The Lunchbox tidak ditayangkan di pawagam Malaysia, tetapi secara eksklusif di Astro Best).

DIANA (2013)

Filem yang 'menyedihkan'

Filem: Diana Pengarah: Oliver Hirschbiegel Pelakon: Naomi Watts, Naveen Andrews, Cas Anvar, Juliet Stevenson, Douglas Hodge

Dilema atau krisis yang perlu dihadapi pembikin naskhah biografi ialah apabila pengkritik akan menjadi lebih teliti, terperinci dan cerewet dalam segala hal.
Bukan saja dari sudut yang paling asas dan jelas seperti rangka kisah dan alunan penceritaan, malah sehingga sekecil-kecilnya aspek seperti bagaimana subjek yang diceritakan itu bercakap, berjalan, berpakaian atau stail rambutnya.
Filem Diana tidak terlepas dari perkara yang sama. Penulis lakon layar, Stephen Jeffreys dan pengarah Oliver Hirschbiegel terdedah kepada risiko yang besar kerana Puteri Diana adalah antara wanita yang paling terkenal di dunia.
Apabila kita menyebut perkataan ‘terkenal’, ia bermaksud semua orang kononnya ‘mengenali’ puteri itu secara peribadi dan mempunyai persepsi yang berbeza-beza mengenainya. Persepsi ini dicipta melalui apa yang mereka lihat, baca dan dengar melalui segala medium media.
Filem Diana tidak menceritakan keseluruhan hidupnya, sebaliknya hanya memberi fokus kepada kisah dua tahun sebelum kematiannya yang tragis pada 31 Ogos 1997.
Diinspirasikan dari buku Diana: Her Last Love tulisan Kate Snell (2001), naratifnya bertumpu kepada kisah selepas berpisah dengan Putera Charles serta hubungannya dengan Dr. Hasnat Khan dan Dodi Fayed.
Apa yang terjadi dengan filem ini ialah ia menerima kecaman, bukan saja dari pengkritik profesional, malah penonton biasa yang merasakan Diana tidak memberi keadilan kepada puteri kesayangan ramai itu. Filem ini seharusnya menjadi ‘lebih besar’, bukan saja dari segi skala, tetapi jiwa dan perasaannya.
Saya bersetuju dengan pandangan umum itu selepas menyaksikannya sendiri. Saya tidak mahu menuduh Diana dihasilkan dengan sambil lewa kerana saya pasti pihak produksi sudah melakukan yang terbaik, namun standard yang terhasil tidak lebih sekadar telefilem dari saluran televisyen Hallmark.
Watak Diana dibawakan calon Pelakon Wanita Terbaik Oscar sebanyak dua kali, Naomi Watts. Saya memuji jabatan tatarias dan solekan yang cuba menyalin hampir seratus-peratus gaya asli Puteri Diana. Bagi saya, ‘helah’ ini amat penting untuk mewujudkan realisme dan kepercayaan terhadap subjek yang diceritakan.
Namun, saya tidak boleh menyalahkan Watts apabila raut wajahnya yang tidak seiras dengan Diana (tanpa bantuan mekap dan pemakaian) membuatkan ada masa-masa tertentu saya tidak mempercayai dia adalah puteri diraja itu.
Sebagai contoh, babak Diana menyarung rambut palsu panjang berwarna hitam untuk melarikan diri dari paparazi. Ketika ini, Watts kelihatan lebih mirip Elizabeth Hurley berbanding Diana, tetapi saya enggan meletakkan itu sebagai masalah terbesar filem ini.
Saya berterima kasih sekurang-kurangnya pihak produksi memilih pelakon seperti Watts yang mempunyai kredibiliti dan trek rekod yang cemerlang. Namun, kerana karakter Diana itu sendiri yang larger than life, penonton dapat merasakan betapa Watts berikhtiar keras untuk menjadi puteri diraja tersebut.
Percubaan dan persembahan Watts yang tidak mengecewakan itu tidak dapat menyelamatkan keseluruhan filem ini. Karakternya ditulis dengan teruk. Bukan bermaksud dari segi moral atau etika, sebaliknya ketiadaan dinamik membuatkan penonton tidak mampu terikat atau berkongsi empati.
Diana dalam filem ini digambarkan dengan ringkas. Sedih kerana terbuang dari istana, dia terdesak menginginkan cinta dari kalangan lelaki biasa sehingga sanggup melakukan apa saja. Wataknya tidak benar-benar dikupas sehingga ke lapisan yang terakhir membuatkan penonton hanya melihat di permukaan.
Penulis skrip mahupun pengarah seakan tidak cuba mendalami sikap atau motivasi mengapa Diana bertindak sebegitu dalam satu-satu hal. Dalam erti kata lain, saya percaya karakter sebenar Puteri Diana lebih kompleks dari apa yang dipertontonkan. Ya, bukan kerja mudah tetapi di sinilah cabaran pembikinnya.
Latar watak Hasnat (lakonan Naveen Andrews) mempunyai faktor penceritaan yang kuat; tersepit di antara cinta, kerjaya, keluarga dan agama. Namun, lakon layar filem ini memberikan penonton persepsi bahawa dia ialah lelaki yang tidak berhenti mengeluh dan egoistik dalam gaya melodrama yang meresahkan.
Seperti Watts, lakonan Andrews berada pada tahap yang membanggakan, tetapi mereka hanya bagus apabila berasingan. Mereka seakan tiada keserasian apabila bersama. Selain penulisan yang membosankan dan pengarahan yang lemah, suntingan juga menjadikan filem ini mendatar serta pilihan muzik yang klise.

HIGHLAND TOWER (2013)

'Amatur' yang tidak meyakinkan

ANTARA adegan dalam filem highland tower.

HIGHLAND Tower bukanlah naskhah pertama Pierre Andre dalam bentuk mockumentary iaitu dokumentari olok-olok. Sebelum ini, dia mengarahkan Seru (2011) bersama Woo Ming Jin. Kedua-dua filem itu berlegar dalam subgenre yang serupa iaitu ‘realiti’ seram dan mistik, tetapi pendekatannya berbeza.
Seru merupakan cantuman pita rakaman ‘sebenar’ seorang mangsa terakhir yang terselamat dari tragedi pembunuhan akibat rasukan di sebuah set penggambaran filem. Manakala Highland Tower adalah pita rakaman sekumpulan anak muda yang mencari entiti untuk tujuan dokumentasi.
Filem ini mirip kepada Penunggu Istana (2011) yang dipasarkan sebagai doku paranormal pertama Malaysia. Strategi filem itu ialah menggunakan pelakon amatur (yang tidak dikenali ketika itu, antaranya Sara Ali dan Amar Asyraff) sebagai sekumpulan pelajar kolej yang sedang menyiapkan tugasan.
Taktik itu sekurang-kurangnya memberikan perasaan realisme kononnya ia memang pernah berlaku dan bukan satu lakonan. Berbeza dengan Highland Tower, ia membariskan pelakon residen MIG yang pernah dilihat di dalam filem-filem lain, tetapi kali ini bertindak sebagai krew produksi.
Mika (Mikael Andre) dan Niezam (Niezam Zaidi) ialah pembikin dokumentari paranormal. Menginginkan cabaran, mereka bercadang untuk ke Highland Towers, penempatan di Taman Hillview, Ulu Kelang yang runtuh pada 1993.
Selepas satu dari tiga blok kondominium itu musnah, pihak berkuasa mengisytiharkan ia tidak selamat untuk didiami. Tragedi itu mengorbankan 48 nyawa dan sehingga kini kawasan itu terbiar bersemak-samun.
Merupakan projek terbesar Mika dan Niezam, mereka meminta sokongan MIG dari segi dana dan bantuan teknikal. Produksi mereka kini dianggotai tujuh individu termasuk seorang pemandu iaitu Eddy (Eddy Rauf), hos dokumentari, Shima (Shima Anuar) dan juruaudio, Adibah (Adibah Yunus).
Selepas beberapa jam di Highland Towers, mereka mula diganggu dengan bunyi aneh, peristiwa kehilangan anggota kumpulan serta kemuncaknya apabila Shima dan krew pembantu, Atikah (Atikah Suhaime) diserang histeria.
Bagi filem sebegini, penonton memang mengharap untuk ditakut-takutkan. Rumah atau bangunan terbiar dengan tangkapan kamera yang ‘sebenar’ secara automatiknya membuatkan penonton resah dan berdebar kerana mereka tidak pasti apa yang akan berlaku atau muncul di depan mata.
Saya tidak mempunyai masalah dengan gerak kamera yang terhuyung-hayang kerana formatnya memang begitu. Malah, jika dibandingkan dengan Seru yang goncangan kameranya lebih ekstrem, Highland Tower dirasakan lebih ‘tenang’ dan terkawal. Namun, ada beberapa hal yang membuatkan realisme itu hilang.
Terdapat beberapa babak di mana bunyian, misalnya tangisan bayi, tidak ‘raw’ seperti ia terhasil sendiri. Bunyi itu sama seperti yang diletakkan di dalam filem-filem fiksyen lain - jelas bergema dan ‘diadun’.
Saya tidak dapat ‘membeli’ lakonan-lakonan yang dipersembahkan. Ia kelihatan dipaksa dan dibuat-buat. Reaksi mereka - sama ada teruja, tenang mahupun ketakutan - seperti tidak asli, kecuali lakonan Eddy yang bersahaja dan ‘subtle’ yang menjadikan filem sebegini lebih mudah untuk dipercayai.
Ya, Mika mungkin pengarah projek yang amatur, tetapi saya tidak dapat merasakan mereka ke sana untuk sebuah projek pembikinan doku yang serius.
Mereka, terutamanya Mika kelihatan ‘clueless’ dan tidak tahu apa yang mahu dilakukan. Mereka seperti tiada perancangan yang teliti seperti rajah atau peta bangunan untuk diselidiki, sebaliknya hanya mundar-mandir turun naik dari satu tingkat ke tingkat lain, mengharapkan entiti akan muncul.
Mika seharusnya tahu apa yang hendak dirakamkan dan dicapai pada penghujung penggambaran. Seperti yang pernah saya tonton dalam dokumentari sebenar di kaca tv, mencari entiti memerlukan pelbagai alatan dan kepakaran, bukan sekadar mengikut naluri hati, deria rasa mahupun penglihatan.
Skrip Shima misalnya sebagai hos tidak meyakinkan. Tiada fakta atau perincian yang kukuh, sebaliknya hanya dialog seperti, “tempat ini memang menyeramkan" iaitu perkara yang penonton boleh lihat sendiri menerusi visual.
Bukankah sesuatu produksi itu, terutamanya apabila dibiayai syarikat besar seperti MIG, harus mempunyai rangka kerja agar perjalanan tidak sia-sia?
Sebagai pengarah dan penulis yang sinonim dengan naskhah seram, Pierre seharusnya peka dan mengerti dengan kepentingan pengetahuan seperti ini.
Penonton mahu diyakinkan bahawa apa yang mereka saksikan itu adalah perkara benar, walaupun secara sedar mereka tahu mereka ‘ditipu’. Selepas sekian banyak filem mockumentary dihasilkan, terutamanya dari luar negara, Pierre harus muncul dengan idea helah yang lebih baru dan bijak.

JOBS (2013)

Jobs yang dingin

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
(syazwan_zakariah@astro.com.my)

SELAMA ini saya amat mengagumi kehebatan Steve Jobs dan saya pasti seluruh dunia pun begitu. Bagaimanapun selepas menonton filem biografinya arahan Joshua Michael Stern, saya berada dalam dilema.
Saya tidak pasti mahu terus menyanjungi pengasas komputer Apple ini atau tidak. Dia memang pintar kerana mengilhamkan produk-produk hebat, tetapi sekadar itu saja. Keperibadian yang ditampilkan bukan contoh seorang tokoh.
Adakah ini terjadi kerana Matt Whiteley tidak menulis lakon layarnya dengan betul atau personaliti Jobs sememangnya menjengkelkan?
Apa pun jawapannya, saya merasakan insan handal seperti Jobs patut mendapat lebih keadilan menerusi sebuah filem yang baik dan tersusun penceritaannya.
Filem ini memberi gambaran mudah terhadap seorang lelaki yang saya percaya sifatnya lebih kompleks seperti mana pemikirannya.
Filem Jobs bermula dengan babak pada 2001, ketika Jobs (lakonan Ashton Kutcher) memperkenalkan iPod dan mendapat tepukan gemuruh.
Adegan kemudian berputar 30 tahun sebelum itu, semasa Jobs masih menuntut di Reed College, Portland. Tidak habis belajar, dia mengembara ke India untuk seketika sebelum mendapat kerja di tempat mencipta permainan video, Atari.
Menyedari dia tidak mendapat kepuasan bekerja di bawah orang, Jobs bersama rakannya, seorang jurutera bernama Steve Wozniak (Josh Gad), mencipta versi komputer mereka sendiri. Dia menjadikan garaj rumah ibu bapanya di Los Altos, California sebagai bengkel mereka.
Bibit kejayaan tercetus apabila seorang usahawan dan bekas jurutera dari Intel bernama Mike Markulla (Dermot Mulroney) mempercayai visi Jobs. Dia bersedia melabur untuk menubuhkan Apple Computer Inc. sekali gus melancarkan Apple II yang diinspirasikan dari mesin taip dengan monitor televisyen.
Menjadi gergasi dunia komputer sebaris IBM, bagaimanapun Jobs 'dibuang' dari Apple apabila dia melancarkan versi Macintosh pada 1984. Dia tidak mendapat sokongan ahli lembaga pengarah yang memihak kepada Ketua Pegawai Eksekutif, John Scully (Matthew Modine) yang dilantik sendiri oleh Jobs.
Apabila saham Apple merudum dan keadaan syarikat tidak stabil, Jobs dipujuk untuk menyertai mereka semula pada 1996. Ketua Pegawai Eksekutif, Gil Amelio (Kevin Dunn) terpaksa meletakkan jawatan dan Apple seterusnya berkembang di bawah pentadbiran Jobs yang menjadi Ketua Pegawai Eksekutif baru.
Pengkisahan bagaimana Jobs membina Apple sebelum ia menjadi gah, senang difahami penonton. Secara kasar, filem ini menunjukkan detik-detik penting lelaki itu dari aspek profesion - turun naik kerjayanya - iaitu perkara yang mungkin ramai sudah tahu atau pernah membacanya di mana-mana.
Apa yang kurang dalam filem ini ialah perasaan. Penonton disogokkan dengan peristiwa demi peristiwa tanpa mampu mengaitkan apa sebenarnya yang dirasai oleh Jobs. Menonton filem Jobs seperti dokumentari tanpa elemen drama.
Benar, Whiteley menunjukkan sisi Jobs yang gigih dan tidak putus asa dalam berinovasi, tetapi hubungannya dengan watak-watak di sekeliling terabai.
Sebagai contoh, persahabatan Jobs dengan Wozniak tidak didalami. Mengapa Wozniak bertindak meninggalkan Apple dan bagaimana dia melihat Jobs sebagai insan yang banyak berubah selepas berjaya, tidak diceritakan dengan baik.
Penonton juga pada awalnya melihat bagaimana Jobs meninggalkan teman wanitanya yang hamil, Chris-Ann Brennan (Ahna O'Reilly) dan enggan bertanggungjawab. Pada pertengahan filem pula, Jobs tiba-tiba digambarkan sudah berkahwin dengan wanita lain tanpa memberi penonton penjelasan.
Dalam erti kata lain, penonton meninggalkan pawagam tanpa mempedulikan Jobs kerana kita tidak diberi peluang untuk benar-benar memahami siapa dia. Apa yang ditunjukkan dalam filem ini, jika tepat, hanyalah memalukan dia dan keluarga. (Jobs meninggal dunia pada 5 Oktober 2011 akibat barah pankreas).
Personaliti Jobs ditunjukkan sebagai seorang yang angkuh, panas baran dan tidak menghargai mereka yang menyokongnya. Dia bercakap kasar dengan pekerja, tidak memberikan kredit kepada mereka yang sama-sama membantunya ketika susah dan hanya mementingkan diri sendiri.
Filem ini membuatkan saya tertanya-tanya. Adakah dunia hari ini mengangkat seorang ikon hanya kerana dia bijak dalam menghasilkan produk yang digemari dunia sehingga bergelar hartawan? Sedangkan di sebalik kepintaran itu, kita menutup sebelah mata terhadap sifat insaninya yang tamak dan lupa diri?
Suntingan filem ini berterabur. Babak-babak bermula dan berakhir seperti secara rawak tanpa kandungan emosi. Adegan disambungkan tanpa struktur yang kukuh dan ada waktunya meninggalkan penonton dengan tanda tanya.
Misalnya, susulan Jobs menadah cahaya matahari dengan beberapa babak pantas kejadian-kejadian yang berlaku dalam hidupnya. Saya mengerti apa yang ingin disampaikan pengarah iaitu Jobs seakan mendapat inspirasi, tetapi penonton tidak merasakannya.
Begitu juga dengan susulan ketika Jobs bercucuk tanam dan mencabut lobak merah yang ditanam di kebun rumahnya. Babak itu menjadi sambungan kepada lapan tahun selepas Jobs dibuang dari Apple. Ia terasa janggal dan tidak kena.
Kutcher kelihatan bekerja keras dengan sedaya upaya untuk menghidupkan semula Jobs, terutamanya meniru gaya dia berjalan dengan terhenjut-henjut dan membongkok. Sayangnya, Kutcher hanya 'memainkan' watak dan bukan 'menjadi' watak itu.
Tiada apa yang boleh dipelajari dari filem ini. Tiada dialog atau momen-momen yang boleh diingati. Malang sekali, Jobs terhasil sebagai sebuah naskhah yang dingin dan tidak memberi inspirasi seperti yang diharapkan.

Artikel Penuh: http://www.utusan.com.my/utusan/Hiburan/20131003/hi_03/Jobs-yang-dingin#ixzz2grTYqf3Q
© Utusan Melayu (M) Bhd

WHITE HOUSE DOWN (2013)

White House Down

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

PENGARAH Roland Emmerich memang suka meletupkan bangunan. Dalam Godzilla (1998), dia menghancurkan seluruh Manhattan. Dalam The Day After Tomorrow (2004) pula, tugu The Statue of Liberty menjadi mangsa.
Emmerich juga mengambil kepercayaan kaum Mayan untuk subjek filem 2012 (2009) di mana kiamat berlaku. Bagaimanapun, sebelum filem-filem itu terhasil, pengarah ini terlebih dulu dikenali menerusi Independence Day (1996).
Dalam filem tersebut, White House diletupkan dan Amerika Syarikat diserang makhluk asing. Nampaknya, Emmerich masih belum puas meletupkan kediaman rasmi Presiden itu dan melakukannya sekali lagi dalam White House Down.
Benar, produk-produk Emmerich dilabel sebagai blokbuster musim panas yang dihasilkan untuk penonton bersuka-suka. Kita sudah boleh mengagak apa yang bakal ditawarkan dan penamat yang menggembirakan di penghujungnya.
Soalnya, adakah White House Down filem hiburan yang baik, atau sekadar okay, atau tidak perlu diambil peduli?
Apatah lagi, filem ini muncul kurang enam bulan selepas Olympus Has Fallen ditayangkan. Filem lakonan Gerard Butler itu mempunyai tema yang sama - tentang pencerobohan White House dan serangan pengganas.
Dari segi masa, sudah tentu Olympus Has Fallen mendahului White House Down. Malah, mungkin ada penonton yang terkeliru menyangkakan dua filem ini sebagai filem yang sama atau sekuel, tetapi sebenarnya ia tiada kaitan langsung.
Bagaimanapun, kerana saya tidak berkesempatan menonton Olympus Has Fallen, saya tidak akan membuat perbandingan, sebaliknya menilai White House Down atas kapasitinya sendiri.
White House Down mengisahkan John Cale (lakonan Channing Tatum) menghadiri temu duga di jabatan perkhidmatan sulit White House. Mempunyai rekod kerja yang kurang baik serta kelulusan akademik yang lemah, peluangnya tipis walaupun mempunyai kenalan yang bekerja di situ.
Pada hari yang sama, John membawa sekali anaknya, Emily (Joey King) untuk lawatan ke White House. Emily merupakan peminat setia politik Amerika dan menyanjungi Presiden James Sawyer (Jamie Foxx) yang dianggapnya wira kerana 'berjaya membawa pulang' bapanya yang bertugas di Afghanistan.
Malang tidak berbau apabila pada hari itu, White House diserang sekumpulan pengganas. Tiada kena-mengena dengan Al-Qaeda, sebaliknya rancangan orang dalam sendiri atas motif dendam.
Ketika Independence Day ditayangkan 17 tahun lalu, perasaan melihat White House dibom memang mendebarkan. Justeru, menyaksikan perkara yang sama diulang kembali sudah tidak lagi mengujakan - maksud saya dari aspek kesan khasnya. Ia kelihatan 'memenatkan' dan tidak menghairankan.
White House Down juga akan mengingatkan penonton kepada siri Die Hard (1998-2013), terutamanya yang pertama. Bruce Willis yang mempunyai lebih kredibiliti sebagai pelakon, mungkin lebih dipercayai dan diyakini sebagai hero dan bapa berbanding Tatum.
Banyak harta benda yang musnah dalam White House Down dan kita boleh mengagak bajet besar yang digunakan adalah sebahagiannya untuk meletupkan set. Dari aspek pembikinan dan kesan khasnya, tiada sebarang revolusi di situ.
Sepanjang dua jam menonton, ia boleh diklasifikasikan sebagai filem aksi yang standard - tentang perlumbaan untuk melengkapkan misi sebelum segalanya berakhir. Tiada satu pun dalam filem ini yang tidak boleh kita teka, kecuali mungkin penjahat sebenar yang didedahkan di hujung cerita.
Walaupun penulis James Vanderbilt tidak mahu naskhah ini dilihat sebagai naskhah politik, namun dia tetap menyelitkan agenda di sebalik motif sebenar penaklukan kuasa di White House. Begitupun, idea itu tidak begitu 'dibeli' kerana aspek hiburan dan drama yang stereotaip lebih dititik beratkan.
Meneliti barisan pelakon, sudah tentu White House Down boleh menang dari segi kutipan di pawagam. Peminat Tatum tentu lebih seronok melihat susuk tubuh sasa aktor ini berbanding mutu sebenar persembahannya, yang sebenarnya tidaklah teruk tetapi tiada apa yang boleh dibanggakan.
Tiada kedalaman pada watak Foxx sebagai Presiden Sawyer. Namun gandingannya dengan Tatum semasa babak melepaskan diri dari White House agak menghiburkan. Lakonan Joey King sebagai Emily pula meyakinkan, tetapi mungkin kerana dia kanak-kanak, penilaian penonton terhadapnya tidak kritikal.
Barisan pelakon lain pula hanya melakukan apa yang mereka patut lakukan, terutamanya kumpulan penjahat yang kelihatan tipikal menerusi raut wajah yang memang jahat, selain rupa paras yang tidak terurus dan lengan bertatu.
Menjawab soalan yang dikemukan terlebih awal tadi, adakah White House Down filem hiburan yang baik? Bagi saya, ia terlalu biasa dan boleh membosankan kerana pengulangannya. Perlukah diambil peduli? Jika anda mahu membuang masa dua jam dan tidak berfikir apa-apa, ya, mengapa tidak.

Artikel Penuh: http://www.utusan.com.my/utusan/Hiburan/20130704/hi_04/White-House-Down#ixzz2grOfNUOJ
© Utusan Melayu (M) Bhd

MAN OF STEEL (2013)

Superman, Man of Steel

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

UNTUK bertahun lamanya, Superman boleh disifatkan sebagai karakter dua dimensi. Dia bukan seperti Batman yang mempunyai lebih banyak transisi dan naluri kerana Batman asalnya seorang manusia biasa.
Superman, sebaliknya, memang dilahirkan sebagai adiwira dari alam yang berbeza. Ada masanya penonton atau pembaca komik sukar untuk mempunyai empati atau simpati terhadapnya kerana sedia maklum sifat luar biasanya.
Begitupun, terima kasih kepada Christopher Nolan, pengarah trilogi Batman (2005-2012) yang bertindak selaku penulis bersama untuk lakon layar filem terbaru Superman, Man of Steel.
Nolan mempunyai keupayaan dalam bercerita secara teliti dengan mendalami setiap perwatakan. Seperti apa yang dilakukan kepada francais Batman, dia bijak mengadaptasi kisah komik menjadi naskhah yang mampu dipandang serius.
Untuk Man of Steel, dia bekerjasama dengan rakan penulis The Dark Knight Rises (2012), David S. Goyer untuk memberi imaginasi baru terhadap Superman, karya DC Comics yang berusia hampir 75 tahun sejak penerbitan edisi pertama.
Jalinan cerita yang ditulis Nolan dan Goyer memberi kefahaman tentang asal-usul seorang bayi yang bernama Kal-El yang dihantar ke bumi oleh ibu bapanya ketika Krypton hampir musnah.
Man of Steel ialah 'character-driven story' tentang bayi itu yang kemudiannya membesar dengan nama Clark Kent. Dipelihara sepasang suami isteri yang menemuinya terdampar di sebuah ladang, penonton melihat sendiri bagaimana Clark 'bertarung' untuk memahami mengapa dia berbeza dari kanak-kanak lain.
Clark berasa tersisih dan takut dengan kelebihan (atau baginya sumpahan) yang ada padanya. Ibu bapa angkatnya menasihatkan agar dia membataskan penggunaan kuasa yang dikurniakan - jangan menjadi terlalu pantas atau terlalu kuat - kerana bimbang akan menyakiti orang lain dan dirinya sendiri.
Pertemuan Clark dengan roh bapa kandungnya, Jor-El meyakinkan dia adalah simbol keamanan dunia sejagat. Transformasi ini - dari seorang yang tidak menerima hakikat siapa dirinya, kepada seorang hero - adalah satu tontonan yang mengasyikkan, walaupun pernah diceritakan berulang kali.
Selain arus penceritaan yang baik, Man of Steel ditangani pengarah yang pandai membaca visi Nolan dan Goyer. Zack Snyder (Watchmen, 2009; Sucker Punch, 2011) membawa bersama kepakarannya dalam aspek teknikal serta imejan yang mengagumkan. Man of Steel adalah perkahwinan cerita dan visual yang tepat.
Filem ini berjalan lancar, tidak terlalu laju atau perlahan. Dibuka dengan babak pertempuran di Krypton dalam mood genre fiksyen sains, ia kemudian beralih kepada suasana drama dan emosi. Bagaimana Clark semasa kanak-kanak dan dewasa 'mencari dirinya' diceritakan secara non-linear.
Sejam selepas itu, tempo Man of Steel bertukar menjadi filem aksi blockbuster musim panas, apatah lagi dengan kehadiran watak antagonis utamanya, General Zod. Babak-babak lawan dihasilkan dengan kemas, menunjukkan kehalusan kerja tangan dan pemikiran Snyder dalam jabatan audio dan visual.
Synder menjadikan filem ini 'solid' - padu dengan aksi, kesan khas yang baik dan tema kemanusiaan yang yang menonjol, walaupun ini hanyalah dongeng. Pada satu-satu masa saya menyangkakan filem ini akan menjadi bosan, tetapi tidak kerana ia terus-terusan memaku penonton sehingga cerita selesai.
Man of Steel ialah interpretasi moden tentang Superman yang lebih sensitif dan mampu wujud di dunia nyata. Ia tidak sama seperti Superman lakonan Christopher Reeve dari era ibu bapa kita yang lebih mudah, ringan, memiliki unsur humor yang kuat, serta watak baik dan jahatnya mempunyai jurang besar.
Saya menyukai karakter General Zod (lakonan Michael Shannon) yang setara kuat perwatakannya dengan Clark/Superman. Meskipun jahat, Zod mempunyai niat murni untuk bangsanya. Dia mahu menjadikan bumi sebagai koloni baru selepas Krypton musnah dan umat manusia baginya adalah penghalang.
Penonton juga dapat menyaksikan watak Lois Lane sebagai wanita yang lebih kuat, matang dan berdikari - bukan mengada-ada, kepala angin dan lemah seperti mana sebelum ini. Amy Adams menggalas peranan ini sebaiknya. Perhubungan di antara Lois dan Clark/Superman juga dibentuk dengan unik.
Kerana Man of Steel kisah permulaan Superman, tidak banyak babak cinta atau romantis di antara mereka. Begitupun, mereka saling tertarik kerana Lois mengetahui identiti sebenar Clark dan Clark pasti Lois adalah wanita yang boleh dipercayai untuk merahsiakannya. Itu adalah faktor tarikan yang sempurna.
Sasa dan tampan, Henry Cavill memenuhi kriteria Clark/Superman secara fizikal berbanding Brandon Routh dari Superman Returns (2006). Menariknya, magnet Cavill bukan sekadar paras rupa, tetapi dalam kegagahan itu, dia membawa kelembutan dan kemurnian seorang adiwira yang mahu menjadi insan biasa.
Hans Zimmer memberikan skor muzik yang cantik dan berani memberi perubahan kerana tidak cuba untuk meniru 'trademark' John Williams. Saya juga sukakan penamatnya yang memberikan penonton harapan untuk filem sekuel.

Artikel Penuh: http://www.utusan.com.my/utusan/Hiburan/20130620/hi_03/Superman-Man-of-Steel#ixzz2grNPD0V2
© Utusan Melayu (M) Bhd

PEE MAK (2013)

Pee Mak

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

Pee Mak

MENGHASILKAN sebuah filem komedi romantik adaptasi kisah seram klasik, pengarah berpengalaman Banjong Pisanthanakun meraih keuntungan besar. Filem terbarunya, Pee Mak mencatat sejarah sebagai filem Thailand dengan kutipan tertinggi sebanyak RM99 juta (USD33juta) sejak ditayangkan Mac lalu.
Berdasarkan trek rekod yang dipegang Banjong, pencapaian itu bukan sesuatu yang memeranjatkan. Banjong mencipta nama dan reputasi menerusi Shutter (2004) dan Alone (2007), juga terlibat sebagai salah seorang pengarah untuk filem seram ensemble seperti 4bia (2008) dan Phobia 2 (2009).
Pee Mak mengambil asas hikayat popular tempatan, Mae Nak Phra Kanong (Lady Nak of Phra Kanong) sebagai inti pati cerita. Bagi penonton Malaysia, tentu masih ingat filem Nang Nak (1999) arahan Nonzee Nimibutr yang didasarkan dari hikayat yang sama, tetapi olahannya itu lebih gelap, serius dan dramatik.
Berlatarkan era revolusi Rattanakosin kira-kira 100 tahun lalu, seorang lelaki bernama Mak dihantar berperang dan terpaksa meninggalkan isterinya, Nak yang sarat mengandung. Nak kemudian mati semasa melahirkan.
Selepas perang tamat, Mak pulang untuk menemui isteri dan anaknya, tetapi disambut dingin orang kampung yang mengatakan dia tinggal bersama hantu.
Masih kekal dengan versi asal itu, bagaimanapun Banjong memperkenalkan empat karakter pembantu iaitu rakan-rakan Mak dari medan perang. Mereka ialah Ter, Aey, Shin dan Puak yang mengikut Mak kembali ke kampung halamannya dan dibenarkan tinggal di rumah pusaka, berjiran dengan Mak.
Shin ialah individu pertama yang mengesyaki ada sesuatu yang tidak kena, diikuti dengan Ter yang menemui rangka mayat Nak dengan cincin tersarung di jari semasa membuang air besar di dalam hutan.
Banjong dan dua penulis skrip sejak awal lagi ingin memberitahu penonton ini bukanlah filem seram, sebaliknya karya komedi parodi. Lihat saja babak pembukaan di khemah perang yang diisi dengan dialog penuh humor, terutamanya ucapan ala Shakespeare dan askar-askar berambut penyanyi pop.
Separuh masa pertama filem ini membuatkan penonton berseronok dengan gelagat Shin dan Ter yang ingin meyakinkan Aye dan Puak bahawa Nak adalah hantu, sebelum mereka berempat ingin memberitahu Mak perkara yang sebenar.
Beberapa babak seperti mereka bermain bahasa isyarat serta huru-hara di dalam 'rumah hantu' di taman permainan, menjadi adegan komedi berterusan terbaik yang saya tonton sepanjang tahun ini.
Walaupun keempat-empat watak ini berlari, menjerit dan berkelakuan lintang-pukang tanpa henti, penonton tidak menyampah sebaliknya terhibur dan mahukan lagi. Persembahan itulah yang membawa naratif filem ini ke depan, dengan secara tiba-tiba pengarah dan penulis skrip membuat sedikit 'twist'.
Separuh masa terakhir filem ini bermain dengan ramalan dan jangkaan penonton - benarkah memang Nak ialah hantu, atau sebenarnya Mak dan rakan-rakannya juga sudah mati?
Walaupun terdapat satu babak hanya di dalam sampan dengan tempoh lebih 15 minit, penonton tidak mengeluh, sebaliknya ketawa berdekah-dekah. Pada saat ini, minda penonton dipermainkan dengan teka-teki siapa sebenarnya hantu.
Barangkali ada tokoh sejarah di Thailand yang kurang senang dengan olahan Banjong ini, tetapi pada babak penghujungnya ketika di dalam kuil, pengarah ini kembali kepada akar asal cerita. Hikayat Mae Nak berkisar tentang kesetiaan serta cinta sejati, dan Banjong tidak gagal dalam menyampaikan mesej itu.
Penonton mungkin akan mengalirkan air mata (kerana saya juga sebak) semasa Nak dan Mak saling berterus-terang tentang keadaan sebenar. Dialognya melankolik, tetapi ia tidak meleret lama kerana penamatnya membuatkan penonton kembali tersenyum lebar.
Pee Mak adalah bukti bahawa filem komedi slapstik juga boleh menjadi karya kelas pertama jika pengarah dan penerbit bijak menghasilkannya. Dari aspek kualiti bunyi, sinematografi dan rekaan produksi, kita dapat menilai, pembikinnya mahu filem kelakar seperti ini diambil serius oleh penonton.
Filem ini juga mempunyai barisan pelakon yang baik, terutamanya empat sekawan yang mempunyai naluri dan 'comic timing' yang tepat, yang saling melengkapi tanpa membayangi satu sama lain.
Mario Maurer sebagai Mak berjaya tampil dengan sifat bodoh alangnya tetapi masih comel, begitu juga dengan Davika Hoorne sebagai Nak, watak antagonis yang mampu mengimbangi garis sempadan di antara cantik dan menyeramkan.
Saya rasa jika saya membaca skrip filem ini, saya mungkin tidak akan ketawa dan menganggapnya bodoh. Bayangkan para pelakonnya berpakaian abad ke-19 dengan gigi hitam tidak bergosok, tetapi membuat jenaka tentang ahli silap mata David Blaine, kelas lakonan Ang Lee dan sekolah memasak Le Cordon Bleu.

Artikel Penuh: http://www.utusan.com.my/utusan/Hiburan/20130613/hi_03/Pee-Mak#ixzz2grMPbaTt
© Utusan Melayu (M) Bhd

STAR TREK INTO DARKNESS (2013)

Jauh daripada kegelapan

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

SAYA bukanlah peminat setia Star Trek atau nama gelarannya Trekkie. Saya tidak mengikuti perkembangan francais ini yang mana sirinya bermula seawal 1966 sebelum filemnya yang pertama, Star Trek: The Motion Picture (1979) diterbitkan. Jika saya pernah menonton pun, ingatan terhadapnya amat kabur.
Lima filem menyusul selepas itu sebelum J. J Abrams (Mission: Impossible III, 2006) membikin versi 'reboot' pada 2009. Saya menonton versi itu - tidak menggilainya, namun tidak juga membenci kerana secara umumnya genre sains fiksyen dan filem yang banyak menggunakan kesan khas bukan kegemaran saya.
Sebab saya menontonnya ketika itu, selain dari publisiti meluas dan jenama Star Trek itu sendiri, adalah kerana trek rekod Abrams yang bukan saja mengarah, tetapi turut menerbitkan filem popular seperti Cloverfield (2008) dan siri televisyen Felicity (1998-2002) dan Alias (2001-2006).
Selepas Abrams mengarahkan Super 8 (2011), keyakinan saya terhadap bakatnya bertambah. Jangkaan itu tidak meleset apabila Star Trek Into Darkness terhasil dengan cemerlang. Sekuel ini lebih mencuri tumpuan saya berbanding versi 2009 dan saya percaya Abrams berjaya menambah peminat francais ini.
Memandangkan pengenalan terhadap latar dan karakter sudah dilakukan dalam filem pertama, Abrams bersama tiga penulis skrip mempunyai lebih kebebasan untuk mencipta plot yang baru. Saya akui tidak berasa sedikit mengantuk pun semasa menontonnya dari mula hingga akhir walaupun tayangan tengah malam.
Filem ini dibuka dengan misi yang harus Starfleet selesaikan di planet Nibiru. Walaupun sukses, ibu pejabat berasa kecewa dengan beberapa kecuaian yang ditunjukkan, terutamanya tindakan Kapten James T. Kirk (lakonan Chris Pine).
Starfleet kemudian dikejutkan dengan ancaman terbaru yang dicetuskan seorang lelaki bernama John Harrison (Benedict Cumberbatch). Kirk, yang diberikan peluang kedua untuk membuktikan kebolehannya, diarahkan mengetuai anak kapal Enterprise dalam memburu Harrison yang bersembunyi di Kronos.
Mereka dibekalkan dengan 72 prototaip torpedo yang mana ketua jurutera, Scotty (Simon Pegg) berasa was-was dengan senjata tersebut. Apa yang berlaku seterusnya ialah pendedahan dan jawapan terhadap setiap keraguan, terutamanya identiti sebenar Harrison dan kaitan dengan torpedo itu.
Apa yang mengagumkan saya terhadap keupayaan Abrams dan penulis skrip ialah menjadikan filem ini sentiasa bergerak pantas dalam aksi dan debarannya, tanpa berkompromi soal cerita dan perkembangan karakter. Perjalanannya lancar dengan turun naik emosi dalam skrip yang kemas dan pintar.
Sebagai contoh, watak Kirk yang agak menjengkelkan dalam filem pertama kini berubah matang, sesuai dengan peningkatan usia dan tanggungjawab yang lebih besar. Dia masih suka melanggar peraturan dan selalu bertekak dengan Spock (Zachary Quinto), tetapi dia mempunyai alasan yang boleh dipakai kali ini.
Personaliti yang kontra di antara Kirk dan Spock mencetuskan elemen humor sama ada secara sengaja atau tidak. Pine dan Quinto mempamerkan keserasian dan masing-masing memberikan persembahan yang baik. Beberapa babak emosional berjaya ditonjolkan tanpa penonton ketawa atau mencebik.
Cumberbatch, walaupun menjadi pilihan terakhir pengarah untuk menggalas watak penjahat Harrison, berjaya memberikan dimensi lakonan yang berkesan. Dengan tona suaranya yang 'dalam dan menakutkan', riak wajahnya juga menjadikan watak antagonis ini yang terbaik berbanding versi 2009.
Setiap kemunculannya di layar berjaya memaku penonton. Harrison adalah sejenis penjahat di mana penonton 'menyayanginya'. Bukan bermaksud lakonannya tidak bagus, tetapi di samping wajah kacak, Harrison begitu tangkas ketika bertarung. Justeru, penonton tidak mahu dia cepat tewas dan diberkas.
Selain itu, setiap watak mempunyai momen mereka tersendiri. Antaranya Dr. Carol Marcus (Alice Eve), krew baru Starfleet yang mencetuskan dinamik perhubungan di antara Kirk, Spock dan bapanya, Admiral Marcus.
Chekov (Anton Yelchin) dengan loghat Rusianya yang turut menjadi 'hero', Bones (Karl Urban) dengan sikapnya yang suka mengeluh dan skeptikal, Sulu (John Cho) yang dapat duduk di kerusi Kapten sebagai pemangku, serta Scotty yang semakin disenangi dan lebih banyak babak kali ini.
Cuma mungkin percintaan di antara Spock dan Uhura (Zoe Saldana) yang agak merimaskan bagi saya. Tidak banyak perkembangan pada Uhura, selain dia mampu bercakap dalam bahasa Klingon semasa menjejak Harrison di Kronos.
Di sebalik kehebatan efek dan kesan khas serta skala naskhah yang bertaraf epik, Abrams mampu membuatkan penonton peduli terhadap setiap karakter, dan ini adalah kejayaannya yang terbesar.
Dia bukan saja meneruskan legasi Star Trek agar terus disanjung, tetapi menjadikan karya ini mudah diakses generasi baru yang mungkin tidak pernah menonton siri atau filem sebelumnya. Walaupun judulnya tentang kegelapan (darkness), mood filem ini jauh dari tekanan, sebaliknya satu keseronokan.

Artikel Penuh: http://www.utusan.com.my/utusan/Hiburan/20130516/hi_02/Jauh-daripada-kegelapan#ixzz2grJUPIj6
© Utusan Melayu (M) Bhd

SIDE EFFECTS (2013)

Kesan terakhir tinggalan Soderbergh

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
(syazwan_zakariah@astro.com.my)

EMILY (lakonan Rooney Mara) menunggu selama empat tahun untuk suaminya keluar penjara. Bagaimanapun, selepas Martin (Channing Tatum) dibebaskan, Emily masih mempunyai masalah kemurungan untuk menyesuaikan diri dengan keadaan dan hakikat hidup yang berubah selepas suaminya itu ditangkap.
Depresi yang berlarutan menyebabkan Emily cuba membunuh diri dengan melanggar dinding di tempat letak kereta. Hampir dimasukkan ke hospital sakit jiwa, dia berjaya memujuk Dr. Jonathan Banks (Jude Law) agar melepaskannya. Emily berjanji mengambil ubat dan hadir ke sesi kaunseling setiap minggu.
Malangnya, Emily masih gagal mengawal perasaan dan hampir membunuh diri sekali lagi. Kali ini, dia meminta preskripsi ubat yang lebih kuat sehingga Dr. Banks terpaksa merujuk kes Emily kepada pakar psikiatrinya terdahulu, Dr. Victoria Siebert (Catherine Zeta-Jones).
Emily diberikan dos ubat bernama Ablixa yang dilihat berkesan terhadapnya, tetapi membawa kesan sampingan iaitu berjalan di dalam tidur. Suatu hari, Emily menikam Martin sehingga mati semasa menyediakan makan malam, tetapi mengaku tidak bersalah. Dia tidak mengingati jika dia yang melakukannya.
Tragedi ini bukan saja membawa impak kepada kehidupan Emily, tetapi Dr. Banks. Jika benar Emily berada di bawah sedar kerana kesan ubat yang diambil, adakah doktor itu yang harus bertanggungjawab di atas kematian Martin?
Apa yang menarik tentang Side Effects ialah ia bermula seperti sebuah program realiti dokumentari tentang ubatan dan kesannya kepada pengguna. Ini mengingatkan saya kepada satu lagi filem arahan Steven Soderbergh, Contagion (2011) mengenai penularan epidermik merbahaya ke serata dunia.
Kedua-dua filem ini dibuka dengan wajah dan perasaan yang serupa - muram dan suram seolah memberi bayangan sesuatu yang menakutkan bakal berlaku.
Beberapa minit selepas penonton diperkenalkan dengan watak-watak terlibat, plotnya kemudian berubah kepada kisah misteri pembunuhan. Struktur penceritaan yang disangkakan lurus itu serta-merta bertukar menjadi kompleks.
Di sinilah terletaknya kepandaian penulis skrip Scott Z. Burns dalam mencipta naskhah thriller yang bukan saja mendebarkan, tetapi menganjak pemikiran.
Soderbergh tidak memerlukan helah murahan seperti bunyi yang kuat, muzik yang menggemparkan atau ekspresi lakonan berlebihan untuk membuatkan penonton terkejut. Gaya pengarahan yang dikraf dengan tersusun membuatkan penonton peduli dan 'mengambil bahagian' dalam penceritaan.
Soderbergh tidak memaksa penonton untuk memerhatikan secara terperinci apa yang dipaparkan di skrin. Namun kerana lakon layar dan kerja kameranya yang digerakkan dengan begitu teliti, kita akan melakukannya sendiri tanpa disuruh.
Tumpuan kita akan tertangkap kepada label-label ubat, tag nama, logo dan sebagainya. Mata penonton meliar untuk mencari pembayang kepada beberapa persoalan, begitu juga dengan perbualan-perbualan yang mungkin kedengaran tidak penting, tetapi boleh dijadikan panduan untuk merungkai jawapan.
Soderbergh yang pernah menang Pengarah Terbaik Oscar menerusi Traffic (2000) turut menampilkan keyakinannya untuk menangani naskhah serumit ini. Tanpa kebijaksanaan dan kawalan yang betul, Side Effects boleh saja terhasil sebagai filem yang mengarut, membosankan dan tidak masuk akal.
Begitupun, ia tidak berlaku. Situasi huru-hara yang tercetus dalam filem ini digambarkan dalam rentak perlahan dan dikira tenang dengan syot-syot 'close-up' yang mewakili perasaan setiap watak. Setiap 'kekacauan' yang terjadi akhirnya diselesaikan dalam satu kesimpulan yang memuaskan.
Tentunya segala aspek teknikal yang baik tidak akan lengkap tanpa lakonan cemerlang. Mara sekali lagi membuktikan dia antara aktres muda yang bakal meneruskan legasi primadona Hollywood selepas tercalon untuk Oscar menerusi The Girl with the Dragon Tattoo (2011).
Karakter Emily jauh lebih sukar dari apa yang penonton dapat bayangkan ketika dia mula-mula muncul di skrin. Dia menunjukkan rangkaian emosi yang pelbagai, mencuri perhatian penonton dalam setiap adegan. Kerapuhan sifatnya dan lemah-lembut bicaranya membuatkan sesiapa pun terpedaya.
Sementara itu, Law sebagai Dr. Banks mempamerkan tindak balas yang sewajarnya melalui setiap tindakan dan perbuatan.
Ini merupakan persembahan terbaik Law dalam tempoh beberapa tahun, yang kebelakangan ini seakan dilupakan bakatnya untuk menjadi lebih daripada Dr. John Watson dalam siri filem Sherlock Holmes (2009-2011).
Begitu juga dengan Zeta-Jones yang babaknya tidak banyak, tetapi memberikan permainan yang tepat menerusi gerak mata dan bahasa tubuh.
Agak menghairankan dan menyedihkan apabila Soderbergh menyatakan hasrat untuk bersara apabila Side Effects menjadi filem terakhirnya (walaupun dia masih terlibat untuk produksi televisyen).
Saya berharap keputusan itu dipertimbangkan semula kerana saya percaya filem ini membuatkan audiens terkesan dan teringat-ingat. Alangkah ruginya jika dunia sinema kehilangan seseorang yang berbakat hebat sepertinya.

Artikel Penuh: http://www.utusan.com.my/utusan/Hiburan/20130411/hi_02/Kesan-terakhir-tinggalan-Soderbergh#ixzz2grHbsIYP
© Utusan Melayu (M) Bhd

OZ THE GREAT AND POWERFUL (2013)

Tidak hebat, tetapi tidak teruk 

Oleh Syazwan Zakariah  

syazwan_zakariah@astro.com.my

SAYA kira, meletakkan harapan yang tinggi untuk Oz the Great and Powerful menjadi setaraf dengan filem asalnya, The Wizard of Oz (1939) adalah tindakan yang tidak adil, atau lebih tepat tidak masuk akal.
Penonton sendiri tahu jawapannya. Tidak mungkin filem yang baru ini, walau sehebat mana pun pembikinannya, akan dapat menyaingi naskhah klasik yang sudah dipertontonkan dari generasi ke generasi sehingga diangkat American Film Institute (AFI) sebagai filem fantasi terbaik sepanjang zaman.
Oz the Great and Powerful adalah prekuel kepada The Wizard of Oz.
Bagaimanapun, disebabkan hak cipta filem lama dipegang Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), selaku penerbit baru Disney terpaksa menggunakan lesen kreatif agar versi arahan Sam Raimi (pengarah Spider-Man, 2002) ini masih senada dengan latar asal cerita.
Filem ini dibuka dengan babak hitam putih dalam nisbah 4:3 Academy, sebagai satu alusi atau tekapan kepada filem lama.
Penonton diperkenalkan dengan watak ahli silap mata bernama Oscar Diggs (lakonan James Franco) yang menghibur di Baum Family Circus di Kansas pada tahun 1905.
Oscar bukanlah seorang lelaki budiman. Seperti pekerjaannya yang bijak bermain helah, begitu jugalah kehidupan peribadinya yang angkuh dan mementingkan diri sendiri. Akibat diburu, dia melarikan diri dengan menaiki belon udara, membawa bersama topi keramatnya dan beg perkakas silap mata.
Perjalanannya digugat oleh puting beliung yang kemudian membawanya masuk ke alam Oz. Di sinilah berlakunya satu lagi tanda ingatan atau penghormatan Raimi terhadap filem lama apabila babak hitam putih bertukar kepada warna, sekali gus nisbah tontonan bertukar kepada skrin lebar nisbah 2.35:1.
Kehadiran Oscar disambut oleh ahli sihir bernama Theodora (Mila Kunis). Dia percaya bahawa lelaki inilah yang bakal melepaskan kota mereka, Emerald City dari belenggu kuasa jahat seperti yang diramalkan ahli nujum.
Theodora mempunyai seorang kakak bernama Evanora (Rachel Weisz) yang penuh muslihat. Penonton juga diperkenalkan, atau lebih tepat diperkenalkan semula dengan seorang lagi ahli sihir, Glinda (Michelle Williams) yang turut bertarung mendapatkan hak kebebasan dan keadilan.
Alam khayalan Oz kini menaruh harapan yang tinggi kepada Oscar.
Lelaki itu berada dalam dilema, sama ada mahu terus berpura-pura menjadi 'lelaki sakti' dan membantu rakyat, atau lari saja ke tempat lain demi meneruskan sifat sebenarnya yang licik, penipu dan tidak memikirkan orang lain.
Sejujurnya, saya mendapati filem ini tidaklah menghampakan. Benar, ia mempunyai beberapa masalah, tetapi tidaklah menjadikannya sangat teruk. Saya berkata begitu kerana ini adalah produk Disney. Penonton sudah boleh meramal bagaimana hasilnya dan apa yang boleh dinikmati daripadanya.
Raimi menghidangkan penonton jamuan mata dengan penggunaan kesan dan imej janaan komputer (CGI) yang disengajakan kelihatan sedikit kartun. Dalam kebanyakan filem hari ini di mana kehebatan mutu CGI hampir menyamai objek sebenar, Oz the Great and Powerful memberi perasaan nostalgia kanak-kanak.
Peminat filem pertama pastinya akan gembira melihat kemunculan sekumpulan babun terbang, orang-orang kerdil bergelar Munchkin yang menari dan menyanyi, bunga popi yang beracun serta buih gergasi yang terapung. Raimi mampu menghubungkan penonton menerusi visual yang cantik dan menarik.
Sayangnya, kelebihan itu tidak mampu menyelamatkan lakon layar tulisan Mitchell Kapner dan David Lindsay-Abaire. Skripnya lesu, tiada kejutan dan mendatar. Naratifnya tidak cukup 'menghentam', seolah menganggap penonton akan berpuas hati hanya dengan visual dan gambaran yang menakjubkan.
Sebagai filem prekuel, ia harus berfungsi sebagai asas cerita yang kukuh sebelum The Wizard of Oz bermula. Misalnya, dari mana asal-usul jalan bata kuning? Atau bagaimana Glinda boleh mempunyai istana lain ketika dia ditindas dan apa yang terjadi kepada istana itu selepas Glinda kembali ke Emerald City?
Pembinaan karakter juga boleh dipersoalkan, apabila pelakon sebaik Kunis sekadar mampu memberikan lakonan yang separuh masak. Wataknya ditulis seperti tergesa-gesa, membuatkan penonton tidak dapat memberikan emosi yang sesuai sama ada mahu bersimpati atau membencinya.
Tidak seperti kebanyakan pengkritik Hollywood yang mengutuk Franco, saya berasakan persembahannya tidaklah begitu lemah, tetapi tidak juga cemerlang. Lakonannya yang dianggap 'malas' itu ibarat secocok dengan karakter Oscar sebagai lelaki yang awalnya lembik, tidak berguna dan tidak boleh diharap.
Barangkali apa yang kurang ialah sifat atau keperibadian menawan seperti yang Franco sering tonjolkan dalam filem-filem lakonannya sebelum ini. Entah mengapa, dalam beberapa babak, saya merasakan dia seperti sedikit mabuk sebelum masuk ke set penggambaran dan tidak henti-henti tersenyum.
Begitupun, Weisz dan Williams menyinar apabila berjaya menterjemahkan watak mereka dengan baik. Mereka memahami kerumitan karakter yang dibawa dengan menyuntik perspektif kemanusiaan dalam watak dongeng. Mungkin inilah yang kurang difahami oleh Kunis dan Franco.
Selain itu, rakan-rakan mengembara Oz seperti monyet Finley (suara oleh Zach Braff) dan patung porselin China Girl (Joey King) turut mencuri perhatian dengan anekdot dan dialog mereka yang menyentuh hati serta melucukan.
Oz the Great and Powerful mungkin tidak disukai pengkritik, tetapi masih termasuk dalam kategori filem untuk seisi keluarga yang menyenangkan.

Artikel Penuh: http://www.utusan.com.my/utusan/Hiburan/20130314/hi_02/Tidak-hebat-tetapi-tidak-teruk#ixzz2grFtLpRE
© Utusan Melayu (M) Bhd

WARM BODIES (2013)

Warm Bodies

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

Lakonan Nicholas Hoult (kanan) sebagai R menghidupkan Warm Bodies.

EMPAT puluh lima tahun lalu, George Romero memperkenalkan kita dengan kisah mayat hidup atau zombi menerusi filem Night of the Living Dead. Ini diikuti dengan sambungannya 10 tahun kemudian dengan tajuk Dawn of the Dead.
Dari semasa ke semasa, beberapa filem zombi diterbitkan dan disuntik dengan elemen humor selain drama dan seram, antaranya Shaun of the Dead (2004) dan Zombieland (2009). Di Malaysia sendiri, kita ada Zombi Kampung Pisang (2007).
Kejayaan siri televisyen The Walking Dead (sejak 2010 sehingga kini) merancakkan lagi pembikinan kisah-kisah zombi, malah ada yang meletakkannya sebagai genre khusus.
Selepas rentetan cerita pontianak 'menawan' Hollywood, kini giliran zombi pula.
Warm Bodies merupakan filem adaptasi novel tulisan Isaac Marion di mana pengarahnya, Jonathan Levine (50/50, 2011) turut bertindak sebagai penulis lakon layar. Sekali imbas, mirip francais saga Twilight (2008-2012) tentang percintaan antara manusia dengan bukan manusia.
Bagaimanapun, Warm Bodies dirasakan lebih jujur dengan sifatnya sebagai sebuah naskhah 'main-main'. Dalam erti kata lain, tidak memaksa penonton mempercayai apa yang berlaku, tetapi pada masa yang sama boleh menikmati susur galur cerita dengan penuh keseronokan.
Warm Bodies tidak seperti Twilight yang berusaha keras menjadi epik drama, sebaliknya sebuah naskhah romantik komedi (atau slanganya zomedi).
Filem ini mengisahkan seorang jejaka zombi yang hanya mengingati huruf pangkal namanya, R (lakonan Nicholas Hoult). Dia berkeliaran tanpa arah tujuan pada era akhir zaman, tanpa mengingati apa yang berlaku sebelumnya.
Pada waktu ini, dunia dihuni tiga kelompok makhluk iaitu manusia (humans), mayat (corpses) dan rangka (bonies). Manusia membina kubu dan tembok untuk memisahkan mereka dari dua kelompok tadi. Manusia juga sedaya-upaya memusnahkan musuh-musuh ini dan cuba memiliki dunia semula.
R termasuk dalam kategori mayat iaitu zombi tipikal yang cuba mengelak dari dibunuh manusia, manakala rangka ialah kelompok yang paling jahat dan ditakuti kerana sangat agresif dalam memburu manusia untuk dimakan.
Warm Bodies disampaikan melalui pandangan R, di mana sepanjang cerita, penonton akan mendengar 'suara hati dan pemikirannya' tentang apa yang berlaku. Ini memberi ruang untuk penonton berhubung dan memahami dunia zombi yang seakan menjadi mangsa keadaan.
Saya tertarik dengan babak pembukaan yang menunjukkan R seakan terasing walaupun dikelilingi ramai zombi. Ia seolah metafora bahawa kesepian itu sama seperti satu kematian dan juga petunjuk R berbeza dari zombi-zombi yang lain.
Dalam satu pertempuran di antara puak zombi dan manusia, R membunuh seorang lelaki bernama Perry (lakonan Dave Franco) yang cuba menembaknya. Dan untuk mendapatkan semula ingatan bagaimana rasanya menjadi manusia, R telah memakan otak Perry.
Pertempuran itu juga menemukan R dengan Julie (Theresa Palmer) iaitu kekasih kepada Perry. Atas dasar simpati (atau mungkin kerana telah 'mengenali' Julie melalui 'memori' Perry), R menyelamatkan gadis itu dari diserang zombi. Lalu bermulalah satu pertalian dan persahabatan yang aneh.
R cuba untuk menjadi manusia semula dan di sini penonton dapat merasakan sifat perwira yang ada di dalam karakternya. Dia menjadi mangsa keadaan yang tersepit sama ada untuk menyebelahi puak zombi atau sebaliknya.
Julie yang pada awalnya tertekan kerana menjadi 'mangsa tebusan' R, akhirnya belajar untuk menerima lelaki itu. Sudah tentu wujudnya dilema untuk pasangan ini, lebih-lebih lagi apabila hubungan mereka diketahui bapa Julie, Kapten Grigio (John Malkovich) yang mengetuai misi menghapuskan puak bukan manusia.
Untuk sebuah filem komedi romantik, konflik yang dibawakan Warm Bodies menjelang ke penamat agak berat. Begitupun, kebijaksanaan Levine dalam mengolah skripnya yang diselang selikan dengan jenaka tidak keterlaluan, menjadikan suasana tontonan tidak begitu menekan.
Secara kasar, apa yang ditawarkan Warm Bodies tidaklah begitu asli, tetapi pendekatan yang dibawakan Levine dalam menyampaikan cerita agak segar. Saya tidak pasti jika ilham itu diambil dari novel kerana saya tidak membacanya, tetapi Levine menjadikan ia berfungsi dengan baik di layar perak.
Hoult menghidupkan watak R dengan cukup sifat sebagai zombi yang keliru, dalam masa sama berupaya menjadi pemberontak, tetapi masih menawan. Dia seorang yang gagap, tetapi dalam pemikirannya (menerusi suara latar), dia mampu bercakap dengan normal dan masih bersifat kemanusiaan.
Filem ini mengukuhkan lagi nama Hoult sebagai bintang baru Hollywood yang harus diperhatikan, apatah lagi projek-projeknya yang lain juga tidak kurang hebat dari aspek publisiti dan pembikinan seperti Jack The Giant Slayer (2013).
Sementara itu, Palmer sebagai Julie tidak menjengkelkan seperti Kristen Stewart sebagai Bella. Barangkali kerana karakter itu sendiri yang 'berisi' dan dewasa, tidak sekadar seorang gadis yang lemah dan tidak tahu membuat keputusan.
Solekan zombi agak minimal, tidak terlalu mencuba untuk menakut-nakutkan, walaupun efek yang dihasilkan untuk puak rangka agak menyeramkan, apatah lagi dalam suasana gelap dengan pergerakan mereka yang pantas.
Walaupun penyudah filem ini agak bercirikan 'Disney' iaitu kegembiraan, tetapi Warm Bodies memberikan satu perspektif baru yakni zombi tidak akan selamanya 'mati'.
Zombi di dalam filem ini mampu untuk berevolusi ('evolve') sebagai hero ataupun 'devolve' menjadi rangka. Ia adalah dongeng percintaan ala Romeo dan Juliet atau Beauty and the Beast dalam era milenium serba kreatif hari ini.

Artikel Penuh: http://www.utusan.com.my/utusan/Hiburan/20130307/hi_02/Warm-Bodies#ixzz2grE0xIg5
© Utusan Melayu (M) Bhd

FLIGHT (2012)

'Penerbangan' emosi dan psikologi

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
(syazwan_zakariah@astro.com.my)

Keselamatan penumpang terletak di tangan Whip Whitaker.

FLIGHT 'berlepas' dengan babak pembukaan yang cukup mendebarkan. Tiga puluh minit pertamanya membuatkan penonton sesak nafas, membayangkan jika kita sendiri berada dalam situasi cemas lagi menakutkan itu.
Denzel Washington memainkan peranan juruterbang bernama Whip Whitaker yang harus menyelamatkan penumpang dari nahas kapal terbang terhempas.
John Gatins selaku penulis lakon layar bersama pengarah Robert Zemeckis (Forrest Gump, 1994) memperincikan setiap detik, lengkap dengan terma-terma penerbangan, membuatkan penonton bingung dan tidak senang duduk.
Kerja kamera yang bergegar membayangkan kapal terbang berada dalam keadaan terumbang-ambing dan sedang menjunam ke tanah. Bagasi berterbangan, penumpang berteriak dan anak-anak kapal sendiri panik.
Whitaker mengambil risiko untuk menterbalikkan kapal terbang dalam pusingan 360 darjah sebelum mendarat di sebuah padang.
Babak ini antara yang paling mengujakan dan mampu menjadi antara adegan paling ikonik di Hollywood.
Enam terbunuh termasuk dua pramugari, manakala yang lain selamat walaupun mengalami kecederaan. Whitaker dimasukkan ke hospital untuk rawatan, namun sedikit malang buat pembantunya yang koma dan patah anggota badan.
Sebaik saja babak kapal terbang terhempas selesai, mood filem ini serta-merta berubah. Ia bukan lagi sebuah filem aksi atau thriller seperti yang anda bayangkan berdasarkan treler.
Sebaliknya, Flight ialah sebuah drama gelap yang menganalisa karakter Whitaker sebagai kaki mabuk dan penagih. Laporan kesihatan mendapati sistem badannya menampung jumlah alkohol dan kokain dalam kuantiti yang besar.
Dia boleh dihukum penjara seumur hidup sekiranya tahap toksik di dalam badan menjadi punca kecuaian dan tragedi. Siasatan demi siasatan dijalankan dan Whitaker harus menerima hakikat bahawa dia seorang yang membahayakan.
Filem ini mengingatkan saya kepada filem terawal arahan Zemeckis, Cast Away (2000). Ia bermula dengan 'nada' yang besar, huru-hara dan mengejutkan, tetapi perlahan-lahan bertukar mood menjadi sebuah drama psikologi yang cuba mendalami dan memahami perasaan watak utama.
Flight mendekati kisah seorang lelaki yang tidak mampu menahan ketagihannya, yang menghantui hidupnya bertahun-tahun lamanya.
Rumah tangganya juga berantakan kerana kelakuan itu. Latar belakang Whitaker membuatkan penonton berada dalam dilema, sama ada mahu menyebelahi atau membenci.
Selama mana dia ingin menjadi pemabuk dan menafikan dia penyebab kapal terbang hampir terhempas? Walau mungkin insiden itu disebabkan faktor teknikal, sanggupkah dia selamanya meletakkan nyawa para penumpang dalam risiko di atas ketagihannya?
Gatins berjaya menulis skrip yang dinamik dengan naratif yang bermain dengan konfrantasi dalaman. Penonton turut terlibat dalam krisis dan perjuangan mental Whitaker, menjadikan filem ini seakan perhubungan dua hala.
Selepas sekian lama menumpukan projek filem-filem animasi, antaranya The Polar Expres (2004) dan A Christmas Carol (2009), Zemeckis menghasilkan semula filem yang melibatkan manusia sebenar sebagai pelakon.
Kembalinya Zemeckis tidak mengecewakan. Stail pengarahannya tetap kemas dan efisien, meskipun jalan cerita ini, jika silap ditangani, mempunyai kecenderungan untuk membuatkan penonton bosan.
Dia membuat keputusan yang tepat apabila meletakkan Washington sebagai peneraju. Setiap pergerakan, tutur kata dan mimik mukanya adalah Whitaker dan sangat meyakinkan.
Pembangunan watak Whitaker dikendalikan Washington dengan baik.
Ada masanya penonton bermohon agar dia cepat dihukum kerana degil untuk berubah, tetapi ada masanya penonton bersimpati melihat linangan air matanya dan berharap dia diberikan peluang.
Lingkungan emosinya bertukar-tukar, di antara sifat seorang duda pemabuk yang sentiasa gembira dengan lelaki yang kesedihan kerana sedar diri tidak berguna.
Selayaknya Washington menerima pencalonan Oscar yang keenam menerusi filem ini, selepas kali terakhir menang Aktor Terbaik dalam Training Day (2002).
Melengkapi persembahannya ialah Don Cheadle sebagai peguam yang cuba menyelamatkan Whitaker, juga kemunculan John Goodman yang komikal walaupun hanya dalam dua babak.
Goodman memberi 'kelegaan' sebentar kepada susur cerita yang menekan, meletakkan dia sebagai seorang aktor yang boleh diharapkan untuk watak yang kelihatan tidak penting, tetapi perlu.
Bagaimanapun, terdapat babak atau subplot yang saya rasakan agak longgar.
Saya tidak begitu percaya bagaimana seorang juruterbang dengan 20 tahun pengalaman boleh tertarik dan dapat mencari persamaan dengan seorang penagih wanita yang tidak mempunyai kehidupan stabil.
Saya tidak pasti jika peranan Nicole itu yang agak mendatar atau lakonan Kelly Reilly yang membosankan. Keserasiannya dengan Washington kurang menjadi, membuatkan saya tidak begitu peduli dengan nasib Nicole berbanding Whitaker.
Saya sukakan penamat filem ini. Walaupun menepati jangkaan, ia sangat tulus dan menampilkan kebenaran selama mana seseorang itu mampu berbohong kepada diri sendiri.

HUSIN, MON DAN JIN PAKAI TONCIT (2013)

Kak Limah 'sengat' Husin

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

BARANGKALI Mamat Khalid sendiri tidak percaya Hantu Kak Limah Balik Rumah mampu mencatat kejayaan besar pada 2010 sehingga kutipan pawagam mencecah RM8 juta. Merupakan filem kedua dari trilogi Kampung Pisang, filem pertamanya, Zombi Kampung Pisang (2007) hanya memungut RM2.4 juta.
Kutipan box-office itu menterjemahkan keseronokan khalayak terhadap Hantu Kak Limah. Dialog-dialognya menjadi ikutan; gerak laku dan bahasa tubuh watak-wataknya, terutama Usop Wilcha menjadi ajukan; malah filem itu juga menggerakkan ramai penerbit dan pengarah membikin naskhah komedi seram.
Barangkali kerana tidak begitu tertekan untuk menyaingi filem terdahulu, Mamat dapat menghasilkan Hantu Kak Limah dengan begitu relaks, babak demi babak tersusun cantik, serta jenakanya yang jujur dan tepat pada sasaran. Mamat sangat bernasib baik pada masa itu.
Sudah pasti apabila filem ketiganya, Husin, Mon dan Jin Pakai Toncit hendak dibikin, Mamat meletakkan harapan dan jangkaan yang lebih tinggi. Apatah lagi penonton. Mereka tidak sabar-sabar untuk mengikuti semula telatah masyarakat Kampung Pisang yang penuh semangat ingin tahu, gelabah dan cepat melatah.
Husin (lakonan Awie) pulang ke kampung dengan menaiki teksi sapu, tidak lagi bermotor besar seperti dulu. Dia berhasrat menetap terus di Kampung Pisang selepas hilang pekerjaan di Singapura akibat muflis ditipu skim cepat kaya.
Kepulangan Husin bukan saja disambut para pengunjung tetap warung Pak Jabit serta rakan-rakan, malah kekasih lamanya, Mon (Ezlynn) juga muncul semula.
Suatu hari, Husin hilang dari kampung dan tidak dapat dikesan. Kehadiran Dr. Samsudin (Rashidi Ishak) yang menawarkan bantuan menimbulkan misteri.
Sebagai pencerita, Mamat sememangnya sinonim dengan humor yang merapu, tetapi meninggalkan kesan. Perbualan-perbualan yang direka selalunya ringkas, bukan saja boleh mencetuskan ketawa serta-merta, malah dialog-dialog itu mampu diingati penonton untuk jangka masa yang agak lama.
Begitupun, nikmat untuk gelak berterusan seperti menyaksikan Hantu Kak Limah tidak dirasai. Penonton masih boleh terhibur, tetapi sekejap-sekejap.
Mamat seolah tidak dapat mencari 'punch line' yang benar-benar menyengat serta tempo komik yang tepat; menyukarkan Husin, Mon dan Jin untuk memiliki momen-momen yang bersifat malar segar.
Jangan salah faham, saya tidak bermaksud ingin menonton satu lagi filem Hantu Kak Limah atau meminta Mamat mengulang jenaka yang sama. Tetapi, Husin, Mon dan Jin tidak selancar dulu dan kurang 'mengenggam'.
Husin, Mon dan Jin cuba membawa penonton ke arah penceritaan yang lebih gelap. Jika Zombi dulu ialah kisah orang-orang kampung yang sebenarnya terkena toksik, dan Kak Limah sebenarnya bukan hantu tetapi wanita berusia yang kurang sihat, filem ketiga ini pula memang kisah makhluk dari alam lain.
Bagi pengikut sejati Mamat serta pengkaji filem, karya-karyanya sering dikaitkan dengan aspek sosio-budaya, termasuk perihal politik, secara halus. Ini tidak salah, malah ia adalah sebahagian dari pemikiran Mamat sendiri, baik untuk menghantar pesan, ataupun semata-mata sebagai sindiran.
Namun, seperti yang ditawarkan dalam Hantu Kak Limah, Mamat seharusnya memberi pilihan yang sama menerusi Husin, Mon dan Jin. Penonton, dalam erti kata lain golongan massa, berhak menentukan sama ada mahu gelak kosong, atau cuba memahami lapis-lapis tersirat, atau kedua-duanya sekali.
Tanpa membaca semiotik (teori pemberian simbol, tanda atau metafora) yang dicipta Mamat, penceritaan filem ini agak kabur. Motif Ayu menyamar sebagai Mon tidak dijelaskan sehingga ke akhir cerita. Begitu juga sebab mengapa Ayu/Mon yang juga kuasa jahat berebut dengan Jin untuk memiliki Husin.
Benar, Mamat ada menceritakan sejarah Kampung Pisang yang pernah membuat perjanjian syaitan, namun mengapa Jin itu hanya mengidamkan anak teruna? Dan mengapa hanya Husin, secara khususnya menjadi idaman? Adakah Husin teruna terakhir yang wujud di Kampung Pisang? Persoalan ini tiada jawapan.
Awie mengekalkan konsistensi lakonannya untuk watak Husin, begitu juga dengan watak pembantu yang sangat ikonik seperti Pak Abu (Zami Ismail), Pak Jabit (Man Kadir) dan Usop Wilcha (Shy8). Interaksi sesama watak ini cukup serasi, malah dirasakan lebih kuat berbanding dua filem sebelumnya.
Watak-watak tambahan seperti Wan Kaswi (Azwan Annuar) dan pemandu van ambulan, Zulfekar (Zainuri Misfar) dulunya dianggap 'secukup rasa' dan sekadar penambah perisa.
Kini, apabila mereka diberikan lebih masa tayangan dan dialog, mereka seolah tidak mampu menggalasnya - menjadikan lakonan mereka yang sememangnya kaku sejak awal tidak lagi boleh dihadam.
Menyentuh tentang kesan khas, saya tidak pasti jika Mamat sengaja mencipta imej-imej makhluk itu dengan sedikit sentuhan kartun atau kelemahan jabatan grafik. Namun demikian, rupa dan perasaan yang ditampilkan bersesuaian dengan sifat filem ini yang tidak masuk akal seperti Mamat bayangkan.
Tiada yang mengejutkan dalam lakonan Ezlynn. Adegan duet Mon bersama Husin menerusi lagu Lamunan Terhenti juga gagal menyaingi, atau setidak-tidaknya menjadi adegan kenangan, seperti mana dendangan Cinta Kristal dari Husin kepada Cik Nin dalam Hantu Kak Limah.
Inilah risikonya apabila filem prekuel mencatat sukses yang besar. Perbandingan tidak boleh dielakkan.
Begitupun, dengan lengkapnya trilogi ini, roh serta semangat Kampung Pisang akan terus dikenang sebagai karya yang mengingatkan Melayu tentang asal-usulnya, seperti mana komedi-komedi lama dari A.R Badul atau filem kelakar seram klasik, antara lain Setinggan (1981) dan Toyol (1981). Syabas Mamat.