THE TOURIST (2010)

Benarkan fikiran ‘bercuti’

Oleh Syazwan Zakariah
syazwan_zakariah@astro.com.my

JOHNNY Depp dan Angelina Jolie pelakon utama The Tourist.

SAYA sangat seronok dengan kehadiran The Tourist atas beberapa sebab. Selepas penat menyaksikan filem 3D yang berderet-deret, saya hanya mahu sebuah filem yang dijayakan para pelakon sebenar dan bukan kesan khas. Tambahan pula ia menjalani penggambaran di Venice, lokasi percutian kegemaran saya.

The Tourist merupakan filem cereka kedua arahan Florian Henckel von Donnersmarck. Pengarah dari Jerman ini merupakan pemenang Oscar 2006 untuk kategori Filem Asing Terbaik menerusi The Lives of Others. Saya pernah menonton filem itu dan amat menyukainya.

Namun demikian, saya tidak mengharapkan The Tourist menjadi sebuah lagi material untuk Oscar, walaupun mendapat tiga pencalonan Golden Globe. Sifatnya sebagai calon Filem Muzikal atau Komedi Terbaik memberi petanda ia sebuah filem ringan dengan pemandangan dan orang-orang yang cantik.

Johnny Depp memainkan peranan Frank, seorang guru Matematik yang bercuti sendirian di Eropah. Dalam perjalanan ke Venice menaiki keretapi, dia didekati seorang wanita misteri bernama Elise, lakonan Angelina Jolie.

Elise mempergunakan Frank untuk mengelirukan polis yang sedang menjejaki kekasihnya, Alexander yang lari dari cukai dan menggelapkan wang samseng. Kerana kesilapan identiti, Frank menjadi buruan.

Dia bukan saja terpaksa melarikan diri dari ditangkap, tetapi dari perangkap cinta pandang pertama terhadap Elise.

The Tourist sebenarnya adalah bikin semula dari filem Perancis, Anthony Zimmer (2005). Walaupun kebanyakan pengkritik mengatakan versi baru tidak sebaik yang asal, namun The Tourist memiliki sifat-sifat old-fashioned Hollywood movie yang sofistikated ala romantik thriller Alfred Hitchcock.

Anda dapat membayangkan kalau filem ini dibikin pada era 1960-an dengan Cary Grant dan Audrey Hepburn sebagai bintangnya.

Plotnya memang sengaja diberikan kejutan. Barangkali agak mudah untuk dijangka, tetapi itu tidak merosakkan unsur-unsur hiburannya. Dengan babak aksi yang tidak keterlaluan, dicampur sedikit debaran dan humor, The Tourist berjaya mencipta satu atmosfera santai.

Filem ini tidak akan menjadi seelok sekarang tanpa pemilihan pelakon yang tepat. Pada asalnya watak Frank mahu diserahkan kepada Tom Cruise, kemudian Sam Worthington, tetapi akhirnya Depp adalah orang yang paling sesuai.

Depp mempunyai kemahiran yang tidak ramai pelakon ada iaitu aura komedi tersembunyi yang mampu disampaikan hanya menerusi mimik muka kosong atau gerak tubuh. Dia memberikan persembahan yang efektif, sebagai seorang pelarian dan penyelamat, tanpa sebarang kesukaran.

Kepandaiannya itu dipadankan dengan kejelitaan dan keanggunan Jolie, lalu menghasilkan keserasian yang direstui. Ini bukanlah lakonan terbaik mereka, tetapi apabila kedua-duanya mampu membuatkan anda duduk diam di kerusi lebih setengah jam pertama, itu sudah cukup baik.

Selain Depp dan Jolie, bintang utama filem ini ialah Venice sendiri. Sinematografinya menangkap keindahan setiap landskap, baik siang mahupun malam.

Ia menawarkan citarasa berfesyen dan budaya pelancongan yang tinggi, meskipun dari sudut estetika, The Tourist sekadar sebuah lagi filem Hollywood yang memanipulasikan lokasi eksotik sebagai tarikan.

Benar, filem ini bukanlah sebuah Euro thriller yang dahsyat. Tidak juga naskhah yang tragik kerana itu memang bukan niat pembikinnya.

Jalan cerita tentang kesilapan identiti, penyamaran dan penyiasatan seperti ini pun sudah dikira biasa. Apatah lagi datangnya daripada seorang pengarah yang pernah menang Oscar.

Bagaimanapun, tidak salah untuk sekali-sekala berasa leka dengan kecantikan yang terpampang. Sesuai dengan tarikh tayangan yang menutup tahun, benarkan fikiran anda untuk bercuti.

GULLIVER'S TRAVELS (2010)

Tidak buruk tetapi biasa

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

TEKNIK imej janaan komputer atau CGI dalam filem versi baru Gulliver's Travels ini tiada apa yang membanggakan.

DIINSPIRASIKAN daripada novel tahun 1726-1735 tulisan Jonathan Swift, filem Gulliver's Travels versi baru mengadunkan falsafah asalnya dengan cerita tambahan.

Naskhah sastera klasik itu diterjemah dalam gaya komedi yang bersesuaian latar dan masa sekarang.

Lemuel Gulliver ialah seorang peminat Star Wars dan Guitar Hero. Dia sudah bekerja di bilik surat sebuah syarikat penerbitan di New York selama sepuluh tahun.

Sangat selesa dengan posisinya itu, dia menyimpan perasaan terhadap pengarang bahagian pelancongan, Darcy Silverman.

Kehadiran Dan sebagai ketua baru Gulliver membuatkan dia terfikir untuk berubah menjadi lebih berani dan maju.

Dalam usaha memikat gadis pujaannya, dia memohon untuk menulis artikel percutian sehingga ditugaskan menyelongkar rahsia Segi Tiga Bermuda.

Gulliver kemudian tenggelam dalam ribut laut lalu terdampar di sebuah negara bernama Liliput yang didiami orang-orang mini.

Di sana, dia digelar gergasi dan dianggap wira sehinggalah penipuannya mengenai identiti sebenar terbongkar.

Maaf jika saya membocorkan kesudahan, tetapi dengan sinopsis seperti itu, saya tidak rasa anda jangkakan kejutan di penghujungnya.

Kerana itulah Gulliver's Travels menjadi sebuah filem yang mendatar tanpa sebarang suspens atau mampu membuatkan penonton tercengang.

Mahu menjaga status sebagai sebuah produk kekeluargaan bukanlah alasan terbaik pengarah mengambil jalan selamat dalam penceritaan.

Filem ini mempunyai resipi yang lengkap untuk muncul sebagai sebuah filem ikonik. Tentang Gulliver menjadi gergasi secara fizikal mahupun perasaan; tentang cinta di antara dia dan Silverman serta Horatio dan Princess Mary; tentang peperangan dua negara dan babak-babak yang melucukan.

Beberapa adegan terhasil baik, terutamanya semasa Gulliver dilayan seperti raja. Dia mempunyai mahligai fantasinya. Dia juga memiliki dewan teater sendiri dengan orang-orang mini sebagai pelakon untuk babak dari Star Wars dan Titanic.

Malah, dia juga diberikan bangunan-bangunan Times Square sendiri, dengan wajahnya sebagai papan iklan.

Namun, setiap satu itu ditampilkan dengan mudah dan terburu-buru. Penonton tidak sempat merasai debaran atau mempunyai keinginan untuk lebih mengambil tahu.

Segalanya tentang plot sudah tertulis seperti manual. Babak demi babak boleh dijangka kesinambungannya, seperti mana lakonan Jack Black yang stereotaip.

Tidak banyak bezanya dia dalam Gulliver's Travels berbanding The School of Rock (2003), kecuali kanak-kanak sekolah digantikan dengan orang-orang kecil di Liliput.

Dia melakukan apa yang biasa dia buat - mimik muka, bunyi-bunyian yang keluar dari mulut dan gerak tubuh yang kononnya 'cool'.

Saya percaya dia memang meminati wanita cantik dan bijak seperti Silverman, lakonan Amanda Peet. Tetapi pengarah gagal meyakinkan saya bahawa Peet meminati lelaki seperti Black. Ini bukan soal rupa, tetapi lakonan mereka nampak palsu.

Bagaimanapun, persembahan Emily Blunt dan Jason Segel menyeronokkan untuk ditonton. Blunt tidak melebih-lebih meskipun wataknya sebagai Princess Mary membenarkan dia berbuat demikian.

Segel pula sebagai lelaki kasta rendah yang ingin menjadi hero, mampu mengimbangi ekspresi di antara komedi dan drama.

Sementara itu, tiada apa yang membanggakan dari sudut efek dan imej janaan komputer (CGI), walaupun secara jelas 80 peratus filem ini dirakamkan pada skrin hijau.

Kumpulan produksi mempunyai kelebihan untuk mengagumkan penonton menerusi rekaan landskap Liliput, tetapi sayangnya nilai itu tidak dimanipulasikan.

Agak aneh apabila saya merasakan karakter-karakter kartun dalam Monsters Vs Aliens (2009) dan Shark Tale (2004) yang juga arahan Rob Letterman, lebih memberi kesan berbanding filem yang dijayakan manusia.

Saya tidak meminta Gulliver's Travels menjadi sebaik material untuk Oscar. Saya faham sifatnya sebagai sebuah filem musim cuti.

Namun, alang-alang mempunyai naskhah, gabungan pelakon dan teknologi yang baik, mengapa tidak digunakan sebaik mungkin?

Filem ini tidaklah buruk, tetapi selepas ketawa atau tersenyum beberapa kali, penonton akan melupakannya sebaik saja keluar pawagam.

HANTU KAK LIMAH BALIK RUMAH (2010)

Mari balik ke panggung

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

Salah satu babak menarik dalam filem hantu kak limah Balik rumah yang kini ditayangkan di pawagam.

SAYA tidak sangka akan ketawa terbahak-bahak semasa menyaksikan Hantu Kak Limah Balik Rumah. Seperti kebanyakan orang, saya juga selalu skeptikal terhadap sekuel, apatah lagi Zombi Kampung Pisang tidak termasuk dalam senarai filem kegemaran.

Bagaimanapun, saya tidak melihat Hantu Kak Limah Balik Rumah sebagai sebuah filem sambungan. Ia hanya menggunakan watak dengan latar yang sama, tetapi masih mampu berdiri sendiri. Penonton tidak perlu mengingati peristiwa daripada Zombi Kampung Pisang atau menontonnya terlebih dulu.

Selepas dua tahun meninggalkan Kampung Pisang, Husin kembali untuk menebus kesilapan lalu. Motorsikal besar menjadi simbol dia sudah stabil dari segi kewangan dan mahu meminang Cik Nin, kekasih yang ditinggalkan.

Kepulangan Husin menimbulkan ketegangan. Pertama, kerana Pak Jabit masih menyimpan dendam terhadapnya yang mempermain-mainkan perasaan Cik Nin. Kedua, kerana dia menghebahkan kepada orang kampung bahawa jiran sebelah rumahnya, Kak Limah sudah menjadi hantu.

Penampilan Kak Limah yang tidak serupa orang - rambut mengerbang, muka pucat lesi dan suka bersendiri di tempat gelap - memang mampu membuatkan sesiapa saja lari. Dalam menyelesaikan kegemparan itu, Husin juga bertemu jawapan yang dicari tentang jodohnya dengan Cik Nin.

Filem ini meneruskan stail humor Mamat Khalid yang secara dasarnya merapu, tetapi berjaya mengundang gelak. Lawaknya kelihatan mudah, kena pada sasaran, dalam masa sama berlapiskan sindiran dan parodi.

Mamat mempunyai kemampuan untuk memberikan jenaka dalam dua nada sekaligus iaitu ringan dan gelap. Penonton mempunyai pilihan sama ada mahu relaks dan terima lawaknya itu bulat-bulat, atau cuba membaca mesej terselindung yang ingin disampaikan.

Misalnya, kehadiran pawang Indonesia dan Siam yang dipanggil untuk menghalau hantu Kak Limah. Sedang penonton ketawa digeletek dengan adegan-adegan lucu, Mamat sebenarnya mahu memberitahu tentang sikap kita yang lebih mempercayai 'kehebatan' orang luar, sedangkan ia belum tentu berhasil.

Babak Husin menyanyi kepada Cik Nin ala MTV juga dibikin tanpa rasa menjengkelkan. Ia ibarat satu penghargaan kepada filem-filem Melayu era 1970an yang suka menyanyi di tengah-tengah cerita.

Mamat mampu menghasilkan komedi sedemikian tanpa membuatkan penonton meluat atau terasa diperbodoh-bodohkan. Dia mungkin mahu kita 'belajar' untuk mentertawakan diri sendiri dan itu tidak salah.

Kalaulah di Malaysia ada anugerah Persembahan Berkumpulan Terbaik (Best Ensemble Cast) seperti di Screen Actors Guild, saya percaya barisan pelakon Hantu Kak Limah Balik Rumah layak memenanginya.

Lakonan kaku untuk watak Wan Kaswi pun boleh dimaafkan kerana dia didampingi persembahan selamba daripada bintang lain.

Shy8 sebagai Usop, bekas penari kebudayaan yang sekadar tempelan dalam Zombi Kampung Pisang sangat menyerlah kali ini. Dia berjaya mencuri tumpuan yang sama, yang diberikan penonton kepada pemain yang lebih popular seperti Awie, Johan Raja Lawak dan Zami Ismail.

Begitu juga dengan Man Kadir sebagai Pak Jabit yang lakonannya sangat asli dan Delimawati sebagai Kak Limah yang tidak perlukan dialog, tetapi masih kelakar seram. Mamat membuka ruang kepada pelakon-pelakon underdog menonjolkan bakat mereka yang selama ini dipinggirkan.

Setiap watak dan kesinambungan babak bergerak dengan baik. Malah, penamat filem ini juga menimbulkan intrig yang berkesan, sesuai dengan hajat Mamat yang mahu membikin sebuah lagi sekuel. Watak Ayu yang hanya muncul sekali-sekala itu sebenarnya sangat penting untuk filem akan datang.

Saya tidak sangka akan ketawa terbahak-bahak semasa menyaksikan Hantu Kak Limah Balik Rumah. Seperti kebanyakan orang, saya juga mahu menontonnya sekali lagi dan filem ini termasuk dalam senarai filem kegemaran.

THE CHRONICLES OF NARNIA: THE VOYAGE OF THE DAWN TREADER (2010)

Pelayaran yang selamat

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

SUDAH lima tahun filem Narnia yang sulung, The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe memulakan tayangan di pawagam. Seperti mana siri Harry Potter, kanak-kanak di dalam filem ini iaitu adik-beradik Pevensie semakin meningkat dewasa, terutamanya Lucy.

Dengan tamatnya siri Harry Potter tahun depan, siri Narnia dilihat sebagai penyambung 'dos fantasi' untuk peminat filem, apatah lagi masih ada empat episod dalam perancangan.

The Chronicles of Narnia: The Voyage of the Dawn Treader merupakan filem ketiga dalam francais Narnia. Ia mengikuti pengembaraan King Caspian - selepas berakhirnya episod kedua, Prince Caspian (2008) - dalam mencari tujuh pedang yang hilang semasa pemerintahan King Miraz.

Dalam perjalanan, Caspian dipertemukan dengan Lucy, Edmund dan sepupu mereka, Eustace yang muncul secara tidak sengaja menerusi sebuah lukisan ajaib. Kali ini adik-beradik Pevensie yang lebih tua, Peter dan Susan sekadar bintang undangan dan tidak lagi menjadi 'pahlawan' utama.

Eustace yang pertama kali berkunjung ke dunia Narnia mengambil masa untuk mengadaptasikan diri dengan segala keanehan dan kesaktian. Bersama kapal Dawn Treader dan krewnya, termasuk haiwan-haiwan yang bercakap, mereka belayar melepasi Silver Sea untuk ke 'penghujung dunia'.

Kedatangan mereka bukan sekadar menentang naga, haiwan berbisa dan puting beliung, tetapi turut melawan ketakutan dan kelemahan yang ada dalam diri.

Saya tidak dapat membandingkan plot filem dengan kandungan buku kerana tidak pernah membacanya. Namun, melihat sebuah filem berdasarkan dua prekuel terdahulu, jalan ceritanya mudah difahami. Cuma penonton harus peka dengan setiap peristiwa dan karakter yang bertambah agar tidak keliru.

Seperti mana saya menyukai filem ketiga Harry Potter iaitu The Prisoner of Azkaban (2004), The Voyage of the Dawn Treader juga, secara peribadi, dianggap sebagai yang terbaik dari Narnia. Filemnya boleh dinikmati kanak-kanak dan dewasa tanpa membebankan kepala.

Apatah lagi dengan kembalinya si tikus comel, Reepicheep (suara oleh Simon Pegg) yang kali ini tidak sebulu dengan Eustace. Perhubungan benci-sayang di antara dua makhluk ini menjadi sumber komedi dan gelagat mereka mencuri masa tayangan.

Begitu juga dengan singa Aslan, ciptaan imej janaan komputer (CGI) terbaik yang pernah dihasilkan Narnia. Walaupun kehadirannya hanya beberapa babak, penonton dapat merasakan auranya. Suara yang disumbangkan Liam Neeson begitu cocok dengan karakter sebagai pelindung kepada adik-beradik Pevensie.

Namun demikian, peminat watak White Witch yang dilakonkan Tilda Swinton barangkali sedikit kecewa akibat kemunculannya yang sekejap. Imej ahli sihir itu tidak jelas kerana ditampilkan secara bayangan saja.

Filem ini mempunyai kemuncak yang baik, lebih kemas dari dua filem terawal. Suasana dan perasaannya bersesuaian sebagai satu penamat, meskipun bersifat agak gelap dan mistikal.

Visual yang cemerlang menjadikan 'penipuan' Narnia lebih bermakna dan dipercayai. Agak sukar untuk membezakan di antara set sebenar dengan set digital.

Narnia selamat di tangan Michael Apted (The World Is Not Enough, 1999) yang mengambil alih tugas daripada Andrew Adamson.

Seperti kebanyakan filem lain hari ini, The Voyage of the Dawn Treader juga ditayangkan dalam versi tiga dimensi.

Bagaimanapun, inisiatif itu tidaklah terlalu menonjol, malah anda masih boleh menyaksikan filem ini dengan jelas jika tidak menggunakan cermin mata 3D. Mungkin ini salah satu kekurangan episod ketiga Narnia.

THE SOCIAL NETWORK (2010)

Rangkaian nilai Oscar

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

HEBAT...Lakonan Jesse Eisenberg (kiri) dan Joseph Mazzello begitu memberangsangkan dalam filem The Social Network.

THE Social Network bukan filem mengenai Facebook. Ia mengenai penciptanya, Mark Zuckerberg dan beberapa individu yang berkaitan semasa pembinaan laman sosial itu, serta kesan yang timbul akibat evolusinya.

The Social Network bukan juga sebuah dokumentari bagaimana Facebook tercipta, tetapi drama mengenai persahabatan yang tergugat akibat wang dan pengkhianatan.

Saya sempat membaca wikipedia sebelum menyaksikan filem ini. Zuckerberg dikatakan tidak gembira dengan cara ia dibikin, kerana menurutnya hidupnya tidak sedramatik itu.

Tidak dinafikan dia berhak untuk berasa tidak puas hati, tetapi jika The Social Network sekadar memaparkan cerita seorang lelaki yang duduk berjam-jam mengadap komputer, siapa yang berminat menontonnya?

Dan siapa sangka Facebook yang diguna pakai meluas di serata dunia hari ini asalnya daripada perasaan marah dan dendam?

The Social Network bermula dengan adegan perdebatan di antara Zuckerberg bersama seorang gadis bernama Erica di sebuah bar yang bising.

Disebabkan Erica menganggap dia lelaki tidak berguna, Zuckerberg kemudiannya mencipta laman web yang memberi markah kepada setiap pelajar wanita di Harvard dengan tujuan memalukan mereka.

Meskipun Zuckerberg didapati bersalah kerana menggodam pangkalan data universiti, dia meraih populariti segera, lalu menerima tawaran bekerjasama dengan pasangan kembar Winklevoss. Mereka bercadang membangunkan sebuah laman web elit yang menjadi rangkaian untuk para pelajar Harvard bersosial.

Idea itu membawa Zuckerberg kepada langkah yang lebih besar sehinggalah lahirnya Facebook.

Seperti yang tertulis pada poster filem ini - "Anda tidak akan mendapat 500 juta kawan tanpa membuat beberapa musuh" - Zuckerberg disaman rakan baiknya sendiri, Eduardo Saverin dan kembar Winklevoss kerana melanggar perjanjian dan dituduh haloba.

Apa yang menjadikan The Social Network sebuah cereka yang baik ialah lakon layarnya. Aaron Sorkin bijak menyusun struktur filem dalam beberapa tingkat. Cerita disampaikan secara bersilang; di antara babak di meja perundingan di bilik peguam dengan adegan imbas kembali bagaimana segala konflik bermula.

Di tangan Sorkin, watak Zuckerberg menjadi individu yang dibenci kerana ketamakan dan keangkuhannya, tetapi pada masa yang sama seorang genius dan kita masih mampu untuk berasa simpati.

Dialog-dialog yang ditulis Sorkin juga mempunyai stail; yang mungkin tidak diucapkan di alam nyata, tetapi kedengaran hebat di layar perak.

Bagaimanapun, semua itu tidak akan menjadi cemerlang jika bukan kerana kehebatan pengarah David Fincher.

Dengan bantuan pengarah fotografi Jeff Cronenweth, yang pernah bekerjasama untuk Fight Club (1999), setiap shot mempamerkan nilai kraf yang tinggi dan teliti. Fincher tahu untuk membawa filem ini berjalan dalam kadar kelajuan yang sederhana, tetapi tidak membosankan dan mampu mendaftarkan kesan.

Tidak seperti filem-filemnya sebelum ini; antara lain Se7en (1995) dan The Curious Case of Benjamin Button (2008); Fincher membimbing barisan pelakon muda dan kurang ternama dalam The Social Network, tetapi menghasilkan kerja yang bertaraf lima bintang.

Jesse Eisenberg memberi persembahan yang mengagumkan. Menanggalkan sifat neurosis dan goofiness menerusi watak-wataknya sebelum ini, dia menjelmakan Zuckerberg sebagai seorang yang dingin, keras hati dan pendiam tetapi sangat berkeyakinan dan pintar. Dia mampu membuatkan penonton benci dan kasihan secara serentak.

Begitu juga dengan Andrew Garfield sebagai Saverin yang membawa lebih emosi, terutamanya ketika dia disingkirkan daripada syarikat.

Ekspresi wajah dan bahasa tubuhnya menunjukkan kerapuhan perasaan, sangat kontra dengan amarah yang ditunjukkan pasangan kembar Winklevoss lakonan Armie Hammer.

Ya, Hammer melakonkan dua watak sekali gus dengan berkesan sehingga saya menyangkakan dia ialah dua pelakon yang berbeza. Justin Timberlake memberikan lakonan yang sederhana sebagai pengasas Napster, Sean Parker, walaupun ada masanya agak kekok kerana pesona sebagai penyanyi masih kelihatan.

Biarpun filem ini dikecam sesetengah pihak sebagai tidak jujur dan berlebih-lebihan dalam menyampaikan kisah benar (apatah lagi insan yang diceritakan itu masih hidup), ia boleh diklasifikasikan sebagai naskhah rujukan yang mendefinisikan generasi hari ini.

Namun, apa yang lebih besar daripada itu ialah isinya sebagai sebuah kisah yang mengangkat nilai di antara moral, kemasyhuran dan kekayaan. Mungkin rangkaian faktor itu mampu membawa The Social Network ke pentas Oscar tahun depan.

2 Alam (2010)

Alam 'luar biasa'

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH syazwan_zakariah@astro.com.my

BANYAK pertanyaan yang bermain di fikiran saya sesudah menyaksikan 2 Alam. Hampir kesemuanya bermula dengan 'kenapa', baik dari segi jalan cerita dan pengarahan, sampailah kepada tahap keyakinan Dr. Rozmey bahawa filem ini mampu mengutip RM40 juta. Tidakkah dia sendiri menontonnya?

Filem 2 Alam memfokuskan kisah seorang penyanyi terkenal, Amy semasa hidup dan matinya.

Dia sebenarnya seorang lelaki bernama Adam yang mengubah jantina semasa belajar di luar negara.

Kehidupannya digambarkan penuh jahil dan maksiat, manakala apabila mati, jenazahnya berdepan azab tidak diterima bumi.

Seringkas sinopsis tadi, semudah itulah 2 Alam digarap. Bukan niat untuk memperkecil-kecilkan usaha Ed Zarith dan Hairie Othman, tetapi hanya inikah yang mampu dipersembahkan oleh dua orang pengarah?

Seawal pembukaan, momentum filem ini sudah dibunuh. Penonton disogokkan dengan pembentangan slaid ala Microsoft Power Point yang bertanyakan bermacam soalan selama lebih dua minit!

Maaf Dr. Rozmey, kaedah untuk menjual ubat kurus tidak sama dengan cara bercerita di layar perak.

'Zaman kegelapan' Amy ditonjolkan berselang-seli dengan adegan persiapan mengkebumikan mayatnya.

Tidak dinafikan sinematografi untuk babak-babak di kampung dihasilkan dengan dramatik dan teliti, tetapi sayangnya kosong tanpa isi.

Keindahan syot-syot itu tidak dibantu dengan dialog yang kuat. Kalau ada pun, bunyinya sangat klise dan pernah didengar dalam drama televisyen era 1980an.

Sebagai contoh, "Sabarlah, ini takdir Tuhan. Sebagai orang Islam, kita harus terima qada' dan qadar".

Filem 2 Alam membulatkan sesuatu perkara dengan dangkal dan terus menghukum. 'Dunia' kampung digambarkan seputih-putihnya menerusi watak Ustaz, graduan dari Mesir. Dunia kota ditunjukkan sehitam-hitamnya dan penuh noda menerusi watak Amy, lulusan universiti di London.

Saya tidak pasti mengapa pengarah sangat obses kepada lagu Salam Terakhir nyanyian Amy Search.

Kalau lagu tema sekalipun, perlukah ia dimainkan berkali-kali untuk babak imbas semula? Mereka mahu membuat filem atau video muzik?

Tidak salah kalau ingin menjadikan naskhah ini sebuah melodrama, tetapi janganlah malas. Syot yang sama diulang pakai sehingga penonton naik muak.

Bercakap mengenai video muzik, terdapat satu adegan yang membuatkan saya keliru, sama ada mahu ketawa atau menggeleng-gelengkan kepala.

Ketika itu Amy dan kekasihnya, Juan baru berpisah. Kedua-duanya berjalan mengikut alunan irama perlahan sebelum bertembung, kemudian masuk ke dalam kolam renang dan menyelam. Apakah maksud dan kepentingan adegan ini?

Persembahan lakonan sangat menjengkelkan, tetapi tidak banyak yang boleh dilakukan pun jika skripnya sama taraf.

Sebagai contoh, "Aku betul-betul tak sangka kita dapat rogol penyanyi popular!" dan "Memang you takkan jumpa lelaki yang handsome macam I dalam dunia".

Sebagai bintang utama, Suhailah Salam lebih banyak menangis daripada bercakap. Dia juga asyik berpesta dan berpeleseran; tidak kiralah di dalam tab mandi, kereta atau di atas katil.

Mana adegan yang membuktikan dia seorang penyanyi popular? Mana adegan yang menunjukkan dia dulunya seorang lelaki?

Mengapa konflik jiwa Amy/Adam tidak diselam?

Mengapa Amy mengamuk dan mahu bunuh diri bila akhbar mendedahkan dia tukar jantina, walhal apa yang terpampang di muka depan ialah "Pengakuan Amy: Saya seorang lelaki"?

Jika 2 Alam sekadar mahu memberitahu betapa seksanya jenazah orang berdosa sewaktu dikebumikan, lebih bagus penonton membaca majalah Mastika saja.

Penceritaan filem ini melemaskan, bercitarasa buruk dan dakwahnya tidak kesampaian.

Ada baiknya saya berhenti di sini. Saya tidak mahu disalahkan nanti jika ulasan ini boleh membantutkan impian Dr. Rozmey mencatat jumlah kutipan yang luar biasa.

Harry Potter and the Deathly Hallows: part 1 (2010)

Mendalam atau mendatar?

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

SAYA harus akui bukan peminat setia siri Harry Potter. Buku-bukunya tidak saya baca, tetapi setiap satu filemnya saya tonton. Sehingga siri keenam, secara peribadi, saya memilih filem yang ketiga, Harry Potter and the Prisoner of Azkaban (2004) sebagai yang terbaik dari segi penceritaan dan nilai hiburan.

Masuk siri ketujuh, karakter Harry Potter bakal mencecah usia 17 tahun. Seiring dengan peningkatan usia lelaki itu, naskhah yang ditulis J.K Rowling semakin dewasa dan unsur-unsur sihirnya bertambah gelap. Siri ini bukan lagi sekadar produk fantasi untuk kanak-kanak kerana plotnya kian rumit.

Harry Potter and the Deathly Hallows Part 1 dibuka dengan suasana kelam, yang seterusnya menjadi teras kepada perasaan keseluruhan filem. Tiga sekawan iaitu Harry, Ron dan Hermoine digambarkan cuba 'mempertahankan' keluarga masing-masing daripada ancaman bahaya dalam pengembaraan akhir ini.

Sebagai contoh, Hermoine yang terpaksa memadamkan memori ibu bapanya dengan menghilangkan setiap kelibatnya dalam potret keluarga. Ministry of Magic juga terpaksa menerima hakikat bahawa Lord Voldermort kembali mengganas dan menggugat keamanan dunia sihir.

Trio Harry, Ron dan Hermoine harus melangsaikan tugas Dumbledore (yang sudah mati) dalam mencari serpihan Horcruxes untuk menentang kuasa jahat Voldermort. Akibat cabaran yang semakin besar dengan kerenah birokrasi serta pengkhianatan tersembunyi, harapan mereka tipis dan nyawa di ambang maut.

Warner Bros mempunyai sebab yang baik apabila memecahkan siri yang terakhir ini kepada dua bahagian filem. Selain keuntungan box-office dan cubaan memanipulasi jangka hayat Harry Potter dengan lebih lama, The Deathly Hallows dikatakan lebih jujur kepada buku asal.

Pengarah David Yates mempunyai lebih ruang untuk membangunkan cerita, terutamanya watak Harry, Ron dan Hermoine. Sifat mereka dibina dan diperhalusi dengan dimensi yang menarik; kuat dalam menempuhi rintangan untuk menyelesaikan masalah, tetapi lemah bila berdepan dengan emosi semulajadi manusia.

Bahagian pertama filem ini tidak menampilkan satu pun adegan di sekolah Hogwarts dan banyak tertumpu kepada pengembaraan di luar, terutamanya hutan. Mungkin penonton sesekali akan teringat kepada pengembaraan trilogi The Lord Of The Rings (2001-2003) yang mempunyai tona warna dan mood serius yang seakan-akan serupa.

Bagaimanapun, kelebihan memecahkan siri ketujuh ini kepada dua bahagian, ada sisi buruknya. Kerana Yates mempunyai banyak masa untuk memperincikan setiap peristiwa, filem ini dirasakan meleret-leret dan tidak kompak. Kerana mahu mendalami setiap peristiwa juga, filem ini dirasakan mendatar.

Maaf, barangkali peminat tegar Harry Potter tidak bersetuju dengan kenyataan ini.

Penonton yang tidak membaca buku mungkin akan sesat dan keliru terhadap peristiwa serta karakter yang saling berkaitan di antara filem-filem terdahulu. Justeru, saranan terbaik sebelum menonton The Deathly Hallows Part 1 ialah memastikan anda memahami enam siri sebelumnya.

Begitupun, penonton masih boleh terkesan dengan ketelitian imej janaan komputer (CGI), terutamanya semasa Hermoine menceritakan kisah dari buku wasiat Tales of Beadle the Bard. Lakaran-lakaran kartun itu mengingatkan saya kepada Corpse Bride (2005) arahan Tim Burton.

Antara lain yang menyerlah ialah adegan Harry diklonkan kepada tujuh orang serta visi yang dilihat Ron terpancar dari loket. Dalam visi itu, Harry dan Hermoine digambarkan dalam keadaan yang sensual, tetapi terbatas. Mujur Yates masih sedar Harry Potter asalnya produk untuk kanak-kanak.

Aksi-aksi pertarungan magis juga dipaparkan seimbang dengan penceritaan, tetapi mungkin mengecewakan mereka yang datang semata-mata untuk efek. Sejak siri kelima The Order of The Phoenix (2007), Harry Potter di tangan Yates tidak seringan garapan Mike Newell atau Chris Columbus.

Kematangan persembahan Daniel Radcliffe, Rupert Grint dan Emma Watson dapat dilihat, tetapi keseronokan sebenar menonton Harry Potter ialah gandingan pelakon hebat seperti Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes, Bill Nighy, Jason Isaacs dan Alan Rickman di atas satu layar.

Adegan mereka duduk semeja semasa mesyuarat di Malfoy Manor adalah salah satu adegan terbaik. Merupakan antara babak terawal, The Deathly Hallows Part 1 juga berakhir dengan baik kerana memenuhi sifat sebuah filem yang kesudahannya memang sengaja dibiarkan tergantung.

Estet (2010)

Terbaik dari ladang

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

ESTET dibuka dengan penuh warna-warni, baik pada imej mahupun perasaannya. Ada tarian serta nyanyian di sebalik kain-kain yang digantung dan dikibar. Babak pembukaan ini memberi petunjuk Estet memang sengaja dibina atas acuan filem-filem dari Selatan India atau Kollywood.

Justeru, apabila Mamat Khalid memperkenalkan setiap karakter, jurang hitam dan putih itu sangat jelas. Penonton segera 'menangkap' siapa yang baik, siapa yang jahat kerana lazimnya definisi watak dalam filem Kollywood sangat mudah dan shallow. Misalnya, kalau jahat mestilah hodoh dan suka ketawa besar.

Estet berkisar mengenai satu pertandingan bola sepak yang bakal berlangsung di antara Estet Cintamanis dengan Estet Red Cobra. Selepas 20 tahun tidak diadakan, perlawanan itu dihidupkan semula oleh ketua Estet Cintamanis, Pooniah yang menyimpan muslihat untuk kepentingan peribadi.

Pertandingan bola sepak itu sebenarnya sekadar dasar cerita yang membuka kepada pembinaan plot yang lebih besar, iaitu tentang perhubungan warga estet dari generasi ke generasi, tentang dendam dan tentang perpaduan.

Walaupun Farid dan Shashi ditampilkan sebagai watak utama, sedar atau tidak Estet mempunyai ramai 'hero'.

Subramaniam, jurulatih pasukan bola sepak estet, tertekan apabila Pooniah menggunakan perlawanan itu untuk memiliki anaknya, Geetha. Appa pula menjadi pemabuk kerana kecewa terhadap kehidupan dengan kaki tempang.

Ini contoh dua watak yang pada awalnya lemah, tetapi dikembangkan menjadi protagonis. Malah, Mohan yang pada mulanya dilihat sekadar 'badut' muncul wira pada penghujung cerita.

Mamat bijak membesarkan beberapa karakter yang disangkakan pembantu, tetapi sebenarnya menyumbang kuat kepada penceritaan.

Kemunculan watak Kublai Khan ibarat satu penghormatan kepada ikon seperti Sivaji dan MGR. Gaya lakonan dan pakaiannya - jaket oren, tali pinggang putih dan topi koboi - sengaja dilebih-lebihkan, malah beberapa babak seperti pergaduhan beramai-ramai turut mengambil semangat filem Tamil.

Saya amat tertarik kepada gaya komedi gelap Mamat, terutamanya dalam dua babak. Pertama, ketika Subramanian cuba menggantung diri dan kedua, semasa Subramaniam dan Sashi hampir diletupkan dengan bom atom.

Walaupun kedua-dua situasi itu sepatutnya digambarkan suspen, namun Mamat menyuntik elemen humor - satu ajukan kepada filem-filem Kollywood yang banyak auta dan flamboyant. Saya sendiri tidak dapat menahan gelak yang panjang.

Barangkali kerana mahu me-Malaysia-kan imej itu, Mamat memutuskan untuk kesemua karakternya bercakap bahasa Melayu. Ini agak janggal pada permulaan filem, apatah lagi apabila masing-masing bertutur dalam tatabahasa yang tersusun dan bukan bahasa pasar.

Secara tidak sengaja, penonton ketawa apabila mendengar dialog sesama keluarga India yang berbunyi, "jangan kau sentuh anakku ini!". Rasanya lebih 'cantik' jika mereka dibiarkan bertutur dalam bahasa ibunda dan diberikan sarikata.

Walau bagaimanapun, persembahan barisan pelakon berbangsa India amat meyakinkan dan patut diberikan kredit sewajarnya. Mereka mungkin tidak dikenali, tetapi mereka menyerlah dan tidak tenggelam dalam arus popular yang dibawakan Farid Kamil, Rosyam Nor atau Soffi Jikan.

Kemunculan sekejap Datuk David Arumugam juga menarik dan melucukan. Biarpun hanya tempelan, tetapi dialognya membawa beberapa kritikan sosial, seperti rungutan terhadap harga barang yang sentiasa naik.

Secara teknikal, Estet tidak seteliti Kala Malam Bulan Mengambang (2008). Imej janaan komputernya (CGI) nampak pelik dan koreografi semasa babak menari agak bersepah. Malah skripnya juga, ada beberapa ketika, terlalu tinggi bahasanya untuk dituturkan orang biasa.

Namun begitu, saya sangat terhibur dan berasa dekat dengan naskhah ini. Membandingkan filem-filem arahan Mamat, antaranya Lang Buana (2003), Rock (2005) dan Zombie Kampung Pisang (2007), secara peribadi saya mengangkat Estet sebagai yang terbaik.

Takers (2010)

Jangan ambil berat

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

ADEGAN letupan antara babak menarik dalam filem Takers.

KARAKTER sekumpulan lelaki memakai sut mahal yang menggambarkan betapa hebat atau kayanya mereka bukanlah sesuatu yang asli dalam pembikinan filem Hollywood.

Lebih-lebih lagi apabila mereka adalah penyamun dan penyangak. Contoh terbaik ialah siri Ocean's Eleven (2001), Ocean's Twelve (2004) dan Ocean's Thirteen (2007) dari Steven Soderbergh.

Takers tidak lebih sekadar pengulangan semula elemen-elemen tersebut. Dengan plot, watak serta koordinasi lagak ngeri yang klise, filem arahan John Luessenhop ini tidak menjanjikan sesuatu yang berlainan.

Mengimbas sejarah pembabitannya dalam arena pengarahan, ini merupakan filem keduanya selepas drama bajet rendah Lockdown (2000).

Takers dianggotai sekumpulan penjenayah licik yang mempunyai pelbagai latar belakang dan kemahiran. Mereka bersembunyi di sebalik topeng kerjaya yang lain, seperti memiliki bar dan kelab.

Mereka nyaris ditangkap dalam satu insiden, tetapi terselamat apabila salah seorang ahli kumpulan, Ghost menjadi mangsa penjara. Ghost kemudian dibebaskan awal kerana berkelakuan baik.

Biarpun kepulangannya tidak diterima, namun kumpulan itu bersetuju dengan pelannya untuk merompak van-van keselamatan. Bayangan keuntungan berjuta dolar mengaburkan mata mereka tanpa menyedari Ghost ingin melunaskan dendam.

Pada masa yang sama, penonton diperkenalkan dengan dua karakter stereotaip polis yang cuba memburu kumpulan ini.

Jack sedang berdepan dengan masalah peribadi seperti perceraian dan ketagihan alkohol; manakala Eddie mempunyai konflik keluarga seperti masalah kewangan dan anak pengidap penyakit kritikal.

Sub-plot seperti ini sengaja direka bagi menambahkan drama serta menyelitkan imbangan moral di antara perwatakan hitam dan putih.

Takers memenuhi ciri-ciri tipikal sebuah filem aksi seperti letupan, tembak-menembak dan kejar-mengejar. Malah, Chris Brown yang menjadi salah seorang penerbit filem ini mendapat babak kejar-mengejar yang paling panjang dan paling mendebarkan. Malah, kematian wataknya juga yang paling dramatik.

Tidak dinafikan, adegan-adegan rompakan masih mampu memberi ruang keterujaan dan debaran. Walaupun stail sinematografinya agak bergoncang ala siri filem Bourne (2002-2007), namun ia kemas dan tidak memeningkan kepala.

Takers adalah sebuah filem yang mudah. Karakter-karakternya satu dimensi, bahkan jalan cerita dan kejutannya boleh dibaca sejak awal lagi.

Filem ini terlalu berusaha keras untuk menjadi sebuah drama jenayah yang cool, slick and stylish (rujuk Heat, 1995 atau The Italian Job, 2003) sedangkan ia bukanlah perintis dalam genre sebegini.

Lihat saja babak awal filem apabila mereka berjalan dalam gerak perlahan membelakangi helikopter meletup. Bukankah ini sudah ditonton beratus kali?

Barangkali kebijaksanaan Takers terletak pada pemilihan pelakon. Selain Brown, filem ini turut dijayakan bintang rap T.I sebagai Ghost (yang sejarah hidup sebenarnya pun keluar masuk penjara) serta dua aktor kulit putih pujaan ramai, Paul Walker dan Hayden Christensen.

Kehadiran Matt Dillon, Idris Elba dan Jay Hernandez sedikit sebanyak membawakan kredibiliti kepada standard lakonan, tetapi aktres sehebat Zoe Saldana hanya muncul dalam beberapa adegan tanpa memberikan impak. Kalau watak itu diserahkan kepada pelakon tidak ternama pun tidak menjadi masalah.

Masih banyak yang didahagakan penonton selepas filem ini selesai. Biarpun mungkin ada yang mahu melihat Takers sebagai naskhah hiburan semata-mata, secara peribadi saya tetap mengambilnya sebagai pilihan terakhir.

The Child’s Eye (2010)

Salah bagi tajuk

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

Jalan cerita The Child’s Eye longgar serta lakonan yang dipamerkan juga kaku.

THE Child’s Eye mempunyai jentera publisiti yang kuat apabila dipasarkan sebagai filem seram pertama dari Hong Kong, sekali gus Asia, yang menggunakan teknik tiga dimensi.

Apatah lagi ia diusahakan oleh Pang Bersaudara (Oxide dan Danny Pang) yang memang terkenal dengan kebolehan bermain CGI dan mengarahkan filem-filem hantu.

Siapa yang tidak ingat dengan The Eye (2002) lakonan aktres Malaysia, Angelina Lee Sin Je? Filem itu dilabel sebagai antara produk Asia yang paling menyeramkan sehingga Hollywood membikinnya semula pada tahun 2008.

Bagaimanapun, reputasi Pang Bersaudara sedikit tercalar apabila siri sekuelnya, The Eye 2 (2004) dan The Eye 10 (2005) gagal menyaingi yang pertama. Malah, kedua-duanya mendapat kritikan kerana kurang keaslian dan dibuat atas tuntutan box-office.

Masih meneruskan francais ‘mata’ sebagai subjek filem terbaru, The Child’s Eye mengisahkan tiga pasang kekasih dari Hong Kong yang bercuti di Bangkok. Rusuhan politik memaksa mereka memendekkan percutian, namun terperangkap apabila lapangan terbang ditutup.

Situasi huru-hara itu menyebabkan mereka terdampar di sebuah rumah tumpangan lama.

Sifat tipikal cerita hantu, penonton kemudian diperkenalkan dengan watak-watak aneh lagi misteri seperti tuan punya hotel yang tempang dan berwajah bengis; serta tiga kanak-kanak dan seekor anjing yang sering memerhatikan mereka.

Asalnya saya mahu menonton The Child’s Eye dalam versi 3D, tetapi kerana tiada sarikata dan saya tidak memahami Kantonis, hasrat itu dilupakan saja.

Tidak boleh disangkal, filem ini memang menjadi perintis di Asia untuk aplikasi teknologi terkini. Namun demikian, dari segi pembinaan skrip, tiada pembaharuan yang dibawakan.

Apabila The Child’s Eye mengambil latar belakang Thailand iaitu negara yang sinonim dengan kisah-kisah seram dan ghaib, premisnya haruslah kuat; baik dari segi plot mahupun perwatakan.

Lihat saja bagaimana mereka menghasilkan Shutter (2004) atau 4bia (2008), sebagai contoh. Kita masih mampu merasai kesannya selepas beberapa hari menonton.

Perkara ini tidak berlaku kepada The Child’s Eye. Jalan ceritanya longgar, malah lakonan yang dipamerkan juga kaku. Barisan pelakon tidak memberikan dimensi baru kepada watak masing-masing, sebaliknya, hanya mengulang emosi stereotaip filem seram – terkejut, menangis, saling menyalahkan di antara satu sama lain dan terjerit-jerit dalam kebanyakan adegan.”

Meskipun saya tidak menyaksikan versi 3D, namun saya pasti tenaga dan fokus pengarah lebih tertumpu kepada penghasilan imej yang canggih.

Inisiatif itu dapat dilihat dalam beberapa babak; misalnya tangan hantu yang melambai-lambai, manusia separa anjing yang melompat dari siling ke arah penonton, serta ketika Rainie masuk ke dunia lain menerusi pintu sakti ala kartun Doraemon.

Saya tidak dapat memastikan jika penghasilan imej-imej 3D itu tajam atau tidak, tetapi menerusi 2D, ia kelihatan agak animated.

Apa yang menjadikan sesebuah filem seram itu bagus ialah keupayaannya mengekalkan minat penonton untuk terus melekat di kerusi. Sayang sekali, filem ini lebih banyak bergantung kepada taktik kejutan yang basi menerusi bunyi dan muzik. Kitaran ini terlalu klise dan predictable (mudah dijangka).

Lebih menyedihkan apabila teknologi 3D pun tidak dapat membantu atau meyakinkan penonton bahawa The Child’s Eye adalah filem seram yang hebat.

Seiring dengan kemajuan teknologi, penonton juga mahu disajikan dengan idea-idea yang lebih segar. Sudah cukup rasanya kita dimomokkan dengan wanita berambut terurai dan berwajah pucat atau anak kecil yang merangkak-rangkak mengejar mangsa.

Dalam banyak-banyak aspek mengenai filem ini, ada satu saja yang ingin saya puji.

Saya merasakan lakonan Doggy, anjing yang boleh melihat hantu, sangat berkesan dan mencuit hati penonton. Malah sepatutnya tajuk filem ini ditukarkan kepada The Dog’s Eye kerana dialah yang menjadi tunjang kekuatan sebenar.

The Other Guys (2010)

Filem lelaki yang menjengkelkan

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

SIFAT kontras watak yang dilakonkan Mark Wahlberg dan Will Ferrell mencetuskan keserasian dalam filem ini.

SAYA bukan peminat setia Will Ferrell, tetapi tidaklah menyampah terus. Ada beberapa filemnya yang mampu membuatkan saya ketawa, antaranya Superstar (1999) dan Blades of Glory (2007).

Saya juga teruja untuk menyaksikan filem animasi Megamind (2010) yang mana dia menyumbangkan suara untuk karakter utama.

Terkenal dengan gaya komedi slapstik (atau dalam bahasa kasarnya lawak bodoh), The Other Guys sekali lagi menyatukan Ferrell dengan pengarah Adam McKay.

Kerjasama mereka bermula sejak Saturday Night Live (1995-2007); malah di bawah pengarahan McKay, Ferrell berpeluang menghidupkan fantasi kanak-kanaknya seperti menjadi wartawan (Anchorman: The Legend of Ron Burgundy, 2004) dan pemandu kereta lumba (Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby, 2006).

Fantasi terbaru mereka ialah main-main polis. Di dalam The Other Guys, Ferrell digandingkan dengan Mark Wahlberg, satu contoh ideal seorang detektif - serius dan sasa.

Ferrell ialah Allen Gamble, polis yang hanya mahu membuat kertas-kertas kerja di pejabat tanpa menyelesaikan kes di lapangan; manakala Wahlberg sebagai Terry Hoitz yang semangatnya berkobar-kobar tetapi kurang cerdik.

Di tempat mereka bekerja, P.K Highsmith dan Christopher Danson (kemunculan istimewa Samuel L. Jackson dan Dwayne 'The Rock' Johnson) ialah pasangan detektif yang amat disegani. Mereka cekap, berani dan sering menyelesaikan kes berprofil tinggi sehinggalah satu hari terkorban dalam kemalangan.

Kematian Highsmith dan Danson mendorong detektif lain untuk mengikut jejak langkah mereka, termasuk Hoitz. Namun kerana Hoitz dipandang rendah rakan sekerja, dia tiada pilihan selain 'memaksa' Gamble ikut serta dalam setiap kes yang ingin diselesaikannya.

Sifat kontras Hoitz dan Gamble mencetuskan keserasian, walaupun mereka saling membenci di antara satu sama lain.

The Other Guys tidak ubah ibarat parodi kepada filem aksi klasik lakonan Mel Gibson dan Danny Glover, Lethal Weapon (1987); kecuali Ferrell dan Wahlberg lebih menjengkelkan.

Saya bukan peminat setia Ferrell. Justeru, beberapa jenaka fizikalnya yang over-the-top serta dialog yang agak kotor di dalam filem ini, tidak berjaya membuatkan saya ketawa.

Kalau ada pun, saya hanya tersenyum sinis dalam kehairanan. Tetapi sila maklum, itu bukan salah Ferrell mahupun pengarah. Ini soal citarasa.

Wahlberg melengkapi kedangkalan Ferrell, cuma lawaknya lebih subtle dengan reaksi wajah yang tegak, bersesuaian dengan karakter Hoitz itu sendiri.

Bayangkan Staff Sgt. Dignam daripada filem The Departed (2006), tetapi bodoh-bodoh alang. Itulah yang penonton dapat daripada Wahlberg di dalam The Other Guys.

Kehadiran Steve Coogan sebagai penyangak David Ershon menambah variasi filem ini dengan aroma komedi Britain-nya, begitu juga dengan kelibat Michael Keaton yang mengubati rindu peminat untuk melihat dia beraksi semula di layar perak.

Jangan terlepas dengan cameo beberapa bintang terkenal lain seperti Brooke Shields, Rosie Perez dan pemain besbol Derek Jeter.

Sementara itu, kemunculan Eva Mendes pula tidak lebih sekadar memenuhi ruang khayalan Ferrell dan McKay, di mana wanita sehangat itu boleh jatuh cinta kepada lelaki sehodoh Gamble. 'Filem lelaki' seperti ini memerlukan seorang aktres seksi sebagai eye-candy.

Walaupun plot filem ini cuba berlaku bijak dengan memasukkan elemen-elemen bisnes dan kewangan, namun ia tidak meyakinkan.

Siasatan Gamble dan Hoitz terhadap misteri penyelewengan yang dilakukan Ershon, kelihatan bercelaru dan mengelirukan.

Apa yang jelas hanyalah babak demi babak komedi yang terlebih-lebih. Barangkali sebagai penyedap hati, adegan-adegan aksi, kejar-mengejar dan letupan yang dikoreograf untuk filem ini agak membanggakan.

Sekurang-kurangnya, The Other Guys tidak mungkir janji dengan labelnya sebagai sebuah lagi filem aksi komedi.

Charlie St. Cloud (2010)

Lebih gimik daripada tragik

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

HUBUNGAN abang dan adik yang dilakonkan oleh Zac Efron (kiri) dan Charlie Tahan cukup berkesan dalam filem Charlie St. Cloud.

MELETAKKAN Zac Efron sebagai bintang utama sebuah melodrama seperti Charlie St. Cloud, sasaran demografi filem ini sudah pun ditetapkan - khusus untuk remaja dan penggila aktor tersebut. Justeru, labelnya jelas sebagai sebuah filem yang ringan.

Bagaimanapun, apa yang menarik ialah sedutan filem ini memberi indikasi bahawa ia cuba menukar imej Efron; daripada seorang lelaki tampan yang sekadar tahu menari dan menyanyi (rujuk siri High School Musical, 2006-2008 dan Hairspray, 2007) kepada seorang aktor berkarakter.

Saya tidak menafikan berminat untuk menonton Charlie St. Cloud kerana trailernya. Dibantu muzik latar yang sesuai (terutamanya lagu Run dari Snow Patrol) dengan suntingan yang kemas, saya mengharapkan filem ini terhasil sebagai sebuah naskhah air mata yang baik, sekurang-kurangnya satu guilty pleasure.

Charlie St. Cloud mengisahkan seorang jejaka bernama Charlie yang begitu akrab dengan adiknya, Sam. Malangnya, satu kemalangan jalan raya mengubah hidupnya apabila Sam terbunuh. Charlie dihantui rasa bersalah kerana mereka tidak sepatutnya keluar rumah pada malam itu.

Kehilangan itu menjadikan Charlie seorang yang pemuda yang suka mengasingkan diri. Bekerja di tanah perkuburan tempat Sam disemadikan, penonton kemudiannya diberitahu yang Charlie mampu berkomunikasi dengan roh - sama ada roh adiknya mahupun kawannya.

Saban petang dia akan berlatih besbol dengan roh Sam di dalam hutan, sehinggalah fokusnya itu terganggu dengan kehadiran seorang gadis pelayar bernama Tess. Keakraban mereka menyebabkan roh Sam rasa tersisih, tanpa menyedari Tess juga sebenarnya adalah roh yang ingin meminta pertolongan.

Subjek roh berkomunikasi dengan manusia pernah ditampilkan dengan menarik dalam The Sixth Sense (1999) dan The Lovely Bones (2009). Jurang di antara realiti dan fantasi dibahagikan secara jelas tanpa mengelirukan penonton.

Namun demikian, saya menghadapi sedikit masalah semasa menonton Charlie St. Cloud. Saya kurang pasti jika Charlie benar-benar mampu melihat roh Sam dan Tess atau itu hanya imaginasinya? Adakah Charlie sekadar berhalusinasi?

Adakah dia memperolehi deria keenam itu akibat kemalangan jalan raya? Dan sejauh mana deria itu berfungsi kerana dia digambarkan boleh berkomunikasi dengan roh tertentu saja?

Cubaan pengarah untuk mengembangkan plot dan karakter dirasakan terlalu mengambil masa, menyebabkan perjalanan filem mendatar dan boleh dijangka.

Tidak salah untuk menyajikan sebuah lagi karya yang formulaic, tetapi olahan Burr Steers (Igby Goes Down - 2002 dan 17 Again - 2009) tidak cukup mencengkam. Sayang sekali apabila sisi gelap dan tertekan Charlie tidak dimanipulasi sepenuhnya. Lalu, apa yang muncul sebagai produk akhir ialah sebuah drama standard, tidak lebih dari apa yang selalu kita tonton di saluran Hallmark.

Tiada banyak yang boleh diperkatakan mengenai aspek lakonan, walaupun diuar-uarkan Efron cuba tampil sebagai pelakon yang lebih serius. Kemunculan nama-nama besar seperti Kim Basinger dan Ray Liotta juga tidak banyak membantu. Mereka sekadar memenuhi masa tayangan dengan lakonan yang biasa.

Kalau ada pun yang menonjol, mungkin kredit boleh diberikan kepada Charlie Tahan sebagai Sam yang menjentik emosi penonton menerusi sifatnya yang rapuh.

Untuk berlaku adil, sepuluh minit pertama filem ini berjaya 'mendakap' saya dalam kehangatan perhubungan adik dan abang. Sinematografinya juga berada pada tahap memberangsangkan, kalau pun tidak cemerlang atau menampilkan sebarang kelainan yang nyata.

Sedutan filem Charlie St. Cloud nampaknya lebih berjaya memikat saya daripada cereka penuh. Strategi pemasaran untuk menaikkan 'darjat' Efron sebagai pelakon filem tragik nampaknya tidak lebih dari setakat gimik.

Eat Pray Love (2010)

Berdoa untuk dimaafkan

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

LAKONAN Julia Roberts dan Javier Bardem banyak menyelamatkan filem Eat Pray Love.

SAYA tidak berkesempatan membaca buku Eat Pray Love sebelum menyaksikan filemnya. Begitu pun, saya tahu ia merupakan adaptasi daripada sebuah novel terlaris yang dianggap sebagai pencetus inspirasi.

Ditulis berdasarkan pengalaman sendiri, Elizabeth Gilbert disanjung sebagai srikandi alaf baru. Ironinya, saya tidak merasakan begitu sesudah menonton.

Karakter Elizabeth digambarkan sebagai seorang yang ego, keliru dan menjengkelkan. Malah, tidak keterlaluan jika saya melihat dia mempunyai masalah kecelaruan personaliti.

Justeru, apa yang hebatnya tentang wanita ini sehingga diperkatakan di serata dunia? Apakah pengajaran yang dibawakan sehingga bukunya masyhur dan dijadikan filem?

Untuk mendapatkan keadilan, saya mengambil inisiatif membaca novelnya setebal 441 halaman dalam masa dua hari, sebelum artikel ini ditulis. Saya pasti ada yang tertinggal dari buku untuk dimasukkan ke dalam filem.

Sudah menjadi lumrah apabila naskhah asal dikatakan jauh lebih baik daripada adaptasi. Namun, ia turut bergantung kepada kebijaksanaan penulis lakon layar untuk memindahkannya.

Contoh terbaik ialah Slumdog Millionaire (2008) yang diilhamkan daripada novel Q & A tulisan Vikas Swarup. Biarpun terjemahan tidak dilakukan mengikut setiap muka surat, namun inti pati cerita dan watak-wataknya diolah dengan berkesan.

Sangkaan saya terhadap kelemahan adaptasi Eat Pray Love sememangnya tepat. Sayang sekali apabila pembangunan watak utama gagal disempurnakan oleh penulis skrip, Ryan Murphy dan Jennifer Salt.

Ini mengingatkan saya kepada Running With Scissors (2006), satu lagi adaptasi dan arahan Murphy yang mengecewakan. Filem itu menerima kritikan kerana tidak sebagus buku dan nampaknya sejarah berulang kembali.

Dalam filem Eat Pray Love, saya tidak mengetahui sebab yang jelas mengapa Elizabeth tiba-tiba mahu meninggalkan suaminya, kemudian berpeleseran dengan lelaki muda sebelum pergi bercuti ke tiga buah negara.

Karakter Elizabeth kelihatan seperti seorang wanita yang bebas, angkuh dan mementingkan diri sendiri. Setiap tindakan atau keputusan yang diambil seperti sangat mudah dan terburu-buru.

Walhal menerusi buku, saya diterangkan bagaimana Elizabeth sebenarnya tidak lagi berasa bahagia dan enggan mengandung seperti yang dimahukan suami. Dia juga sudah penat menjadi ketua kewangan dalam keluarga.

Di dalam beberapa bab juga, Elizabeth mengakui mengalami tekanan dan bergantung kepada ubat. Dia terpaksa bergelut dengan kedegilan suami yang enggan menceraikannya.

Kehilangan elemen-elemen kritikal ini memberikan saya persepsi yang berbeza terhadap Elizabeth di dalam buku dengan Elizabeth di layar perak.

Saya mampu bersimpati kepada Elizabeth apabila membaca bukunya, tetapi mencebik semasa menonton filem.

Pengembaraannya ke Itali lebih daripada sekadar menikmati makanan; ke India bukan setakat membaca mantera; dan ke Bali bukan semata-mata mencari cinta baru.

Perjalanan spiritual ini tidak dirasai melalui filem, kerana apa yang dipaparkan seolah-olah Elizabeth sedang berseronok saja. Sedangkan hakikatnya, Elizabeth berikhtiar keras untuk survive dan mencari masa depan.

Kegagalan versi filem mendalami setiap fasa itu, menjadikan Eat Pray Love sebagai satu karya yang hanya cantik pada permukaan.

Penonton diberikan sinematografi yang kemas, dengan bingkai-bingkai pemandangan yang indah ibarat sekeping poskad. Filem ini juga bernasib baik kerana disokong barisan pelakon ternama.

Walaupun lakonan Julia Roberts dikatakan stereotaip, namun tidak dapat dinafikan dia masih tersenarai antara aktres terhebat Hollywood. Perjalanan filem yang meleret banyak diselamatkan oleh aura Roberts, begitu juga dengan penampilan Javier Bardem dan Billy Crudup.

Adegan yang paling saya gemari ialah apabila Crudup menyeka air mata di dalam lif selepas bertarung di pejabat peguam untuk menyelamatkan perkahwinannya.

Sebagai kesimpulan, percubaan Murphy untuk membawa Eat Pray Love ke layar perak tidak kesampaian. Sebagai pencipta siri TV Glee (2009), mungkin dia harus fokus kepada menari dan menyanyi saja. Dia juga mesti berdoa agar dimaafkan peminat buku kerana telah merosakkan naskhah asal.

Wall Street Money Never Sleeps (2010)

Penantian yang terbayar

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

SHIA LaBeouf (kiri) dan Carey Mulligan memberikan lakonan cemerlang dalam filem sekuel ini.

INGATAN saya kepada filem pertama Wall Street (1987) sangat kabur. Saya hanya sempat menontonnya sekali pada awal tahun 90-an, itu pun kerana ditayangkan di kaca televisyen.

Saya harus berterima kasih kepada sarikata yang banyak membantu memahami terma-terma kewangan yang terlalu asing buat saya.

Oliver Stone membawa penonton mengetahui apa yang ada di sebalik Ivory Towers dan politik pasaran saham global.

Ketika ramai menganggap berita bisnes hanyalah sekadar berita, Wall Street memberikan pandangan baru terhadap dunia perniagaan - penuh drama dan misteri, ibarat sebuah naskhah thriller.

Selang 23 tahun, Stone muncul dengan sekuel Wall Street: Money Never Sleeps.

Ini merupakan sekuel pertamanya sejak bergelar pengarah dan dia mempunyai alasan yang kuat mengapa baru sekarang menghasilkan filem sambungan.

Ketika Wall Street yang pertama diterbitkan, dunia sedang bergelut dengan krisis ekonomi akibat kejatuhan pasaran saham terbesar atau Black Monday.

Perkara itu tidak banyak bezanya dengan senario hari ini, di mana pakar ekonomi menyifatkannya sebagai yang krisis kewangan terburuk selepas era Great Depression.

Biarpun tiada apa yang baru mengenai subjek yang ingin ditampilkan dalam sekuel, namun isinya masih sangat relevan.

Dengan bantuan penulis hebat seperti Allan Loeb dan Stephen Schiff, Money Never Sleeps menjadi sebuah cerita yang melengkapi kepakaran, pengetahuan dan teknologi dunia bisnes masa kini.

Bagi mereka yang tidak begitu memahami bagaimana dunia saham berfungsi (termasuk saya), filem ini mampu membuatkan dahi penonton berkerut.

Bagaimanapun, di sebalik komplikasi itu, Stone sebenarnya ingin memaparkan fitrah manusiawi - tentang ketamakan, ketakutan, perhubungan dan kasih sayang.

Money Never Sleeps dibuka dengan pembebasan Gordon Gekko daripada penjara. Gekko masih kental di tangan Michael Douglas, watak pakar kewangan yang bijak dan licik, yang melayakkan aktor itu memenangi trofi Oscar pada 1987.

Sehingga kini ia menjadi salah satu karakter paling ikonik dalam dunia sinema moden.

Kerana kesalahan jenayah yang dilakukan, nasihat Gekko tentang dunia saham tidak disambut baik banyak pihak.

Idea yang dijaja menerusi buku tulisannya dipandang sinis, tetapi tidak untuk pedagang muda, Jake Moore yang berpacaran dengan anak Gekko bernama Winnie.

Moore mempunyai misi untuk memulihkan semula hubungan Winnie dengan bapanya yang keruh.

Winnie menganggap Gekko sebagai bapa pembelit yang tidak bertanggungjawab sehingga abangnya mati akibat dadah.

Keraguan Winnie masih menebal sehingga mencetuskan konflik berpanjangan.

Pada masa yang sama, Moore mendapatkan nasihat Gekko untuk menentang Bretton James, penyangak korporat yang menyebabkan mentornya, Louis Zabel mati membunuh diri akibat tekanan.

Moore digambarkan sebagai seorang wira yang cuba menyelamatkan kehidupan profesional dan peribadi orang-orang di sekelilingnya.

Douglas bertuah kerana didampingi barisan pelakon yang dapat menyaingi permainannya sebagai Gekko. Shia LaBeouf menangani watak dramatik Moore dengan begitu baik.

Dia membuktikan yang dia tidak hanya pandai melompat dan berlari seperti di dalam Transformers (2007) atau Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull (2008).

Carey Mulligan menyinar sebagai aktres pelapis yang berkeupayaan menyampaikan emosinya hanya melalui bahasa wajah dan tubuh.

Manakala Josh Brolin yang pernah menyerlah dalam filem W (2008), juga arahan Stone, mengisi ruang watak antagonis James dengan berhemah, tetapi penuh muslihat di sebaliknya.

Namun demikian, pujian tertinggi seharusnya diberikan kepada Stone. Di sebalik frasa kewangan yang rumit serta imej graf yang berlatar belakangkan bangunan pencakar langit New York, dia berjaya mengimbangi aspek teknikal dan penceritaan.

Kepintaran Stone dan penulis skrip menjadikan Money Never Sleeps sebagai sebuah karya yang mampu dihadam sesiapa saja, tanpa perlu mengambil kursus pendek perniagaan sebelum menontonnya.

Tempoh penantian selama 23 tahun untuk menyaksikan sekuel ini menjadi kenyataan terbayar.

4 Madu (2010)

Madu yang kurang manis

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

FILEM 4 Madu memberikan persepsi bahawa ikatan perkahwinan boleh dipersenda dan menjadi bahan mainan.

PROFESOR Madya A. Razak Mohaideen dan Saiful Apek gabungan dua nama yang sudah selalu, tetapi cukup serasi dan menguntungkan.

Kerjasama mereka, daripada filem Jutawan Fakir (2003) sehinggalah Sifu dan Tongga (2009) mencatatkan trek rekod yang baik dari segi kutipan box-office.

Setuju atau tidak, kenyataannya Razak ialah seorang pembikin filem yang tahu membaca selera penonton.

Justeru, untuk filem terbarunya, 4 Madu, selain Saiful Apek, dia membariskan pelakon yang punya nama dan wajah untuk menarik orang ke pawagam, antara lain Fasha Sandha dan Rozita Che Wan.

Formula itu dikatakan masih relevan, walaupun risiko untuk gagal tetap ada.

Filem 4 Madu bermula apabila Azlan menerima sepucuk surat daripada pejabat peguam.

Di sana, dia dipertemukan dengan saudara kembarnya, Azrul yang terpisah sejak kecil.

Mereka sebenarnya diwasiatkan aset bernilai RM50 juta daripada bapa mereka yang selama ini tidak diketahui identitinya.

Sebelum harta itu diserahkan, Azlan dan Azrul harus melalui beberapa fasa ujian yang memaksa mereka untuk berkahwin empat.

Setiap satu calon memiliki kriteria tertentu, seperti wanita buta dan bisu serta anak yatim piatu. Tugasan-tugasan itu harus dilaksanakan dalam tempoh yang ditetapkan.

Plot filem ini mengingatkan saya dengan kepada filem Mr. Os (1987) yang berkisar sama mengenai ujian dan wasiat.

Tetapi kalau hendak diambil kira, idea asal filem itu pun bukanlah begitu asli kerana khabarnya dicedok daripada filem Hong Kong.

Justeru, persamaan atau ilham yang diulang pakai bukanlah sebab untuk menolak percubaan 4 Madu.

Apatah lagi, isu berkahwin banyak juga pernah diutarakan; contohnya dalam filem arahan Tan Sri P. Ramlee, Madu Tiga (1964) dan filem seberang, Berbagi Suami (2006).

Sayangnya, olahan 4 Madu dirasakan tidak sepintar dan sekemas dua filem tersebut.

Filem ini memberikan persepsi bahawa ikatan perkahwinan boleh dipersendakan dan menjadi bahan mainan.

Realiti mengenai ketamakan dan kehodohan prinsip bernikah hanya kerana wang, gagal disampaikan secara jelas. Apa yang lebih menonjol ialah poligami sebagai bahan jenaka kosong.

Seperti mana filem-filem komedi Razak yang lain, 4 Madu masih membawakan pendekatan yang serupa.

Skripnya ringan dengan humor yang adakalanya menjadi separuh masak. Babak demi babak ditonton tanpa meninggalkan kesan kerana tiada perubahan yang cuba dilakukan.

Lakonan Saiful Apek masih tidak banyak beza, meskipun melakonkan dua karakter dengan personaliti yang berlainan.

Watak Azlan ialah pekerja chalet yang kurang pendidikan, sementara Azrul ialah seorang ahli perniagaan yang berjaya.

Sepatutnya penonton dapat mengasingkan dua watak ini melalui mentaliti, dialog dan perlakuan mereka. Namun, perbezaan sifat Azlan dan Azrul tidak ketara.

Dalam pada itu, beberapa pelakon pembantu seperti Rosnah Mat Aris yang menjadi wanita sengau, Sazzy Falak sebagai wanita Inggeris celup dan Bienda sebagai wanita pura-pura buta, mampu menimbulkan kelucuan spontan.

Tanpa mengurangkan rasa hormat kepada kekurangan sifat semulajadi manusia, tiga peranan ini menyerlah.

Bagaimanapun, bersedialah untuk menyaksikan lakonan kayu dan menjengkelkan daripada sesetengah watak. Tidak semua 'madu' yang ditampilkan dalam filem ini manis.

Saya mahu mengulangi perenggan awal tadi. Prof Madya A. Razak Mohaideen dan Saiful Apek - gabungan dua nama yang sudah selalu, tetapi cukup serasi dan menguntungkan. Kata kunci di sini ialah menguntungkan.

Dalam musim perayaan seperti Aidilfitri, 4 Madu mempunyai potensi untuk mengulangi kejayaan box-office dua insan seni itu, atau sekurang-kurangnya balik modal.

Saya pasti memang itu pun yang menjadi sasaran utama pengarah dan penerbitnya.

Senario Asam Garam (2010)

Mana asam garam?

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

FILEM Senario Asam Garam dilihat tiada pembaharuan dan gagal memberikan impak.

SENARIO sudah membina jenama komedinya sendiri sejak lebih sedekad lalu. Daripada siri televisyen ke layar perak, pengaruh mereka sangat kuat sehingga mencatatkan jumlah tontonan serta kutipan box-office yang tinggi.

Daripada Aziz M. Osman ke Mamat Khalid dan Ahmad Idham, siri filem Senario memenuhi citarasa penonton massa. Walaupun jalan cerita dan karakternya berbeza-beza, namun identiti Senario masih tetap serupa, dirasai dan diterima pakai sampai ke filem yang kelapan.

Justeru, apabila Senario Asam Garam diserahkan kepada tokoh akademik seperti Prof. Dr. Hatta Azad Khan selaku pengarah dan penulis skrip, saya akui teruja untuk mencari kelainan, jika tidak pembaharuan.

Apatah lagi, filem ini ditunjangi tenaga kerja daripada golongan pensyarah serta penuntut Fakulti Teknologi Kreatif dan Artistik, Universiti Institut Teknologi Mara (UiTM). Dengan kepakaran itu, jangkaan saya terhadap filem ini sedikit sebanyak berbeza daripada filem-filem Senario sebelumnya.

Barangkali kerana dia seorang ahli intelektual, Hatta hanya diingati menerusi filem Wayang (2008) yang sifatnya lebih berat dan serius.

Sedangkan sebelum itu dia pernah mengadaptasi komik popular Datuk Lat, Mat Som (1990) ke layar lebar. Dia jugalah yang mengilhamkan sitkom paling panjang jangka hayatnya, Pi Mai Pi Mai Tang Tu yang bermula seawal 1984.

Dalam erti kata lain, komedi bukanlah sesuatu yang asing baginya. Namun, mampukah formula jenaka 'kelas' Hatta disatukan dengan lawak Senario yang selalunya dilabel sebagai slapstik dan stereotaip?

Senario Asam Garam berkisarkan persaingan di antara Pak Adam dan Asam, baik dari segi bisnes mahupun peribadi. Kedua-duanya terlibat dalam jenis perniagaan yang sama iaitu pembinaan dan kedua-duanya menaruh hati kepada wanita yang sama iaitu Cik Hawa, janda beranak satu yang berniaga makanan.

Akibat hasad dengki, Asam dan pembantunya, Garam selalu saja bertindak radikal. Mereka sanggup membakar gerai Cik Hawa semata-mata ingin membantu membina yang baru.

Mereka juga sanggup menculik Cik Hawa apabila mengetahui peminangan Pak Adam diterima, serta kemenangan Pak Adam memperoleh tender makmal sekolah.

Hatta menampilkan metafora yang baik apabila menamakan dua karakternya sebagai Asam dan Garam. Mengaitkannya dengan lumrah kehidupan, menariknya watak yang diangkat itu adalah antagonis - peranan bukan hero yang sering dikategorikan sebagai watak kedua.

Sayangnya, Senario Asam Garam tidak cemerlang seperti yang diharapkan. Beberapa babak awal seperti tiada kesinambungan dan suntingan yang tidak kemas menyumbang kepada perjalanan filem yang mendatar. Penceritaannya longgar, dialog terasa hambar dan 'tumbukannya' tidak terkena pada sasaran.

Saya pasti Hatta berkeinginan membawa komedi Senario ke satu tahap yang berbeza. Inisiatif itu dapat dilihat menerusi pembangunan watak, misalnya Mazlan Pet Pet sebagai Garam. Karakternya diberikan lebih warna dan tanggungjawab, bukan sekadar 'bermain-main' di depan kamera seperti selalu.

Bagaimanapun, percaturan itu tidak menjadi kerana pendekatan lakonan Mazlan tidak banyak berubah. Sifat komikalnya yang menggelabah, terjerit-jerit dan animated masih boleh disaksikan. Lakonan Azlee juga standard, cuma korum Senario kali ini kurang lengkap tanpa kehadiran Wahid.

Bukan menidakkan keupayaan Hatta sebagai peneraju utama, tetapi saya merasakan filem ini tidak lebih sekadar satu eksperimentasi. 'Dapur' Hatta tidak cukup asam garamnya.

Tagline Senario Asam Garam ialah 'cerita baru, ragam baru, lawak tak ingat'. Izinkan saya menyimpulkannya semula mengikut perspektif sendiri - 'cerita biasa, ragam ulangan, lawak yang mudah dilupakan'.

Going The Distance (2010)

Ikhlas tapi jauh

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

DREW Barrymore dan Justin Long tidak perlu berusaha keras untuk mencipta keserasian dalam filem ini.

MELIHAT daripada trailer, Going The Distance seakan berada di dalam kelas yang serupa seperti filem-filem komedi romantik lain, misalnya Valentine’s Day, When In Rome atau The Back-Up Plan yang diterbitkan tahun ini.

Namun demikian, trailer lazimnya hanya memberi gambaran sepintas lalu dan penilaian tidak wajar dilakukan.

Sedutan itu memberi persepsi yang stereotaip kepada Going The Distance, walhal sebenarnya ia bukanlah sebuah naskhah chick-flick yang total, yang hanya sesuai untuk ditonton wanita.

Beberapa jam selepas ditinggalkan kekasih, Garrett berkenalan dengan Erin secara tidak sengaja di sebuah bar. Keserasian mengikat mereka, daripada sekadar kenalan kepada calon teman wanita.

Masalah mula timbul apabila Erin harus pulang ke tempat asalnya di San Francisco. Dia berada di New York hanya untuk sementara waktu kerana menjalani latihan musim panas di sebuah syarikat akhbar.

Plot filem ini mudah difahami. Tentang dua insan yang berdepan dengan pelbagai isu percintaan jarak jauh.

Garrett dan Erin harus melalui zon masa yang berlainan, rasa rindu dan cemburu yang menyesakkan, tambang kapal terbang yang mahal serta tekanan untuk bertukar kerja dan tempat tinggal.

Going The Distance bukan naskhah chick-flick yang total kerana perspektif Garrett turut diambil kira. Saya percaya kaum lelaki yang menonton filem ini mampu mengaitkan setiap peristiwa dengan pengalaman dan perasaan mereka.

Filem ini barangkali tidak sebaik 500 Days of Summer (2009), sebuah komedi romantik yang berbaur indie dan segar. Bagaimanapun, Nanette Burstein selaku pengarah berjaya mengolahnya dengan realistik, tidak terkongkong dengan idea percintaan dongeng Hollywood.

Menontonnya sama seperti menyaksikan sebuah siri realiti, iaitu mengenai orang-orang sebenar dengan masalah-masalah sebenar.

Tidak menghairankan kerana Burstein asalnya ialah pembikin dokumentari bertaraf calon Oscar. Ini merupakan cubaan pertamanya mengarahkan filem cereka.

Kerana Going The Distance membincangkan perhubungan remaja, Geoff La Tulippe cuba menghasilkan sebuah skrip yang jujur, lantang dan tidak konservatif. Sayangnya, sesetengah penonton mungkin akan tersinggung atau kurang selesa dengan jenakanya yang membabitkan perihal seks.

Beberapa perlakuan dan dialog menimbulkan provokasi, lebih-lebih lagi untuk penonton Asia. Ada masanya saya terasa filem ini menjurus ke arah komedi stail Judd Apatow yang celupar, seperti The 40 Year Old Virgin (2005) dan Knocked Up (2007).

Keikhlasan penulis skrip untuk memaparkan fitrah sebenar pasangan bercinta jarak jauh, sedikit terganggu dengan keberanian itu. Sekali dua lawak lucah boleh diterima, tetapi tidak hampir sepanjang filem.

Ada masa-masanya juga gelombang filem ini terasa mendatar pada pertengahan, sedangkan ketika itu konflik perhubungan Garrett dan Erin sedang memuncak. Mungkin Burstein sengaja mengelak daripada menjadi terlalu sentimental atau melodrama.

Secara peribadi, saya merasakan penyudah Going The Distance terlalu ringkas dan mendadak, tidak serumit masalah-masalah yang digambarkan sejak awal.

Sebagai pasangan yang pernah bercinta dalam kehidupan sebenar, Drew Barrymore dan Justin Long tidak perlu berusaha keras untuk mencipta keintiman. Sejarah perhubungan mereka yang panas dingin di luar set penggambaran, menjadi taruhan untuk mengajak peminat ke pawagam.

Malah, Barrymore dan Long bertuah kerana disokong pelakon pembantu yang mempunyai kredibiliti untuk membuatkan penonton ketawa, terutama sekali Christina Applegate sebagai kakak Erin yang bersifat mengongkong; serta Jason Sudeikis dan Charlie Day sebagai teman karib Garrett yang gila-gila.

Dengan mengenepikan dialog-dialog 18SX, filem ini tidak membuatkan saya mencebik. Justeru, Going The Distance tidak berada di dalam kelas yang sama seperti Valentine’s Day, When In Rome atau The Back-Up Plan.

Phua Chu Kang The Movie (2010)

"Jangan main-main"

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

salah SATU ADEGAN DALAM FILEM PHUA CHU KANG THE MOVIE.

SIAPA yang tidak kenal dengan Phua Chu Kang (PCK), kontraktor popular di Singapura, Johor Bahru dan Batam.

Sinonim dengan imej rambut kerinting, bertahi lalat besar dan berkasut but kuning, dia menjadi jenama popular isi rumah di rantau ini.

Selepas 13 tahun diwujudkan, PCK mahu ruang yang lebih besar. Ia dibawa ke layar perak dengan persekitaran yang berbeza iaitu Kuala Lumpur (atau 'Kuara Rumpur' mengikut slanga Chu Kang).

Walaupun sudah berpindah lokasi, semangat PCK masih terasa 'Singapura'.

Saya tidak pasti jika ini waktu yang tepat untuk mengalihkannya ke medium filem - lambat atau cepat, hangat atau basi - saya percaya PCK ada pengikut sendiri.

Phua Chu Kang The Movie menghimpunkan semula Chu Kang dan isterinya, Rosie, ibunya, Ah Ma, pekerjanya, King Kong dan seterunya, Frankie Foo dalam satu bingkai.

Kerana Chu Kang sudah berpindah ke Kuala Lumpur, maka adalah wajar untuk mengenepikan watak adiknya, Chu Beng, isteri Chu Beng, Margaret dan anak mereka, Aloysius untuk versi filem. Sewaktu di Singapura dulu, dalam sitkom, mereka tinggal serumah.

Filem ini dibuka dengan babak imbas kembali Chu Kang dikejar penduduk sekampung. Adegan semasa kanak-kanak ini pastinya mengembalikan ingatan penonton kepada montaj sitkomnya, yang juga menunjukkan zaman kanak-kanak Chu Kang. Satu permulaan yang baik.

Seterusnya, penonton dibawa ke zaman hari ini iaitu Chu Kang dan Rosie menjemput Ah Ma di stesen bas Kuala Lumpur.

Sewaktu bersiar-siar di pusat membeli-belah, tiba-tiba Ah Ma hilang. Di sinilah bermulanya pengembaraan intipati Phua Chu Kang The Movie.

Ah Ma sebenarnya pergi melawat datuk Chu Kang yang ditinggalkan di Rumah Penjagaan Siao Soon.

Dua karakter baru yang diperkenalkan dalam filem ini ialah Lim Lau Pek, pemilik rumah kebajikan serta datuk Chu Kang.

Selama ini penonton tidak tahu Chu Kang mempunyai datuk yang masih hidup, yang membenci cucunya kerana menganggap Chu Kang sebagai pembawa sial sejak kecil. Kerana itu Ah Ma menziarah secara sulit kerana enggan diketahui Chu Kang dan Rosie.

Untuk mengintip perbuatan Ah Ma, Chu Kang berusaha mendapatkan tender membaik pulih rumah kebajikan tersebut.

Konflik demi konflik dicetuskan antaranya persaingan merebut tender di antara Chu Kang dan Frankie Foo serta Lim Lau Pek yang jatuh hati kepada Rosie.

Tanpa disedari, ia membawa kepada satu konflik yang lebih besar iaitu misteri kematian seorang demi seorang warga tua di situ. Ini bukan spoiler, tetapi penonton boleh menjangka siapa wira di penghujung filem ini kalau bukan Chu Kang sendiri.

Tidak dinafikan Phua Chu Kang The Movie membawa semula kenangan indah sitkom popular itu menerusi sifat-sifat karakternya yang masih sama, dengan beberapa frasa popular, seperti 'don't play play' dan 'use your brain-lah!'.

Bagaimanapun, sebagai pengarah, Boris Boo mungkin terlupa bahawa PCK kali ini tidak lagi berdurasi setengah jam, tetapi dipanjangkan kepada dua jam.

Lakon layar yang lemah tidak mampu menyokong perjalanan filem, menyebabkan saya beralih posisi duduk beberapa kali akibat kebosanan.

Skripnya tidak kemas dan terlalu mencuba untuk memaksa penonton ketawa.

Saya masih boleh memaafkan beberapa lawak slapstik, tetapi terdapat beberapa adegan yang tidak perlu diadakan.

Versatiliti Singh dicabar dengan beberapa adegan emosi pada penamat filem.

'Antics'nya sebagai kontraktor kiasu juga terus membuatkan penonton tersenyum, sama seperti Irene Ang yang berjaya mengubati kerinduan peminat terhadap karakter Rosie yang flamboyant dan over the top.

Bagi peminat setia sitkomnya, Phua Chu Kang The Movie mungkin tidak mengecewakan.

Tetapi, kepada yang lain, 'jangan main-main' dengan wang tiket yang bakal dibelanjakan.

The Expendables (2010)

Kemuncak testosteron

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

BUAT para peminat filem aksi, The Expendables ibarat kemuncak mimpi indah. Dimulai dengan tiga nama - Sylvester Stallone, Jason Statham dan Jet Li, barisan pemain diperkuat dengan kehadiran Dolph Lundgren, Mickey Rourke, Steve Austin, Randy Couture, Gary Daniels dan Eric Roberts.

Jika nama-nama itu masih belum cukup memuaskan hati, peminat diberikan bonus kemunculan istimewa Bruce Willis dan Arnold Schwarzenegger.

Biarpun sudah diuar-uarkan di Internet bahawa dua bintang itu dipertemukan dalam satu babak saja, faktor reunion terbesar menjadi magnet terkuat untuk menarik khalayak ke panggung.

Saya percaya penonton sudah tidak peduli akan plot filem. Lebih ringkas lebih baik, kerana harga tiket yang dibayar adalah untuk melihat letupan, tembakan, kejar-mengejar, darah memancut dan segala macam aksi sepak terajang, seganas mungkin.

The Expendables merupakan nama sekumpulan tentera upahan yang mengerjakan misi berisiko tinggi, berani mati dan tidak teragak-agak untuk membunuh orang demi melangsaikan tugasan.

Fokus utama mereka ialah menumpaskan diktator yang memimpin Vilena, yang sebenarnya hanyalah boneka kepada seorang bekas ejen CIA yang tamakkan kuasa.

Dalam masa yang sama, hero filem ini, lakonan Stallone, jatuh hati kepada seorang wanita cantik, anak kepada pemimpin diktator tadi. Satu kebetulan yang sangat klise untuk mencipta konflik.

Untuk sebuah filem yang berdurasi 1 jam 45 minit, The Expendables mempunyai terlalu banyak karakter untuk diberi perhatian.

Justeru, tidak banyak pembangunan watak dapat dilakukan, kecuali untuk Stallone (kerana dia pengarah dan penulis skrip) dan Statham yang mewakili wira generasi baru kerana dia yang paling muda di antara semua.

Pada usia 64 tahun - dengan tubuh yang masih sasa dan sedikit suntikan botox di wajah - Stallone masih mampu mengangkat dirinya sebagai seorang penyelamat, dalam masa yang sama mempunyai sisi rapuh yang dapat dikesan menerusi dialog dan ekspresi matanya yang kuyu.

Dan Stallone beruntung kerana mempunyai ikatan keserasian yang kuat dengan pelakon-pelakon pembantu.

Dalam kemunculan yang terhad, beberapa watak masih meninggalkan impak. Rourke berjaya memberikan dimensi terhadap karakter Tool, bekas ahli The Expendables yang menyimpan tragedi duka di sebalik penampilan kasar; begitu juga dengan Lundgren menerusi karakter yang tidak boleh dibaca - sekejap putih, sekejap hitam.

The Expendables diisi dengan hormon testosteron sepenuh-penuhnya. Melalui babak pembukaannya saja, penonton sudah boleh mengagak ke mana mereka bakal dibawa.

Lengkap dengan pelbagai senjata - dari manual ke mekanikal - dan pelbagai kenderaan lasak - dari daratan ke udara dan lautan - ia mengembalikan sifat-sifat klasik filem aksi.

Eric Roberts yang memegang watak antagonis memiliki ciri-ciri penjahat era 1980an. Dengan muka bengis, gerak tubuh dan dialog yang stereotaip, bagaimanapun, ia bukanlah berita buruk, sebaliknya satu kejayaan buat Roberts.

Saya pasti adegan penutup mampu membuatkan peminat filem aksi tersenyum lebar.

Bertarung dalam durasi hampir setengah jam, ia mengingatkan kita kepada filem Commando (1985) atau siri-siri Rambo (yang pertama terbit pada tahun 1982 dan diakhiri pada tahun 2008 arahan Stallone).

Adegan-adegan lawannya tidak masuk akal, melampau-lampau tetapi masih mengesankan dan menyeronokkan.

Stallone nyata tahu apa yang dimahukan penonton. Ironinya, ideanya tidak ketinggalan zaman, walaupun masih sama seperti plot dua puluh tahun lalu.

Ketepikan skrip atau dialog yang ala kadar, mahupun imej janaan komputernya yang nampak palsu kerana kelemahan-kelemahan ini berjaya diselindungkan.

Buat para peminat filem aksi, The Expendables melengkapi kemuncak sinema musim panas tahun ini.

Best of Times (2010)

Teori ikan emas

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
(syazwan_zakariah@astro.com.my)

BEST of Times merupakan sebuah drama romantis yang menjadikan dua pasangan sebagai contoh kewujudan cinta sejati.

FILEM ini lambat masuk ke pawagam Malaysia selepas hampir setahun ditayangkan di negara kelahirannya. Mendapat kutipan pecah panggung di sana, Best of Times merupakan calon Thailand ke Anugerah Academy 2010 dan terpilih untuk tayangan di Festival Filem Antarabangsa Tokyo.

Selain sebab di atas, saya tertarik untuk menyaksikannya kerana dua faktor.

Pertama, ia diarahkan Yongyoot Thongkongtoon (The Iron Ladies, 2000; Metrosexual, 2006) dan kedua, kerana sinopsisnya yang membandingkan sifat manusia dengan ikan emas.

Jangan salah faham, ini bukan satu lagi kisah fantasi duyung.

Memori ikan emas dikatakan hanya bertahan selama tiga saat. Ketika ia berenang dari satu sisi balang ke sisi yang lain, ia sudah lupa apa yang berlaku sebentar tadi.

Berlainan dengan manusia, apa yang terjadi dalam tiga saat pun boleh diingat sampai bila-bila. Apatah lagi jika membabitkan cinta.

Best of Times merupakan sebuah drama romantis yang menjadikan dua pasangan sebagai contoh kewujudan cinta sejati.

Keng tidak dapat melupakan Fai, cinta pertamanya sejak di bangku sekolah lagi. Biarpun sudah bertahun-tahun, dia masih menyimpan perasaan yang sama dan tidak berani untuk meluahkan.

Tambahan pula, Fai berkahwin dengan rakan baiknya sendiri, Ohm, tetapi kemudian bercerai.

Lapan tahun berlalu, takdir menemukan mereka semula dalam situasi yang amat janggal. Fai datang menjamin Ohm dan Keng di balai polis, selepas mereka memandu dalam keadaan mabuk susulan acara reunion sekolah.

Peristiwa-peristiwa inilah yang membawa penonton mengenali siapa pula Jamrus dan Sompit, pasangan duda janda yang jatuh cinta di dalam kelas komputer warga emas.

Keng ditugaskan sebagai cikgu atas hukuman khidmat masyarakat yang diperintahkan mahkamah.

Penonjolan Jamrus dan Sompit sebagai subjek utama di samping Keng dan Fai, menjadikan Best of Times lari sedikit dari imej stereotaip filem Asia.

Lazimnya pelakon veteran tidak lebih daripada watak sokongan, sekadar menjadi ibu bapa kepada hero atau heroin.

Ini mengingatkan saya kepada karakter lakonan Fatimah Abu Bakar dan Datuk Rahim Razali dalam Cinta (2006) arahan Kabir Bhatia yang juga diberi tumpuan.

Pengarah cuba membangunkan dua kisah cinta dalam satu masa, namun segmen pasangan muda terasa agak meleret dan mendatar, walaupun mempunyai inti pati yang menarik.

Fai masih dibayangi perasaannya terhadap Ohm dan bagaimana Keng harus meneutralkan kejanggalan Fai yang selama ini hanya menerimanya sebagai seorang kawan, bukan kekasih.

Barangkali segmen pasangan berusia, Jamrus dan Sompit memberi impak yang lebih kuat kerana nilai ceritanya.

Jamrus dan Sompit bukan saja 'dipisahkan' oleh kedudukan geografi (Jamrus sanggup memandu enam jam dari Chumporn ke Bangkok, semata-mata untuk ke kelas komputer bertemu Sompit), malah mereka keluar secara sembunyi kerana bimbang cinta tidak direstui anak masing-masing.

Untuk pengarah yang sinonim dengan stail penceritaan yang flamboyant, Thongkongtoon lebih tenang kali ini.

Lakon layar Best of Times tidak mempunyai sebarang kejutan, dialog-dialognya tidak sentimental keterlaluan, malah dalam beberapa adegan, aspek dramatiknya ditonjolkan dalam gaya yang sangat subtle.

Misalnya, ketika Sompit berdepan dengan dilema sama ada mahu mengikut anaknya berhijrah ke Amerika atau menjaga Jamrus yang tiba-tiba disahkan mengidap Alzheimer.

Begitu juga dengan adegan di mana pokok besar kesayangan Jamrus dipindahkan dari kampung ke kediaman anaknya di bandar.

Dua insiden ini boleh saja digunakan Thongkongtoon untuk meruntun jiwa penonton menerusi ratapan atau air mata pelakon, tetapi dia mengambil langkah yang lebih dewasa.

Malah, persembahan empat pelakon utama juga terkawal tetapi masih memberangsangkan.

Bagi sebuah filem bergenre seperti ini, kerja sinematografinya cantik tetapi tidak lari dari klise.

Bersih dan jelas dengan rekaan produksi yang kemas, ia dibantu skor muzik ringkas seperti alunan piano untuk membangkitkan mood.

Best of Times mungkin tidak sempurna, mungkin juga bukan filem cinta yang terbaik. Tetapi, saya percaya kepada teori pada awal perenggan tadi.

Tidak seperti ikan emas, manusia tidak mudah melupakan sesuatu, apatah lagi jika membabitkan cinta.

The Last Airbender (2010)

Jadikan ia pertama dan terakhir

Oleh SYAZWAN ZAKARIAH
syazwan_zakariah@astro.com.my

Shyamalan terperangkap dengan kerumitan mitos The Last Airbender sehingga mengabaikan banyak aspek utama, terutamanya pembangunan cerita, karakter dan lakonan.

THE Last Airbender, filem ketujuh M. Night Shyamalan selepas The Sixth Sense (1999), merupakan adaptasi animasi popular terbitan Nickolodeon, Avatar: The Last Airbender.

Ditayangkan di kaca televisyen mulai 2005, siri kartun itu masyhur kerana elemen Asia yang kuat - pengaruh anime, kesenian China, Hinduism, Taoism dan Buddhism dari mata masyarakat Barat.

Ia mempunyai ramuan dan sifat sebuah epik seperti The Lord of The Rings yang penuh ciri mistikal, budaya dan ketamadunan.

Bukan pengikut setia animasinya, saya hanya membuat sedikit kaji selidik menerusi Internet, bertanya kepada rakan-rakan yang fanatik serta membaca sinopsis sebelum menyaksikan filem ini.

Bagi saya, sebuah filem yang baik mampu berdiri sendiri tanpa memerlukan penonton merujuk kepada material asal, sama ada novel, animasi atau prekuel.

Dalam The Last Airbender, populasi dunia terbahagi kepada empat puak iaitu tanah, udara, air dan api.

Sesetengah daripada mereka dikurniakan kebolehan untuk menguasai elemen masing-masing, tetapi untuk mengelakkan pertembungan kuasa, seorang pengawal diperlukan. Pengawal itu dipanggil Avatar.

Hanya Avatar yang mampu mengimbangi keempat-empat elemen tersebut agar dunia sentiasa aman. Bagaimanapun, penyelamat dunia ini dikatakan sudah tidak wujud lagi.

Filem ini dibuka dengan adegan dua beradik dari puak air, Sokka dan Katara, yang menjumpai sami kanak-kanak dari puak udara yang terperangkap dalam ketulan ais gergasi.

Namanya Aang dan beberapa minit kemudian, penonton diberitahu dialah Avatar yang hilang sejak 100 tahun lalu.

Atas kuasa yang diserahkan kepadanya, walaupun tanpa kerelaan, Aang harus bangkit menentang kejahatan daripada puak api.

Dia bukan saja diburu raja puak itu sendiri, Lord Ozai, tetapi menjadi sasaran anaknya, Prince Zuko yang mahu membuktikan kepada bapanya bahawa dia layak menduduki takhta.

Sememangnya satu kerja yang sukar untuk memendekkan animasi berdurasi lebih lapan jam kepada dua jam filem.

The Last Airbender dilihat sebagai projek Shyamalan yang paling bercita-cita tinggi dan 'menakutkan', apatah lagi julung-julung kalinya dia harus bermain dengan imej janaan komputer (CGI) semaksimum mungkin.

Malangnya, Shyamalan bukan Peter Jackson. Dia terperangkap dengan kerumitan mitos The Last Airbender sehingga mengabaikan banyak aspek utama, terutamanya pembangunan cerita, karakter dan lakonan.

Dia 'mencampakkan' segalanya di layar perak, tanpa penonton merasai apa-apa kesan.

Pemilihan pelakon sudah diperdebatkan sejak awal lagi. Peminat setia mempersoalkan mengapa wajah-wajah asal dari animasi tidak dikekalkan.

Sebagai contoh, Aang sepatutnya berwajah lebih Asia dan Prince Zuko yang sepatutnya mempunyai imbasan rupa Cina, bukan India seperti dalam filem. Malah, sebutan nama Aang juga ditukar kepada Uhng.

Saya tidak melihatnya sebagai isu diskriminasi perkauman, tetapi kepada peminat tegar, setiap perincian adalah penting.

Mereka mahukan sesuatu yang sudah sebati sejak awal. Secara peribadi, saya tidak begitu peduli, asalkan lakonan mereka boleh dipercayai. Sayangnya, itu juga tidak berlaku.

Mereka hanya melontarkan dialog dengan kaku, seolah mereka sendiri tidak faham dengan apa yang dituturkan.

Aksi-aksi seni mempertahankan diri, termasuk semasa mereka menguasai elemen masing-masing kelihatan robotik dan dikoreograf.

Noah Ringer yang memegang peranan Aang, tidak memiliki aura seorang hero kerana ketrampilannya yang lembik dan tidak meyakinkan.

Dev Patel yang cemerlang dalam Slumdog Millionaire (2008) pula hanya mempamerkan lakonan yang cukup makan sebagai Prince Zuko.

Emosi yang hilang daripada barisan pelakon membuatkan filem ini kurang nyawa.

Tidak dinafikan, sesetengah imej CGI yang terhasil menakjubkan, dengan set dan props yang spektakular serta skor muzik yang bersesuaian. Namun, itu semua bukan kerja Shyamalan.

Di manakah dia sebagai pengarah dan penulis lakon layar yang bertanggungjawab menjaga naratif?

Kejayaan kecil dalam aspek sinematik tadi tidak cukup untuk menyelamatkan The Last Airbender sebagai sebuah filem yang total.

Saya pasti sewaktu animasinya ditayangkan, ia diminati kanak-kanak dan dewasa kerana tema yang universal.

Isu persahabatan, dinamik kekuasaan sesebuah institusi, kasih sayang dan kehilangan dibawakan dalam vakum yang ringan dan menyeronokkan.

Sebaliknya, di tangan pengarah berusia 40 tahun ini, ia menjadi sebuah karya gelap yang kucar-kacir, di mana setiap adegan seakan tidak serasi dengan adegan yang lain.

Mungkin lebih baik siri trilogi ini dihentikan saja sekarang agar menjadi filem yang pertama dan terakhir.

The Last Airbender, filem ketujuh M. Night Shyamalan selepas The Sixth Sense (1999), terus menjunamkan kerjayanya.